В юности сентиментальный Гитлер зарабатывал на жизнь этюдами и рисунками достопримечательностей Вены. Во время Первой мировой, тот же сентиментальный и мечтательный ефрейтор, в окопах, между боями чиркал пейзажи Фландрии. В роковом 33-м уличный художник и бывший ефрейтор Гитлер занял пост рейхсканцлера.

За Адольфа голосовали самые разные  слои населения. Широкая социальная база Гитлера создавалась за счет тех, у кого после поражения Германии была выбита почва из под ног, кто чувствовал себя обманутым, кто потерял имущество и жизненную перспективу. Он сумел использовать психологическую и социальную неустроенность толпы, показывая ей путь к спасению униженного отечества, обещая различным слоям и группам населения всё, что они хотели: монархистам —  монархию, рабочим – хлеб и работу, промышленникам — военные заказы и пр. Националистические лозунги фашистов привлекли немцев больше, чем призывы к терпению и разуму других партий.

В то время в Германии жили широко известные во всём мире художники – экспрессионисты и авангардисты. Например, Василий Кандинский и Пауль Клее. Все картины великих мастеров были изъяты из залов музеев. Сами художники спешно покидали Германию…

 Национал-социалисты, осознавая значимость силы воздействия изоискусства на умы, взялись за дело правое — пропагандировать  своё-насущное.

И, конечно, немцы- художники искренне и сентиментально писали  просто войну и просто солдат. Массовые убийства, сожжённые деревни, уничтожение несовершенных наций и пр., послужившие поводом для проведения многочисленных судебных процессов в послевоенное время, разумеется, не служили источником вдохновения для немецких художников.

 В том же 1933 году, после прихода национал-социалистов, кроме художников аполитичных, была вынуждена покинуть Прусскую Академию искусств  и руководитель художественной мастерской графики, профессор Кете Кольвиц — известная миру немецкая пацифистка.

Вскоре негласно запретили выставлять её новую серию литографий «Смерть» и велели убрать из залов страны все остальные работы. Переезд Кольвиц в замок Морицбург,  по приглашению принца Эрнста Генриха Саксонского, спасает художницу от режима. 22 апреля, 1945 года, на 77 году жизни, художник и скульптор Кете скончалась, не дожив до победы несколько дней.

  Конечно же, здесь не проводится никакой аналогии с фашизмом, но, в связи с сегодняшними событиями, творческим людям  иногда приходится выслушивать в свой адрес упрёки в аполитичности, инфантильности и бездействии.  Да,все виды искусств влияют на сознание обывателя и, в этой связи, возникают вопросы: что делать и как быть честным сегодня художнику, чтобы не навредить?  И что честнее: писать чудный вид из окна и слушать как падает снег, или слушать оратора на площади Независимости и делать исторические зарисовки с активистов?

Живопись Третьего рейха

01. Х.О. Хойер. «В начале было слово»

Э. Эбер. Это — штурмовой отряд. 1938.

Р.Г. Айсенменгер. Австрия возвращается домой. 1938.

Т. Ригер. Мальчик из Гитлерюгенда. 1941

Х. Шмиц-Веденбрюк. Народ в борьбе.

Л. Шмуцлер. Деревенские девушки, возвращающийся с полей.

… и не только солдат… и не только тыл..

З. Хилц. Деревенская Венера. 1939.

О. Мартин-Аморбах. Баварская Венера. 1935.

П. Падва. Выступает фюрер. 1939.

А здесь словно не они на нас а мы на них…

А. Рейх. Сбор вещей для фронта. Зимняя помощь. 1942.

К. Берген. Поход в Атлантику. 1941

К. Берген. Возвращение из похода. 1941

В. Чех. Гренадер. 1943

В. Чех. Друзья. 1940

Р. Шрайбер. Против Англии. 1942

П. Падва. 10 мая 1940 года. 1942

Ф. Стагер. Патруль СС

Э.фон Гендель-Мазетти. Артиллерия на фронте. 1942

А вот, как трогательно…

Ф. Гебхардт- Вестербухберг. На охране Европы. 1942

А. Рейх. Большая жертва. 1943.

И ещё более трогательно… красивая работа…

Х.А. Бёхлер. Возвращение домой. 1940.

И достаточно немного  работ Кете Кольвиц примерно

того же времени…

В париже. Зарисовка цветным мелом

«Помогите голодной  России», 1921 г.

Родители

Хлеба!

Жив?

Встреча

Автопортрет

От: Ира Проценко

Ирина Проценко. Расширенный комментарий   к статье «Деньги 2 или Давать некому»

Постараюсь не кратко и просто Как-то сразу бросилось в глаза предложение «взаимопомощь друзей»,  как вариант. Это реально работает,  но порывами.  Дружба у творцов пульсирующая, творцы могут выпасть из реальности надолго, или поссориться, причём, первый уже забыл, а второй не то чтобы дуется, — тоже давно простил, но помощи не попросит.  А первый не спросит: ты там живой? Потому что на тот момент выпал в космос и творит. 

 Когда-то  у военных  были кассы взаимопомощи. Это была надёжная материальная поддержка, люди позволяли себе семьями ездить в отпуск, покупать мебель. Деньги выдавали по потребностям. Долг возвращался обязательно, не спеша, щадящими порциями, не в ущерб семейному бюджету. Вносили, насколько я помню, не фиксированный взнос, а кто  сколько может. У полковника и лейтенанта зарплаты из-за выслуги лет разительно отличались, но никто не возмущался, если лейтенанту понадобилась сумма, превышающая его одно-двух месячную зарплату.

В общем, было хорошо и дружно. Этот вариант  схож с предложением  Семерни «помощь друзей». Но у творца  бывает  затяжное безденежье и ему тогда не до взносов. Выдержит ли касса иждивенца? … 

А ещё у творцов нет понятия дисциплины дружественных отношений. Т.е., дружба есть! А дисциплины нет… Что касается  Союза художников, то взносы  мы  регулярно платим, за этим строго следят, есть случаи исключения злостных задолжников  из членов союза.

Несколько лет тому мне выделили на экстренное лечение… 500грн. Больше за помощью в союз я не обращалась…

 Я тоже за то, чтобы напоминать громко государству о том, что именно мы его погода  духа и украшение жизни. )) А вот интересно, если бы все таланты обиделись, загрузились на ковчег и уплыли, государство  бы заметило пропажу?…

Я писала здесь под другим ником о том, как в голландской глубинке отнеслись к начинающему художнику, о РАЗНОСТИ МИРОВОЗЗРЕНИЙ. Когда я в конце 90х была с выставкой в Словакии — представляла Сумы, — мне предлагала одна дама, организатор муниципальных выставок,  показать живопись в том её голландском городке, обеспечив  дорогу туда-обратно. Потом она писала в письме: дорогая Ира, твои слайды очень понравились, но когда директор галереи узнал, что ты из бандитской России (так воспринимали постсоветское пространство), то отказал заплатить за дорогу, он опасается, что за тобой стоят аферисты… Конечно, мне самой не под силу было ехать в Голландию.

  О галерее. Менять в галерее раз в год арт. руководство, это — какому-то клану (стилю) можно так и не дождаться своего звездного часа… Наши люди, дабы прокормиться,  освоят все виды и жанры, и  впишутся в режим каждого года Потеряют лицо, но впишутся. Следовательно, менять надо чаще, может даже, чередуя стили, приглашать на каждую выставку  сопутствующего куратора. Или найти одного обожателя всех жанров и стилей -настоящего искусствоведа, ведающего в искусстве.

 О сотрудничестве.  Мне один раз в жизни повезло с таким человеком, широко ведающим в искусстве,-  мы в Киеве короткое время успешно сотрудничали и дружили, она определила на то время мою стилевую/ценовую нишу, вселила твёрдую уверенность в себя. Но потом уехала в Вену и там нашла своё счастье. Это был настоящий маршан. 

До неё и после были всякие предложения и курьёзы. Один покупатель из Германии ждал, когда мои «Насмешницы и садовник» упадут в цене до копеек, ну, как просроченный товар. В очередной  приезд он остался в шоке, узнав, что в каких-то Сумах картина продалась в 2 раза дороже первоначальной цены.  О цивилизованном  качестве сотрудничества (маршанства) я узнала от одного канадца, работавшего в Москве. 

В тех же, концедевяностых,  пришёл  ко мне молодой человек, сказал, что едет в Москву встретиться со знакомым канадцем и хочет показать фото моих картин. В итоге канадец купил одну работу. Посредник отдал договорённую сумму, получил свои 10 процентов и исчез. Через год находит меня по телефону канадец с просьбой написать что-нибудь в подобном духе. Заказ выполнила и повезла в русский городок у границы, где мы и встретились с покупателем. Когда я назвала сумму немногим меньшую суммы предыдущей картины, проданной посредником, канадец удивился и озадачился. — Вас что, перестали покупать? – спросил он. — Почему Вы так решили? — А Вы знаете, сколько ваш посредник взял с меня денег прошлый раз? – и назвал сумму намного превышающую договорённой.

Потом он рассказал, о том, как  звезда сцены N уволил своего организатора концертов за то, что его новый самолёт оказался круче, чем самолёт господина N.  То есть, тут интересный момент: задача посредника, как сотрудника, оттолкнуться от договорённой цены, повысить её перед заказчиком, отчитаться маэстро и обсудить новый повышенный процент за работу. Вот такое бывает взаимовыгодное сотрудничество. Но возможно ли такое у нас?

Владимир Нарбут и Серафима Суок

Есть местности, где сама природа способствует появлению на свет одаренных людей. Глуховский район Сумской области, несомненно, относится к таким местам.

В Глухове, тогда казацкой столице Украины, в середине XVIII века родились великие музыканты Дмитрий Бортнянский и Максим Березовский, а также меценат и друг Бетховена Андрей Разумовский.

А в конце XIX века на хуторе Нарбутовка, вблизи уже глубоко провинциального в ту пору Глухова, в семье выпускника физмата Киевского университета представителя древнего литовского дворянского рода Ивана Яковлевича Нарбута родились два брата — Георгий и Владимир Нарбуты, каждому из которых были одновременно отмеряны небесами великий талант и трагическая судьба.

Владимир Нарбут (родился в 1888 году) – талантливейший поэт-новатор, один из «шести истинных акмеистов», товарищ Николая Гумилева, который предрекал ему «одно из самых значительных мест в послесимволической поэзии» (после Анны Андреевны, разумеется). Соратник Городецкого, Ахматовой, Мандельштама, Зенкевича по «Цеху поэтов». Прозаик, критик, журналист и редактор, куратор первых радиопередач, общественный и партийный деятель, «колченогий» из катаевского «алмазного венца» русской литературы, за намеренное использование украинских слов названный «Гоголем русской  поэзии».

Георгий Нарбут

Георгий Нарбут (родился в 1886 году) – выдающийся художник, классик украинского искусства, основоположник украинской графики, кроме всего прочего, знаменитый тем, что был основателем, профессором и первым ректором Украинской академии художеств.

А ещё тем, что он — автор первых украинских государственных знаков времён УНР – банкнот и почтовых марок, разработчик печати и проекта герба Украинской державы. Произведения Георгия Нарбута во многих отношениях остаются образцом для художников, работающих в жанре книжной графики, плакатистов и живописцев-монументалистов.

Владимир Нарбут хромал из-за перенесённой в детстве операции на правой ноге, приведшей к удалению пятки. У него отсутствовала кисть левой руки, которую удалили после того, как его «неудачно» расстреляли бандиты.

Он заикался, говорил  по-русски с намеренно сильным украинским акцентом, его лицо было истоптано оспой… И при  всём этом вот что пишет о Владимире Нарбуте Валентин Катаев:

 «… высокий, казавшийся костлявым, с наголо обритой головой, в громадной лохматой папахе, похожей на черную хризантему, чем-то напоминающий не то смертельно раненного гладиатора, не то падшего ангела с прекрасным демоническим лицом, он появлялся в машинном бюро «Одукросты», вселяя любовный ужас в молоденьких машинисток; при внезапном появлении колченогого они густо краснели, опуская глаза на клавиатуры своих допотопных «ундервудов» с непомерно широкими каретками…»

«Девушек, секретарш и конторщиц его, должно быть, пронизывают любовные токи от одного его взгляда… Может быть, он даже являлся им в грешных снах», —

добавляет Юрий Олеша, описывая  в своём романе «Зависть» «колбасника» Бабичева, в чертах которого легко узнать Владимира Нарбута.

У Олеши были причины не любить Нарбута, который отбил у него жену Серафиму, одну из трёх сестёр Суок. Впрочем, всё скоро уладилось. Юрий Карлович женился на старшей сестре — Ольге Суок, а на средней — Лидии был женат Эдуард Багрицкий.

К слову, именно жёнам Юрия Карловича Серафиме и Ольге обязана своим именем главная героиня повести-сказки Олеши «Три толстяка». Сказка эта про революцию и поэтому там имя «Суок» означает «вся жизнь» на выдуманном Олешей «языке обездоленных».

Георгий Нарбут одинаково хорошо рисовал обеими руками и имел феноменальную зрительную память, позволявшую ему восстановить на бумаге сложный орнамент, увиденный несколько лет назад. Кроме того, он умел нравиться самым разнообразным людям, вызывая симпатию преданностью призванию художника, свежей юношеской удивленностью миром, чистосердечностью и артистизмом, который выражался даже в необычном для многих повседневном поведении.

Приближение столетней годовщины Отечественной  войны 1812 года вызвало в нём страстное увлечение русской культурой начала XIX в. Нарбут обставил свою петербуржскую квартиру в духе того времени, носил «онегинский фрак» и соответственно причёсывался.

А после Февральской революции, когда Георгий Иванович вернулся в Киев, он так же страстно увлёкся казацким прошлым Украины и в общении перешёл на литературную украинскую речь.

Иными словами, братья были очень похожи тем, что сейчас называется «харизмой». Но не только. Они и женаты были оба дважды и, несмотря, на разницу в возрасте, в гимназии учились в одном классе. В 1906 году одновременно получили аттестаты зрелости. Правда, оценки в них были разные. Владимир окончил курс с золотой медалью, а Георгий – в основном на «три».

Затем оба отправились в Петербург учиться в университете. Там они первым делом явились к кумиру Георгия выдающемуся художнику–иллюстратору Ивану Билибину и так очаровали его, что он после первого же знакомства предложил им для проживания комнату в своей квартире.

«Нарбут огромных, необъятных размеров талант. Я считаю его самым выдающимся, наибольшим из русских графиков», —

позже говорил о Георгии И. Билибин.

Через 6 лет вышел сборник стихов Владимира Нарбута «Аллилуйя». Его оформили И.Билибин и Г. Нарбут, используя церковнославянский шрифт из старопечатной псалтыри. Однако выход книги закончился скандалом — автора обвинили в порнографии, тираж изъяли, а сам Владимир Нарбут, спасаясь от уголовного преследования, был вынужден воспользоваться содействием Николая Гумилёва и предпринять вынужденное пятимесячное путешествие в Эфиопию.

И Георгий и Владимир Нарбуты сочетали в себе художественные и административные таланты. Вот ещё один отрывок из книги «Алмазный мой венец» Валентина Катаева.

«Нашей «Одукростой» руководил прибывший вместе с передовыми частями Красной Армии странный человек — колченогий. Среди простых, на вид очень скромных, даже несколько серых руководящих товарищей из губревкома, так называемой партийно-революционной верхушки, колченогий резко выделялся своим видом. Он принадлежал к руководящей партийной головке города и в общественном отношении для нас, молодых беспартийных поэтов, был недосягаем, как звезда. Между нами и им лежала пропасть, которую он сам не склонен был перейти. У него были диктаторские замашки, и свое учреждение он держал в ежовых рукавицах. Но самое удивительное заключалось в том, что он был поэт, причем не какой-нибудь провинциальный дилетант, графоман, а настоящий, известный еще до революции столичный поэт из группы акмеистов, друг Ахматовой, Гумилева и прочих, автор нашумевшей книги стихов «Аллилуйя», которая при старом режиме была сожжена как кощунственная по решению святейшего синода. Это прибавляло к его личности нечто демоническое…» 

В это время Георгий Нарбут был уже первым ректором Украинской академии художеств, созданной в 1917 году при содействии М.Грушевского. Когда началась гражданская война, в Киеве завертелась беспрерывная смена правительств. При Деникине Академию лишили помещения, и она существовала в квартире ректора.

В  1920 году в связи с возрождением издательского дела, Академия получила  просторное помещение на Крещатике и печатные станки для графического факультета. Однако, именно в это время здоровье художника начало резко ухудшаться и 23 мая 1920 года после операции по удалению камней из почек Георгия Ивановича Нарбута не стало. Вся его биография уложилась в 34 года.

Последний прижизненный сборник Владимира Нарбута — «Александра Павловна» вышел в 1922 году. После этого он, в основном, занимался административной и партийной работой, в частности, — председательством в правлении крупнейшего советского издательства «Земля и Фабрика», заведыванием подотделом Агитпропа ЦК ВКП (б), общественной деятельностью в центральном бюро секции работников печати Всеработпроса…

Художник Георгий Нарбут в последние годы был украинским националистом. Поэт Владимир Нарбут – убеждённым большевиком. Но именно Владимир в 1936 году был арестован по обвинению в пропаганде «украинского буржуазного национализма» и в 1938 году (в том же, что и Мандельштам)  расстрелян в лагере НКВД. В тот день ему как раз исполнилось 50…

Далее пути братьев расходятся.

Георгий Нарбут стал гордостью современной украинской культуры. Хотя его имя присутствует и в российских справочниках по искусству, где его называют «русским художником». Георгий Иванович в почёте, его работы, особенно «Абетка», иллюстрации к «Энеиде» И. Котляревского и к басням И.Крылова считаются шедеврами и являются классикой украинской графики, о нём помнят, его биографию изучают, сочинённый им  оригинальный шрифт до сих пор широко тиражируется украинскими художниками.

А поэт Владимир Нарбут… Как русскоязычный автор он вроде бы часть русской культуры, которой теперь в Украине не занимаются. Однако после смерти поэта в России не было издано ни одного сборника его стихотворений. Последним был ещё советский, вышедший в 1990 году в издательстве «Современник». И больше Владимира Нарбута, одного из талантливейших и своеобразных поэтов  XX века не издавали…

Ещё по теме: Графіка Георгія Нарбута в зібранні Сумського художнього музею ім. Н.Онацького

P.S.

***

Одно влеченье: слышать гам,
чуть прерывающий застой,
бродя всю жизнь по хуторам
Григорием Сковородой.

Не хаты и не антресоль
прельстят, а груша у межи,
где крупной зернью ляжет соль
на ломоть выпеченной ржи.

Сверчат кузнечики.
И высь —
сверкающая кисея.
Земля-праматерь!
Мы слились:
твое — мое, я — ты, ты — я.

Мешает ветер пятачки,
тень к древу пятится сама;
перекрестились ремешки,
и на плечах опять сума.

Опять долбит клюка тропу
и сердце, что поет, журча,—
проклюнувшее скорлупу,
баюкаемое курча.

***

СИРИУС

Ангел зимний, ты умер.
Звезда
синей булавкою сердце колет.
Что же, старуха, колоду сдай,
брось туза на бездомную долю.

Знаешь, старуха, мне снился бой:
кто-то огромный, неторопливый
бился в ночи с проворной гурьбой,—
ржали во ржах жеребцы трубой,
в топоте плыли потные гривы…

Гулкие взмахи тяжелых крыл
воздух взвихрили, и — пал я навзничь.
Выкидышем утробной игры
в росах валялся и чаял казни.

Но протянулась из тьмы рука,
вылитая — верь! — из парафина.
Тонкая, розой льнущая, ткань,
опеленав, уложила в длинный
ящик меня. 

Кто будет искать?
Мертвый, живой — я чуял:

потом
пел и кадил надо мною схимник,
пел и кадил, улыбался ртом,—
это не ты ли, мой ангел зимний?

Это не ты ли дал пистолет,
порох и эти круглые пули?..
Песья звезда, миллионы лет
мед собирающая в свой улей!

Ангел, ангел, ты умер.
Звезда,
что тебе я — палач перед плахой?..
В двадцать одно Сыграем-ка.
Сдай,
сдай, ленивая, сивая пряха!

***

УКРОП

Тянет медом от укропа,
поднял морду, воя, цербер.

Из-за века — глаз циклопа:
полнолунье на ущербе.

Под мельницей ворочает
колеса-жернова
мучарь да нежить прочая,
сама едва жива.

А на горке, за овином,
за цыгельной — ветряки.
Ты нарви, нарви, нарви нам,
ведьма, зелья от руки!

Пошастать бы амбарами,
замки травой взломать:
не помирать же старыми,
такую твою мать!

Прется виево отродье;
лезет в гору на циклопа.
Пес скулит на огороде,
Задыхаясь от укропа.

***

Живопись Георгия  Нарбута 

Стихи Владимира Нарбута  

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

Тимоти Пакрон — настоящий фотохудожник, работающий на грани двух искусств – фотографии и живописи. Они близки по сути и их пересечения в поисках современных творцов, живущих в мире, где техника фотографирования развита не меньше, чем техника живописи, выглядят логичными.

Об одном таком случае удачной встречи двух родственных визуальных искусств мы рассказывали в материале: Художник из Франции использует вместо холста небо

Американец Тимоти Пакрон, в отличие от француза Томаса Ламадье, интересуется земными делами. Его творчество посвящено портрету. А далее всё будет необычно.

Творческий метод

Классический фотограф щёлкает полсотни кадров и потом отбирает самые, на его взгляд, удачные. Классический живописец усаживает перед собой портретируемого и переносит на холст, как он его видит.

Тимоти Пакрон поступает иначе. Вначале он делает снимки, затем уходит в  «тёмную комнату», проявляет их и, глядя на негатив, пытается уловить характерные черты лица, скрытые при обычном «позитивном» взгляде за игрой света и тени.

А далее начинается «живописный» этап работы над портретом, в ходе которого  используется туш, серебро, чернила и масляные краски. В этой, завершающей, части творческого процесса автор моделирует и подчёркивает своё индивидуальное видение исходного материала, перенося на изображение скрытые образы, уловленные им при созерцании фотоснимка в «негативном» пространстве.

О художнике

Тимоти Пакрон родился на берегах великой американской реки Миссисипи в Чарльстоне (Южная Каролина). В 2009 году получил диплом бакалавра искусств в колледже Чарльстона, где занимался изучением живописи и фотографии. Сразу же после завершения образования художник начал показывать свои работы в различных галереях родного города, в частности, в галерее Ребекки Джейкоб и в публичной библиотеке Чарльстона.

В настоящее время фотограф и художник живет и работает в Нью-Йорке. Его работы можно увидеть в галерее Castell Photography Gallery, а также в галерее Майкла Митчела (Michael Mitchell Gallery) в Чарльстоне.

Художник о себе

Свой уникальный творческий метод сам Тимоти Пакрон объясняет так: «Я всегда был очарован портретом. Для меня успешный портрет содержит присутствие и вес, вызывая взаимное эмоциональное существование изображения и зрителя. В моих исследованиях, решается задача создания портрета, который становится опытом просмотра.

Наряду с  использованием лица в качестве шаблона, мой творческий процесс включает в себя ручную роспись и проявление в темной комнате, с целью выявления конкретных, нужных аспектов лица на негативном изображении, что дает портрету ясность.

Вместо создания реалистичных, перенесённых прямо из плёнки портретов, меня больше интересует  изучение того, как исходное изображение может быть поднято на поверхность альтернативным способом. Моя работа в качестве художника, заключается в том, чтобы бросить вызов зрителю, сделать его видящим по-другому, думающим по-другому и, самое главное, чувствующим по-другому.»

Работы Тимоти Пакрона

С большой подборкой впечатляющих работ Тимоти Пакрона приглашаем вас ознакомиться в материале «Кто это — фотохудожник? Это — Timothy Pakron…»

Самира Янушкова – украинская художница, известная на весь мир своими акварелями. Вразрез с классическим пониманием работы в данной технике, Самира использует в качестве основы для произведений бумагу из хлопка. А краски из ценных пигментов только подчеркивают отношение художницы к своей работе.

В своем творчестве Самира обращается к жанру пейзажа и портрета, однако почетное место среди ее работ занимают натюрморты и бытовые зарисовки, выхваченные из повседневности взглядом человека, который больше всего любит жизнь и наслаждается каждым мгновением. Чеснок, яблоки или старый бидон, в акварелях Самиры все они воспеты с невыразимой нежностью и любовью.

Когда-то эти вещи были частью детского мира, их озаряло солнце и улыбки близких людей. Прошло время, исчезло гудение пчел и аромат домашней еды, кого-то из близких больше нет рядом. Но осталась любовь. Настоящая, безграничная способная возродить цвет, звук и аромат. Способная вернуть время и оживить воспоминания.

«Мой дом – это моя планета, моя страна, мой народ. Когда понимаешь это, тогда осознанно начинаешь любить свою культуру, традиции, язык, всю страну, оберегать и сохранять все, что с ней связано. Любовь начинается с простого домашнего яблока и разрастается до украинских казаков, истории и культуры. А солнце помогает – оно для всех, одно, наше», – говорит художница.

Работы Самиры – воплощенные в цвете чувства и эмоции. И каждый найдет в них свое собственное убежище от жизненных невзгод, свои двери к теплым детским воспоминаниям.

Самира Янушкова (род. 1981, Одесса). Закончила Днепровский театрально-художественный колледж (2003; специализация – декоративно-прикладное искусство) и Днепровский национальный университет имени Олеся Гончара (2008; кафедра украинской филологии и искусствоведения). Дипломированный акварелист. С 2018 – активный участник выставок, арт-ярмарок и фестивалей художников акварелистов областного, всеукраинского и международного уровня. Среди них – Международная выставка акварели (Украина, 2018), 1-й международный фестиваль акварели IWS Czech Republic (2018), Art Zurich (2019) и Our Wonderful World (2020). Участник IFAM Global, «Мир современной акварели» (2021). Заняла первое место в онлайн-конкурсе «Golden brush» «Love. Peace & Tolerance through Art» на Международном акварельном фестивале от Международного акварельного сообщества Турции (IWS Turkey) в Измире. Победитель всеукраинских и международных конкурсов, обладатель около десяти Специальных наград в Международных выставках-конкурсах. Член Международной ассоциации акварелистов IWS (с 2020). Член Национального союза художников Украины (с 2021). Вошла в список 100 лучших художников США (2021). Работы Самиры экспонируются во многих странах мира: Украине, России, Франции, Италии, США, Швейцарии, Малайзии, Вьетнаме, Турции, Индонезии, Болгарии, Финляндии, Мьянме, Румынии, Японии, Чехии.

Выставка Самиры Янушковой «Цвета солнца» пройдет в арт-галерее «Мануфактура» с 26 февраля по 28 апреля 2022 года.

Вход свободный!

Адрес: Обуховское шоссе, 2
Время работы: ежедневно с 11.00 до 19.00
Информация по тел.: +38 (044) 200-9747
E-mail: pr.art.manufactura@gmail.com

Смешивая краски, Джон Брамблитт (John Bramblitt) сравнивает себя с кулинаром, который добавляет в блюдо нужное количество ингредиентов точно по рецепту. А все потому, что увидеть, каков же результат его стараний Джоан не может. Он слеп, но пишет картины, чувствуя на ощупь, какими красками пользуется и как кладет мазки.

Он потерял зрение из-за эпилепсии, симптомы болезни впервые появились в 11 лет, и к 30 годам он перестал видеть. Казалось, что жизнь потеряла смысл, ведь все мечты оказались несостоятельными, а планы на будущее были разрушены. Художник вспоминает, что у него была сильнейшая депрессия, и он не видел выхода из этого состояния.

Чтобы побороть отчаяние, Джону Брамблитту понадобился год. Он решил для себя, что найдет способ рисовать, чего бы это ему не стоило, и действительно научился работать с красками, накладывая мазки так, чтобы они были ощутимы на ощупь. По словам самого Джона, его первый рисунок был совершенно неуклюжим, но сам факт, что он сумел соединить разрозненные линии воедино и создать целостное изображение, вселил в него веру. Эта была искра надежды в темном мире его отчаяния.

Ранее мы писали: В Сумах дети-инвалиды помогают друг другу

Начал он писать быстрозасыхающим клеем из тюбика, что позволяло ему на ощупь чувствовать нарисованные линии. Сейчас же он освоил масляные краски.

Приступая к работе, художник вначале детально продумывает в уме композицию. Материалы Джон Брамблитт подбирает тоже особенно: он утверждает, что разные цвета масляных красок имеют различную консистенцию. Например, белая краска густая и напоминает зубную пасту, а черная более жидкая. Кроме того, тюбики в мастерской подписаны шрифтом Брайля, так что Джон может ориентироваться, какой цвет держит в руках.

Ранее мы писали: Ученые из США создали программу и определили самых креативных художников

С тех пор художник совершенствует свое мастерство, и сегодня в его коллекции немало ярких, динамичных картин, которые вызывают восхищение у зрителей. Джоан Брамблитт живет в Дентоне (штат Техас, США), он хорошо известен не только в Америке, но и за ее пределами.

Талантливый мастер пишет картины уже более 10 лет, за эти годы о нем неоднократно рассказывали в прессе, он получал награды на всевозможных конкурсах и выставках. А сам Джон Брамблитт признается, что в какой-то мере даже благодарен судьбе за то, что ослеп. Начав бороться с недугом, он открыл в себе настоящий талант, сумел самореализоваться и найти цель в жизни.

Зовсім недавно у Сумській дитячій художній школі ім. М.Г.Лісенка запровадили традицію кожні 30-45 днів представляти виставку мистецьких робіт одного з викладачів закладу.

Отже виставка «Пелюстки. Насолода кольором» Наталії Миколаївни Полякової стала першою з таких вернісажів у 2022 році. Відкриття відбулося 13 січня.

Наталія Миколаївна Полякова працює викладачем художньої школи з 2005 року. За цей час вона проявила себе як талановитий викладач, що має високий фаховий рівень з образотворчого мистецтва.

Персональна виставка розкриває неябиякий художній хист Наталії Миколаївни. Глядачи побачать живописні та графічні роботи у різних матеріалах та техніках: акварель, олійний живопис, олівець тощо.

Автора надихають класичні жанри: натюрморт, пейзаж, портрет. Виконання робіт є своєрідним та авторським. Особливої уваги заслуговують натюрморти з квітами, з яскравим, соковитим колоритом, сповнені радості буття людини в цьому світі. Автор оспівує звичайні, але дуже важливі речі, радість від споглядання навколишнього світу, квітів, сонця.

Учні Наталії Миколаївни – постійні учасники та переможці міських, обласних, всеукраїнських та міжнародних конкурсів образотворчого мистецтва. Кожного року випускники класу Наталії Миколаївни Полякової на високому рівні складають вступні іспити з образотворчого мистецтва у мистецькі заклади України.

Наталія Полякова активно бере участь у виставках Національної спілки художників України, постійно знаходиться у творчому пошуку. Своїм прикладом спонукає учнів до творчості, любові до мистецтва.

Раніше ми писали: В Сумах увековечили память известного скульптора

Максим Малильо – представник київської художньої школи. Його живопис вибудовується на фундаментальних принципах та здобутку академічної школи – це класика, просякнута духом сьогодення, сповнена сучасних поглядів, свіжих ідей та молодої крові українського мистецтва.

В рамках експозиції «Тиші час» творчість митця представлено 31-ю роботою різного формату та всіма традиційними для академізму жанрами: пейзаж, натюрморт, портрет, сюжетна та історична картина.

Майстерно виконаний живопис Максима калейдоскопічно відображує та дозволяє відчути весь спектр емоцій і почуттів. Від ліричного споглядання до бурхливого захоплення. Від тендітної чутливості до драматизма, що крає серце.

Максим Малильо. Чумацький шлях. 2021. Полотно, олія, емаль, акрил. 200х365.

Стрижнем експозиції стали 3 перші роботи з масштабного проекту художника «Життя українського народу»: «Гуцульське весілля», «Чумацький шлях» та «Весна-33». Кожен твір присвячений певній історичній події, що свого часу вплинула на формування українського народу як нації. «Посилаючись на різні культурно-історичні події й звертаючись до власного досвіду, я намагався у кожному творі зосередити увагу глядача на своєрідності, автентичності свого народу» – каже автор. Протягом двох років художник планує доповнити цикл ще п’ятьма полотнами.

«Тиші час» – назва експозиції за однойменною роботою художника та образ, що проходить червоною ниткою крізь усі твори митця. Час, коли замовкає все навкруги, тоді минуле, майбутнє та сьогодення з’єднуються в одній точці, що менше за мить та водночас ціла вічність.

Раніше ми писали про українського Мікеланджело у матеріалі: Иван Кавалеридзе. Парадоксы жизни гения

Максим Малильо. Майстерня. 2019. Полотно, акрил, олія. 170х180

Максим Малильо – оксюморон мистецького світу, в найкращому сенсі цього слова. В його мистецтві поєднується непоєднуване – класична академічна школа та сучасний свіжий погляд на мистецтво, виважена та водночас експресивна і вільна манера, а герої, що дивляться на нас з полотен, вічні, просякнуті плином часу, вони були, є і будуть. І вони завжди знаходитимуть відгук в серці глядача.

Максим Малильо народився у 1996 -му році. Закінчив Фаховий коледж мистецтв ім. А. Ерделі Закарпатського художнього інституту (Ужгород, 2011-2015), Національну академію образотворчого мистецтва та архітектури (НАОМА, майстерня академіка М. Гуйди) (Київ, 2015-2021).

Учасник виставок молодих митців (Lera Litvinova Gallery, Gamma, телецентр «Олівець», арт-фойє Київського національного академічного театру оперети та ін.), Всеукраїнської бієнале (2020) та численних мистецьких конкурсів (учасник конкурсної художньої виставки Віктора Зарецького (2016), II Всесвітнього молодіжного форуму мистецтв (площа Сохо, Шарм-Ель-Шейх, Єгипет, 2019), переможець конкурсу Олександра Мурашка (перша премія) (2018) та ін.).

Викладає живопис в Київській державній академії декоративно-прикладного мистецтва і дизайну ім. М. Бойчука (з 2021). Вперше продав свою картину у віці 12 років. З того часу роботи художника поповнюють приватні зібрання у Німеччині, Чехії, Словаччині, Литві, Китаї та Україні.

Виставка Максима Малильо «Тиші час» триватиме в арт-галереї «Мануфактура» з 11 грудня по 10 лютого.

Вхід вільний!

Адреса: Обухівське шосе, 2
Час роботи: щодня з 11.00 до 19.00
Інформація за тел.: +38 (044) 200-9747

В октябре 1907 года известный художник Добужинский шел по  петербургским улицам, которые так любил изображать на своих рисунках и гравюрах. Осень с моросящим дождем, старый, потемневший от копоти дом, темная комната, куда пришел он, чтобы познакомиться с работами какого-то никому не известного литовца… Все знакомо: и убогость обстановки, и смущение хозяина, не знающего, куда посадить гостя. Литовец, конечно, бедствует. Дай Бог, чтобы ему хватало хотя бы на хлеб и воду. И вдруг…

Что это? На приколотом кнопками к стене листе бумаги сияют два солнца. Золотые и зеленоватые лучи расходятся от них. В синеве над ними летят не то птицы, не то паруса — да, да, паруса, вот они и внизу картины, почти сплошь заполненной неподвижной и в то же время будто колышущейся морской глубиной. Чья-то спокойная и сильная рука держит на ладони парусник, а мимо плывет звезда, пузырьки поднимаются вверх, сквозь толщу вод видятся руины подводных городов, и окна в них горят, будто освещенные волшебным солнечным светом.
— Что это? — спрашивает Добужинский.

— Соната моря. Анданте, — отвечает Чюрленис…

…и Добужинский наконец-то  понимает, что не столько оригинальность картины поразила его, сколько музыкальность ее красок, линий и композиции.
Да, да, эта картина — сама музыка, каким-то чудом сумевшая выразиться не в звуках, а в живописном изображении…

Вскоре Добужинский показывает работы Чюрлениса известным петербургским художникам — А. Бенуа, Сомову, Лансере, Баксту, С. Маковскому. На всех его картины производят огромное впечатление.
О Чюрленисе много говорят и пишут. Узнают, что этот необычный художник — столько же (если не больше) музыкант, сколько и живописец.
Узнают и  кое-какие подробности из жизни Чюрлениса .

Он родился в Литве, в семье органиста, учился в Варшавской консерватории, окончив которую в 1900 году получил диплом композитора.

Но еще в годы студенчества Чюрленис увлекается живописью и, вернувшись из Лейпцига в Варшаву, вновь начинает учиться — уже в художественной школе. Вторая сторона его необычайно богатой творческой натуры развивается одновременно с музыкальной работой: Чюрленис сочиняет крупнейшее свое произведение — симфоническую поэму «Море», записывает и обрабатывает литовские народные песни, руководит литовским хором в Варшаве. Вскоре он поселяется в Вильно, где ведет напряженную творческую работу, широкую культурно-общественную деятельность: организует первую в Литве выставку национального искусства, устраивает вечера-концерты,  пропагандировавшие литовскую музыку. Однако тяжелый быт, узость культурной жизни Вильно и постоянный материальный недостаток угнетают его. Чюрленис едет в Петербург. Несмотря на то, что многие из петербургских художников высоко оценивают его талант, жить и здесь трудно. Чюрленис буквально сжигает себя, создавая одно за другим прекрасные полотна, сочиняя музыку и зарабатывая уроками на кусок хлеба

Чюрлениса постепенно узнают все больше. Выставки его живописных работ в Петербурге и в Москве приносят ему огромный успех. Музыку его знают меньше, но ведь всего каких-то пять-шесть лет прошло, как во всю ширь развернулось его дарование. От Чюрлениса еще ожидалось очень многое… Однако в 1909 году он тяжело заболевает и в начале 1911 года умирает, едва дожив до тридцати пяти лет…
Чюрленис оставил необычайно оригинальные музыкальные произведения, отразившие в себе литовское национальное своеобразие. По сути дела, Чюрленис явился основоположником литовской симфонической и камерно- инструментальной музыки.

Чюрленис-художник не только в литовской, но и в мировой живописи — необычное, редкое явление.
Его живопись — как бы вновь созданный художественный язык, на котором не говорил больше никто, кроме самого Чюрлениса. Мы будто и видим и «слышим» его картины. Нередко они объединены в трех- и четырехчастные «сонатные циклы» («Соната солнца», «Соната моря», «Соната змея», «Соната звезд»).

«Мечта о единении искусств»

«Одинокий ангел»

Последние десятилетия сделали творчество Чюрлениса — и музыкальное и живописное — достоянием широких масс. Всегда много посетителей в Каунасском художественном музее имени Чюрлениса, где собрано большинство его картин; музыка композитора часто исполняется. Теперь уже ясно, что имя Микалоюса Чюрлениса принадлежит к числу выдающихся имен в истории мирового искусства.

Это самим Чюрленисом в 1905 году на пленере в Аркадии нарисовнный углём автопортрет, подаренный коллеге по учебе Лидии Брылькиной, дочери русского генерала. Позднее Лидия стала актрисой Рындиной, жила в Париже.

В. Лев

От: ИРА

Художник, сумевший придать своим небольшим по размерам работам масштабность и глубокий философский смысл, Каспар Давид Фридрих всю жизнь изображал родную ему немецкую природу.

 Фридрих родился 5 сентября 1774 году в городе Грайфсвальд на балтийском побережье Германии. Получив образование в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене, художник вернулся на родину, где прожил всю свою жизнь, и где его ждали сначала успех и признание, потом забвение. Художник умер в бедности 7 мая 1840 г. в Дрездене.

 Фридрих был близок к кружку, в который входили немецкие писатели-романтики Людвиг Тик, Новалис и Генрих фон Клейст, был знаком с Гете и Жуковским. Романтическое мироощущение и связанное с ним стремление одухотворить природу, найти в ней отклик своим глубоко личным переживаниям сполна отразились в его живописи.

Каспар Давид Фридрих, Странник над облаками, 1818, Кунстхалле, Гамбург

_________________________

Сегодня «Выставка одной картины» представлена   и в поэтической версии

Василия КЛИМЕНКО. Сумы

Меланхоличный немец аллегоричен
В мыслях, готовых охватить весь мир
Но потонувших в конкретном пейзаже…

 Взгляд его необычен, тяжеловесен даже,
Не дойдя еще вполне до цели,
Он впитывает в себя малозначащие детали:
Неровный характер земной поверхности,
Камни, корни, изгибы судьбы, способные,
Запутать взгляд зрителя, увлечь его в такую даль,
Где даже птица не найдет опоры в своем полете.

Убежденный в том, что даже одна капля
Итальянского неба способна убить гармонию
Туманных вещей, ему самому не вполне понятных,
Он выходит навстречу буре, черпает силу в движении,
И все для того лишь, чтобы найти на холсте и в жизни
Точку абсолютного покоя.

Красный сюртук (1) в театре – яркая точка на сером фоне,
На фоне общего жизни уклада и мелких ее неурядиц,
Блистательный ход судьбы в игре с той же туманной далью,
Удавшаяся попытка найти опору в повседневности.

И в то же время:
Одиночество фигуры на фоне пейзажа,
Не успевшей еще вполне стать «Криком» (2)
Взгляд, запутавшийся в противоречиях,
Тяжеловесный, странный….

(1) Отправляясь в театр, Фридрих надевал красный сюртук, чтобы его заметили потенциальные заказчики.

(2) «Крик» – картина Эдварда Мунка

От: ИРА

Стиль и содержание его работ относятся к Регионализму — течение в американской живописи в 1930-х, противопоставленное абстракционизму, стилю характерен возврат к традициям реализма, граничащего с примитивизмом. Художники-регионалисты создавали полные экспрессии и волшебного реализма пейзажи американской земли, исторические и бытовые сцены .

Серый и золото

Отец Кокса, Уилсон Нейлор Кокс, был президентом Национального банка Терре Хот. Джон Роджерс был одним из четырех братьев. Когда мальчик подрос, родители отправили его в университет Пенсильвании изучать бизнес, но позже он перевёлся в бакалавратуру Изящных Искусств.

В 1941 году Кокс оставил свою работу в банке и устроился на работу в образованную в тот год художественную галерею. Эту должность ему предложил Уильям Т. Турман, профессор искусств Штата Индиана. В 26 лет он стал самым молодым директором музея в США. Кокс и его жена Эрмине совершили несколько поездок в Нью -Йорк, где покупали картины для галереи. За 15 месяцев он собрал коллекцию из 23 картин американских художников, своих современников, таких как Грант Вуд , Томас Харт Бентон, Чарльз Берчфилд , Золтан Сепеши и Эдвард Хоппера

Кокс посвящал всё своё свободное время живописи. К 1948 году он завершил девять картин, а также получил две важные награды. После смерти дочери в 1948м, Кокс переехал в Чикаго. За год до этого его брак с Марии Эрмине Майер, с которой у них было трое детей, распался.  До 1965г он жил в Чикаго и преподавал в школе Художественного института рисование. После 1950 Кокс сосредоточился на рисовании карандашом .

Со второй женой — Доунайс Кибби, его ученице из Художественного института Чикаго, они прожили 20 лет и после развода продолжали общаться до самой его смерти 30 января 1990 года

Появление Кокса, как художника, было сравнительно скромным. Однако, 1940-х и 50-х его произведения экспонировались на многочисленных важных выставках современного искусства. Работал он медленно, рисуя свои пейзажи дома, по памяти. Часто на одну картину у него уходило год или два.  Поэтому его картины немногочисленны, их насчитывается менее 20.

«Серый и золото» (1942)-одна из самых известных работ Кокса — находится в постоянной коллекции Музея искусств Кливленда.

Картина была написана вскоре после того, как Соединенные Штаты вступили во Вторую мировую войну .  Музей купил картину на передвижной выставке «Художники для Победы». В этой выставке принимали участие художники, которые хотели помочь своей армии. Выставка открылась в музее Метрополитен ( The Met ) в Нью-Йорке 7 декабря 1942 года в первую годовщину нападения на Перл-Харбор. Живопись Кокса получила серебряную медаль. Эта работа также получила Популярную ежегодную премию в институте Карнеги Питтсбурга. Картина принимала участие в съёмках фантастического триллера Мёртвая Петля, снятой в 2012.

Список работ:

Аэродром для бомбардировщиков (???), 1941

Серый и золото , 1942, Музей искусств Кливленда .

Зловещее облако , 1943,

Белое Облако , 1943,

Череда Облаков, 1944

Высокая трава , с . 1945

Пшеница , 1946,

Начало Грозы, 1947

Луг , 1948

Без названия , 1950

Пшеница шоки , 1951 , литография

Ноктюрн — . Серебро и серый , 1952

Без названия ( Женщина в Пейзаж ) , 1955-60

Оккупант, 1982

Ещё выставка одной картины в материале: Петрус Кристус «Портрет девушки»

От: Ира Проценко

Лионелло Спада. «Возвращение блудного сына». 1616г. (160х119см). Лувр.

Рембрандт Харменс ван Рейн. «Возвращение блудного сына». 1668г. (262х205см) Лувр.

Итак, притча Иисуса Христа, изложенная в Евангелии от Луки.

Очень коротко. Отец выделяет младшему сыну его часть наследства, которую он благополучно спускает  в веселии и празднестве. После чего возвращается назад и просится к отцу в работники. И отец не корит его и не наказывает, а искренне радуется возвращению непутевого сына, которого  уже считал мертвым. А вот старший сын негодует. Ведь он-то отца не бросал, а все это время помогал ему. Отец успокаивает его, призывая забыть обиды и встретить младшего брата участием и заботой. Такая вот немудреная история.

Лионелло Спада выбирает для изображения непосредственный диалог отца и сына.

Что называется, тет-а-тет. Первое, что приходит в голову при взгляде на эту картину – перед нами диалог между Богом-отцом и неким молодым человеком. Возможно, и Иисусом Христом. Тот ведь тоже вроде как возвратился в свою обитель после скитаний земных. Правда, слишком уж он юн. И слишком монументален, даже грандиозен старик. Богаты его одежды, прекрасны седые кудри и борода. И сам он — весь такой величественный и великодушный. Даже не понятно, как такой человечище мог бы не простить милого юношу, с мольбой и надеждой взирающего на всесильного старца. У бедняги порвана рубашка, что явно  свидетельствует о нелегких жизненных испытаниях. Посох – несомненное подтверждение длительности пути. Ну, а то, что юноша свеж и прекрасен – так это ему только  в плюс. Значит, молодость действительно всё списывает: и ошибки, и просчеты, и прочие негативные последствия не совсем правильного образа жизни. Правда, как-то не очень верится, что испытания были действительно суровыми.

 Рембрандт глядит на то же событие по-другому.

Совсем другая композиция. Если у Лионелло фигуры крупнопланные, занимающие практически всё пространство картины и контактирующие со зрителем непосредственно, то у Рембрандта сцена отодвинута вглубь живописного пространства и зритель – не непосредственный участник происходящего, а лишь сторонний наблюдатель.

Все внимание – на отца и коленопреклоненного младшего сына. Старик-отец здесь — никакой не бог, а уставший от жизненных передряг человек, на которого вдруг обрушилось невероятное счастье – вернулся сын, которого он давно уже мысленно похоронил. Здесь нет вопросов: простить – не простить, принять – не принять. Старик просто мягко опустил руки на спину сына и так и замер. Мир перестал для него существовать. Он растворился в своём сыне, забыл обо всём на свете. Его чувство не требует какого-либо выражения. Здесь просто слияние двух душ. И совершенно всё-равно, кто из них грешник, а кто – праведник. Это попросту неважно. Важно – что они нашли друг друга и теперь вместе. Поразительно человечная сцена. Другой такой в живописи я припомнить не могу.

Младший сын одет в самые настоящие лохмотья. И опять: не на них мы смотрим, не на его стоптанную обувь и грязные ступни. Мы смотрим на спину человека, прильнувшего к отцу, и понимаем всё без слов. Для него это – как тихая гавань для истерзанного бурей корабля. Здесь его не предадут и не обманут, здесь ему простят всё. Это — единственное место на земле, где он может успокоиться и отдохнуть сердцем. Прибежище, пристанище… Счастье, когда оно есть у человека.

Старший сын молча присутствует здесь же. Противоречивые чувства его обуревают. Тут и  сдержанное негодование, и уважение к чувствам отца. Но в отношениях с братом будут проблемы. Дородный молодец не в восторге от возвращения пропащего повесы и явно избегает на него смотреть. Он, конечно, примет любое отцовское решение, но только из уважения к его возрасту и авторитету.

Остальные и вовсе смотрят кто с интересом, а кто и со скепсисом. Но сейчас всё это неважно. Есть только маленький, по-стариковски сгорбленный отец и его родной сын, потерянный и несчастный. И от этих двоих исходит такая сила любви и сострадания, что всё мелкое, наносное отходит на второй план. Рембрандт одними лишь красками перевернул нашу душу… Нет,  не только ими. Еще и своим сердцем.

От: ИРА

И скрасит их, на мой взгляд, именно живопись Владимира Шинкарёва, — живопись подмалёвочного письма, подчёркнуто лаконичная, монохромная. Композиционно идеально решены простые городские сюжеты, а лёгкая кисть художника придаёт некий аристократизм. Будничный аристократизм.

Известный художник, главный идеолог движения «Митьки», основатель  издательства «Митькилибрис», Владимир Шинкарёв  родился в Ленинграде в 1954 году.

С 1974 по 77-й как-то умудряется  учиться живописи на курсах одновременно при Ленинградском ВХПУ им. Мухиной и институте им. Репина, и ещё  в том же 77-м, Владимир заканчивает геологический факультет Ленинградского государственного  университета…

Про Гурама Доленджашвили и его тишину здесь

И… понеслось:

1981 год – участник экспериментального товарищества изобразительного искусства (ТЭИИ). В 1985 году книга художника «Митьки» положила начало митьковскому движению.

1991- Член Международной Федерации Художников.

1993- Член Санкт-Петербургского общества «А-Я».

1994 года Член СХ России.

2007- лауреат первой художественной премии «Art Awards. Художник года — 06» за достижения в области изо искусства.

2008 — Премия имени Иосифа Бродского

Далее – бесчисленный список выставок… наград…

И, как водится: Работы находятся в собраниях

Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Музей истории Санкт-Петербурга, Санкт-Петербург.

Музей нонконформистского искусства, Санкт-Петербург.

Центральный выставочный зал «Манеж», Санкт-Петербург.

Музей «Царскосельская коллекция», Пушкин.

«Зиммерли Музей. Коллекция Нортона и Нэнси Додж», Нью-Йорк.

Музей Виктории и Альберта, Лондон.

2008- Шинкарёв  заявил о разрыве с Митьками. Причиной разрыва стало несогласие с гражданской позицией и общественной деятельностью второго лидера-митька — Дмитрия Шагина, в то время — члена  предвыборного штаба Д. Медведева в Санкт-Петербурге.

А ещё, в 1978-1980-х, Владимир написал не по годам зрелый роман «Максим и Федор», который прославил его  в самиздате. Потом, вплоть до 89 года, будучи работником котельной, в этом  популярном на то время и добровольном заточении, Шинкарев создаст всё своё литературное творчество. Его друг Шагин, широко и сатирически воспетый Владимиром как истинно русский психотип: добрый, ленивый и пьющий флегматик, превращается в ролевую модель для большой  компании разных художников, которых объединяет не столько философская концепция, сколько просто дружеское расположение.  Через несколько лет политика убьёт дружбу двух лидеров…

А вот как хорошо об авангарде русском и Шинкарёве в нём:

«…Ушедший век был веком авангарда, и Шинкарев – один из немногих художников, кто еще помнит о том, что это может означать. Большинство ведь давно уже не задумывается, почему надлежит всеми способами эпатировать публику, от грубых оскорблений до тонких издевательств, и механически исполняет разработанные в 1910-х годах авангардные ритуалы.

Шинкарев наоборот не может забыть, что одним из побудительных мотивов авангарда было честное отношение к культуре и обществу, которое эту культуру создало и охраняет, осознание того, что ценности культуры мертвы, то есть в повседневной действительности бессильны, непригодны и по сути запредельны. Эта жизненная проблема авангарда, это «Возропщу!» всегда слышалось в произведениях Шинкарева».

На самом деле, Ироничный Владимир, породивший всю эту матросскую и красноармейскую разудалость, воспевший и отправивший в народ словечки Мити, на самом деле этот художник является весьма и весьма сдержанным реалистом и, вместе с тем, лиричным, задумчивым  эстетом. Ему принадлежит озвученная мысль…  как-то так:

«рядом с ядовитыми цветами виртуального мира, из жизни буквально вымывается цвет«.

От: Ира Проценко

Отец будущего художника, Кристофоро Ваннуччи был членом городского совета. Его жена, Лючия ди Нунцио Бетти, занималась воспитанием детей: в семье росли шесть дочерей и двое сыновей. Семья Ваннуччи жила очень бедно, и будущий художник с детства изведал самую жестокую нужду. 

Необходимо заметить, что факты биографии Перуджино, изложенные Вазари в его эпохальной работе „Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550), мягко говоря, слегка грешат против истины. Современник многих великих мастеров, признанный авторитет в области истории искусства, специалист, чьи суждения долгое время считались объективными, оценки — справедливыми, а сведения — безусловно правдивыми, на этот раз изменил себе.

Вазари с упоением описывает страшную нужду, в которой прошло детство Перуджино, н делает вывод, что именно бедность сформировала его характер и наложила отпечаток на всю его дальнейшую жизнь:

„Пьетро был человеком весьма мало религиозным, и его никогда нельзя было уверить в бессмертии души. Словами, прекрасно выражавшими его гранитный дух, он упорно отвергал всякий путь добра; возлагал все надежды только на земные блага и за деньги сделал бы все что угодно».

Тяга к накопительству и, как следствие, скупость и прижимистость Перуджино, но мнению Вазари, переходили все границы разумного. В качестве доказательства историк искусства приводит, с его точки зрения, просто убийственный аргумент: когда Пьетро около 1470 года прибыл во Флоренцию „без гроша в кармане», он на протяжении многих месяцев, „не имея даже постели, спал в убогом сундуке», и даже потом, получая немаленькие гонорары, он так и не купил себе кровать, устраиваясь на ночь все в том же сундуке

Почему же Вазари — к слову, большой любитель роскоши и самозабвенный транжира — воссоздал такой, прямо скажем, нелицеприятный образ бедного, скупого и амбициозного художника Перуджино? Скорее всего, он не мог простить Пьетро его провинциального происхождения, совершенно искренне считая, что великий художник просто обязан быть флорентийцем!

В 1500 году Перуджино закончил самое известное и масштабное свое произведение, росписи Колледжо дель Камбио, о чем свидетельствует соответствующий документ, где говорится, в частности:

«Пьетро Перуджино, который всех превзошел в живописи, нарисовал это своей собственной рукой».

Эти росписи стали своего рода «лебединой песней» мастера. Слава его постепенно затухала. У флорентийцев появился новый кумир — Микеланджело (с которым Перуджино был в ссоре с того времени, как участвовал в комиссии, долженствовавшей решить, где установить его «Давида»). Римская курия была без памяти от начавшего входить в силу ученика Перуджино — Рафаэля. Теперь уже не Рафаэля называли «учеником Перуджино», а Перуджино — «учителем Рафаэля».

В 1508 году, когда Пьетро пригласили вместе с Рафаэлем украсить фресками стены папских покоев в Ватикане, главная работа досталась новому любимцу папы, а на долю Перуджино выпала самая скромная задача — расписать плафон в одном из помещений. Лишь в Перудже, на родине, мастера почитали по-прежнему, и, видимо, поэтому около 1506 года (именно с этого времени Перуджино не упоминается в списках флорентийской Гильдии святого Луки) он окончательно перебрался сюда, закрыв мастерскую во Флоренции.

Умер художник в феврале 1523 года в Фонтиньяно, где он писал по заказу монастыря маленький алтарный образ. Судя по всему, причиной его смерти стала чума, эпидемия которой разразилась тогда в окрестностях Перуджи.

По прошествии веков стало очевидно, что талант Пьетро Перуджино остался в тени искусства его известнейшего ученика — Рафаэля, которого еще при жизни прозвали „Божественным». Однако сегодня большинством исследователей не поддастся сомнению и тот факт, что портреты умбрийского мастера не только имели огромное влияние на становление Рафаэля-портретиста, но и мало в чем уступали его произведениям, исполненным в этом жанре. 

Особенно хочется обратить ваше внимание на полотоно «Мария Магдалина» и сказать о нём совсем немного… Здесь и не нужны лишние слова

Мария Магдалина. 1498. Галерея Уффици, Флоренция

Современники мастера считали это произведение „странным», беспокойным и даже мрачным. Образ Марии Магдалины воплощает в себе тот идеал амбивалентной красоты, которой Перуджино наделял практически всех женщин на своих картинах.

Женщина- мироносица… Это имя стало больше, чем имя женщины. Магдалина встала в один ряд с ветхозаветной Евой и новозаветной Богородицей, как ни кощунственно это звучит.

Это имя обросло уже не только интерпретациями,  рассказами  и житием, но и личностным  восприятием образа Марии Магдалины художниками, писателями и поэтами, который домысливается и переосмысливается через собственную жизнь и собственную историю, давая образу свой голос и свой тон.

Р.M. Рильке ПИЕТÁ («Скорбящей»)

Твои ль это стопы, Исус, твои ли?
И все же, о Исус, как я их знаю:
не я ль их обмывала, вся в слезах.
Как в терн забившаяся дичь лесная,
они в моих белели волосах.

Их до сих пор ни разу не любили.
Я в ночь любви их вижу в первый раз.
С тобой мы ложа так и не делили.
И вот сижу и не смыкаю глаз.

О, эти раны на руках Исуса!
Возлюбленный, то не мои укусы.
И сердце настежь всем отворено,
но мне в него войти не суждено.

Ты так устал, и твой усталый рот
не тянется к моим устам скорбящим.
Когда мы наш с тобою час обрящем?
Уже — ты слышишь? —
смертный час нам бьет.
1907г. (Перевод К. Богатырева)

М. Цветаева. Магдалина
3
О путях твоих пытать не буду,
Милая! — ведь всё сбылось.
Я был бос, а ты меня обула
Ливнями волос —
И — слез.

Не спрошу тебя, какой ценою
Эти куплены масла.
Я был наг, а ты меня волною
Тела — как стеною
Обнесла.

Наготу твою перстами трону
Тише вод и ниже трав…
Я был прям, а ты меня наклону
Нежности наставила, припав.

В волосах своих мне яму вырой,
Спеленай меня без льна.
— Мироносица! К чему мне миро?
Ты меня омыла
Как волна.
31 августа 1923

Б. Пастернак. Магдалина
2
У людей пред праздником уборка.
В стороне от этой толчеи
Обмываю миром из ведерка
Я стопы пречистые твои.

Шарю и не нахожу сандалий.
Ничего не вижу из-за слез.
На глаза мне пеленой упали
Пряди распустившихся волос.

Ноги я твои в подол уперла,
Их слезами облила, Исус,
Ниткой бус их обмотала с горла,
В волосы зарыла, как в бурнус.

Будущее вижу так подробно,
Словно ты его остановил.
Я сейчас предсказывать способна
Вещим ясновиденьем сивилл.

Завтра упадет завеса в храме,
Мы в кружок собьемся в стороне,
И земля качнется под ногами,
Может быть, из жалости ко мне.

Перестроятся ряды конвоя,
И начнется всадников разъезд.
Словно в бурю смерч, над головою
Будет к небу рваться этот крест

Брошусь нá землю у ног распятья,
Обомру и закушу уста.
Слишком многим руки для объятья
Ты раскинешь по концам креста.

Для кого на свете столько шири,
Столько муки и такая мощь?
Есть ли столько душ и жизней в мире?
Столько поселений, рек и рощ?

Но пройдут такие трое суток
И столкнут в такую пустоту,
Что за этот страшный промежуток
Я до воскресенья дорасту.
1949 г.

От: ИРА

Известный художник-иллюстратор Фаворский, когда работал над иллюстрациями к книгам, всегда пририсовывал в уголке собачку. Когда редактор начинал возмущаться, зачем на рисунке изображена собачка, художник начинал с пеной у рта доказывать, что собачка на рисунке необходима. В итоге художник сдавался, собачку с изображения убирали и довольный редактор отдавал рисунок в печать. А когда художника спросили, зачем ты эту собаку везде рисуешь, он ответил: «Не было бы собаки, он бы к чему-нибудь другому придрался!..»

И мы врешили представить ситуацию, когда известные произведения искусства, украшающие стены мировых музеев и частных коллекций, стали предметом комментариев со стороны современных заказчиков.

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»

В целом нормально, пара важных поправок:

1. Грудь должна быть больше. Гораздо больше.
2. Цвет вот этой загогулины нам не нравится. Желательно сделать его салатовым, а если не получится — вообще убрать или заменить на кожаную портупею с пряжками. Разумеется, салатовую.
3. Эта фигня ни к селу ни к городу. Убрать ее вниз, между камышом и пальцем. И уменьшить.
4. Исправить выражение лица мужика на более рабочее. Такое впечатление, что он блюет, а не дует. Должно быть аналогичным девушке рядом, они одним делом заняты.

Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

Нам очень понравился ваш вариант, он замечательный! Просто супер. Но переделайте. Ребят, ну мы же счастье должны нести людям, а не тоску! Поэтому все нужно развесилить.

1. Оранжевый в этом макете недостаточно позитивен. А зеленый выглядит недостаточно экологичным.
2. Собачка совершенно не милая, замените на Хатико что ли.
3. Нужно подумать над интерьером, он морально устарел. Если не знаете, чем вдохновиться, сходите в Икею.
4. Персонажи: почему мужик похож на Путина? это какой-то тренд? Пусть уж лучше будет Бред Пит, а женщина Анджелина Джоли, и пусть все будут счастливы.

Карл Брюллов «Всадница»

Вы знаете, мы открыли ваш макет, и как-то не было такого, что «ах!». Мы, если честно, большего от вас ожидали.

1. Лошадь не по-доброму смотрит, поиграйте с её взглядом, он должен быть более мечтательным и выражать философию нашей компании. Сложно, но постарайтесь.
2. Девушка очень понравилась, хорошая находка, но переоденьте её в красное вечернее платье.
3. Вы рисовали с натуры? В следующий раз утверждайте пожалуйста с нами всех моделей.
4. Девочку на балконе замените на юношу, и в его глазах должен быть здоровый интерес.
5. Поменяйте лепнину на стене. Нам нужно что-то более авангардное.

«Сотворение Адама»

Коллеги, мы понимаем, что сегодня сдавать макет в печать, но у нас все же есть небольшие правки:

1. Непонятная рука внизу слева как будто открывает банку пива. Убрать.
2. Текущий цвет фона нам не нравится, нужно что-то живенькое, попробуйте применить принты.
3. Взрослый бородатый мужик и скопление мальчиков вокруг него не пропустит цензура. Как-нибудь решите эту проблему.
4. Красная тряпка справа по форме напоминает ухо, исправьте. У нас и так слишком много анатомии в макете!
5. Мужик слева вышел отлично. Видно, что вы старались. Чтобы было ещё круче, давайте поменяем позу на более динамичную — пусть он будет в прыжке.

Леонардо да Винчи «Дама с горностаем»

Искреннее спасибо за замечательный макет, но все-таки есть пара небольших комментариев:

1. Что это за мутант на руках у девушки? Заменить на милую собачку.
2. В образе девушки не хватает гламура, давайте черный фон заменим на розовый, грудь больше, а вырез платья глубже.
3. Если выводите на первый план ладонь, не забывайте покрыть лаком ногти. Сюда явно просится красный цвет!
4. Что-то не так со взглядом девушки, нет целеустремленности и убедительности. О, пусть она смотрит прямо! И пусть улыбается, как Мона Лиза! Так мы создадим загадку!
5. Аксессуары на шее у девушки уже не в моде в этом сезоне, поищите что-нибудь у Сваровски.

От: )))))

В то время, когда собратья Доброва по цеху писали бодрых передовиков производства и румяных животноводов, воспевали социалистические стройки и славили героический труд советских людей, он создавал портреты людей, искалеченных войной, страдающих, скорбящих.

Творческая судьба художника определилась в 1974 году, когда по совету своего преподавателя, академика Евгения Кибрика, он отправился работать на остров Валаам, где располагался Дом инвалидов Великой Отечественной войны. Добров создал серию портретов забытых героев, людей, вынужденных ежедневно бороться за выживание. Познакомившись с ними, художник был поражен.

Он рассказывал:

«Я учусь у них жить. Я ездил к нищим людям. У них очень высокий дух. Они так чувствуют, что мы выиграли войну, свое дело сделали, спасли свою Родину… То, что я там увидел, меня поразило. Это было не просто страшно, это были наши советские люди, которые защитили нашу жизнь, а сами остались недвижимыми, неподвижными поленами, которые были прикованы к кроватям. В полном забвении находились сотни, тысячи таких людей».

Чувства и переживания художника воплотились в его работах, выполненных с потрясающим мастерством, проникновенных, берущих за душу, заставляющих сопереживать. Герои его портретов словно заглядывают в глаза, не оставляя равнодушным даже самого отстраненного зрителя.

В середине 80-х годов Добров представил свои работы на суд государственной комиссии. Они понравились, он услышал множество лестных отзывов, но выставку организовать ему не позволили.

«Я услышал мнение, что эти рисунки «чересчур пацифистские». Имеется в виду, что они против любой войны, против любого насилия. Они были сочтены не патриотичными», — вспоминал художник.

Тем не менее, в 1986 году выставку удалось открыть. Картины произвели эффект разорвавшейся бомбы, настолько непривычными были сюжеты, настолько сильным было впечатление.

«Мне принесли репродукции работ Геннадия Доброва…. Я буквально заболел, я всю ночь не спал. Я бы разослал эти репродукции по свету…» — признавался один из самых известных советских писателей Чингиз Айтматов.

Только тогда творчество Геннадия Доброва оценило и руководство Союза художников СССР. Был издан альбом его работ, как из рога изобилия посыпались награды. Кто-то мог бы удовлетвориться и спокойно наслаждаться заслуженным успехом, но Добров был человеком совершенно иным. Он продолжал работать, неоднократно бывал в горячих точках, сохранились сотни его натурных зарисовок — стремительных, живых и пронзительных.

В 1990-2000-е годы были созданы серии рисунков «Автографы войны», «Реквием», «Молитва о мире», «Международный терроризм» и «Душевнобольные России», которые объединены в большой графический цикл «Листы скорби».»Я верю в силу добра, в силу любви», — говорил Добров. Любовью наполнены его работы, каждая из которых призывает к состраданию, которого так не хватает в современной жизни.

Алексей Чхеидзе, моряк. Деревня Данки Московской области

Лейтенант Александр Подосенов

Солдат Андрей Фоминых, Южно-Сахалинск, Дальний Восток. В ожесточенном бою был тяжело ранен, рана так и не зажила. Мы видим дренажный свищ, за которым сам инвалид ухаживает.

Партизан, солдат Виктор Лукин, Москва

Эта женщина не была на фронте. За два дня до войны ее любимого мужа-военного отправили в Брестскую крепость. Она тоже должна была поехать туда чуть позже. Услышав по радио о начале войны, она упала в обморок – лицом в горящую печь. Ее мужа, как она догадалась, уже не было в живых.
Когда художник рисовал ее, она пела ему прекрасные народные песни…

Армен Апресян

В истории искусства женщины, профессионально занимающиеся живописью – исключение, по крайней мере, до конца XIX столетия. Патриархальное европейское общество не предполагало, что представительница прекрасного пола может взять в руки кисть и зарабатывать себе на жизнь, рисуя картины или расписывая церкви. Разве что в XVIII веке частью великосветского образования девушек стало умение рисовать акварелью – но акварель не считалась настоящей живописью, многие мастера полагали ее несерьезным развлечением.

Софонисба Ангиссола, родившаяся в Кремоне в 1532 году, считается первой итальянской профессиональной художницей.

Уже само имя подчеркивает ее уникальность: Софонисба родилась в семье аристократов, настолько увлеченных древней историей, что им не казалось странным дать дочери имя в честь жительницы Карфагена, героини романтической любовной истории, пересказанной такими авторами, как Полибий, Тит Ливий, Диодор Сицилийский и т. д.

Впрочем, ее отец носил имя Амилькар (Гамилькар) – в честь знаменитого Гамилькара Барки, отца самого Ганнибала. У Софонисбы было пять младших сестер (Минерва, Европа, Лючия, Елена и Анна Мария) и брат Газдрубал.

Практически все дети в семейства Ангиссола хорошо рисовали, писали стихи, и оставшийся вдовцов Амилькар (его жена, Бьянка Понцоне, умерла через пять лет после рождения Софонисбы) постарался дать им лучшее по тем временам образование, а заодно поощрял их занятия живописью (только у Минервы дела не заладились, а остальные сестры оказались весьма талантливы). Вообще-то, лучшей художницей в семье считалась Лючия, быстро прославившайся в родном городе как мастер портрета, но она умерла от болезни в возрасте около 25 лет. Джоржо Вазари, художник и первый историк живописи и скульптуры итальянского Возрождения, посетил дом семейства Ангиссола после смерти Лючии, видел ее картины и очень лестно отозвался о них.

Но прославить семью далеко за пределами Италии выпало именно Софонисбе. В то время, как ее сестры, одна за другой, отказывались от увлечения живописью (Елена постриглась в монахини, Анна Мария и Европа вышли замуж и отложили кисти и краски), она продолжала усердно трудиться.

Учителя: от малоизвестного Кампи до легендарного Микеланджело

Дочери живописца было чуточку проще стать художницей. Катарина ванн Хемессен в Нидерландах, знаменитая Артемизия Джентилески, с которой Софонисба встретится в старости, Лавиния Фонтана – все они родились в семьях известных портретистов и пейзажистов. Амилькар Ангиссола был обычным аристократом, и многие воспринимали то, что его дочери обучаются у профессиональных мастеров кисти, просто как развлечение.

Софонисба Ангиссола, как и ее сестра Елена, сперва училась у Бернардино Кампи, довольно известного художника XVI века, одно время работавшего в Кремоне. Ее обучение в мастерской этого художника началось в 14 лет. Считается, что несколько лет спустя она нарисовала свою первую известную картину, получившую название «Бернардино Кампи рисует Софонисбу Ангиссола». Этот двойной портрет запечатлел ее учителя в тот момент, когда он рисует портрет своей ученицы. Однако через несколько лет Кампи покинул Кремону, и девушка отправилась в мастерскую еще одного местного мастера, Бернардино Гатти. У нового учителя она занималась около трех лет, когда, наконец, поняла, что больше ей нечему учиться в родной Кремоне.

Софонисбе было двадцать два года. Она отправилась в Рим.

У юной художницы не было в Вечном городе родственников, влиятельных патронов, даже любовников, которые могли бы давать ей заказы. Но мастерство говорило само за себя: некий знакомый Софонисбы показал ее работы самому Микеланджело Буонаротти. Титану Возрождения было семьдесят девять лет, он был живой легендой, и все же художник снизошел до картинок никому неведомой особы из провинции. Рисунки его заинтересовали, он предложил девушке изобразить плачущего ребенка – та с блеском выполнила задание, нарисовав картину «Мальчик, укушенный раком», и на два года стала ученицей Микеланджело.

Стоит отметить, что и Кампи, и Гатти были, в первую очередь, мастерами портрета. Они учили Софонисбу рисовать людей, и именно в портретном искусстве ей удалось преуспеть более всего, хотя в ее творческом наследии есть и картины на другие темы, особенно религиозные. С другой стороны, будучи женщиной, она не могла изучать анатомию или практиковаться в изображении с натуры обнаженных людей – Италия была достаточно консервативна в этом вопросе. Но как нарисовать классический сюжет, снятие Христа с распятия, не имея навыков в изображении обнаженной мужской фигуры? Именно поэтому религиозные картины художницы не настолько выразительны, как портреты матери, сестер, римских аристократов и священников, испанских принцесс и придворных грандов, групповые изображения ее собственной семьи.

Признание: фрейлина-художница

Наконец, к молодой художнице пришло признание. В 1558 году, в возрасте двадцати семи лет, ее приглашают в Милан, чтобы нарисовать портрет Фернандо Альвареса де Толедо, третьего герцога Альба, героя Итальянских войн, которому суждено будет войти в историю как кровавому палачу Нидерландов. Пользующийся в тот момент полным доверием испанского короля герцог рекомендует своему монарху сделать Софонисбу придворной художницей. Однако штат мадридского двора не предусматривает никаких художниц, королевский живописец должен быть мужчиной, а госпоже Ангиссола предлагают занять место фрейлины при королеве Елизавете II Валуа, третьей жене испанского короля Филиппа II. Она согласилась, так как никто не планировал запретить ей рисовать – наоборот, все были с этим согласны. Только пост придворного художника не для нее, так как она женщина, а в остальном – никаких проблем.

К тому же место живописца при мадридском дворе уже было занято Алонсо Санчесом Коэльо. Но Софонисба быстро добилась сначала неофициального, а затем и вполне официального разрешения помогать ему, причем вскоре речи о помощи уже не шло, это было сотрудничество двух равных по таланту и мастерству профессионалов, и до сих пор историки живописи теряются, не в силах определить, какой из многочисленных придворных портретов того времени нарисован Коэльо, а какой принадлежит кисти Ангиссола. Правда, ей приходилось и заниматься прямыми обязанностями фрейлины: например, после смерти испанской королевы в 1568 году Софонисбу назначили воспитательницей осиротевших принцесс. Но время рисовать у нее все равно находилось, и количество работ этого периода весьма велико.

Филипп II, впрочем, решил однажды, что незамужняя фрейлина, да еще и художница – это неправильно. Он планировал собственный брак с Анной Австрийской и в то же время настаивал на том, чтобы воспитательница дочерей его предыдущей жены тоже вышла замуж.

Мы ничего не знаем о личной жизни Софонисбы Ангиссола во время ее пребывания в Мадриде. Да и была ли вообще у нее какая-либо личная жизнь? Она была независима, ее творчество пользовалось признанием, и в чем-то ей, наверное, даже можно было позавидовать. Художнице тогда исполнилось уже 38 лет, по меркам эпохи она была старой девой, но принципиально противиться королю она не собиралась и сыграла свадьбу с неким доном Франциско де Монкада, тесно связанным с Сицилией и, хоть и испанцем по происхождению, но, скорее, итальянцем по духу. Говорили, что муж всецело одобряет то, что его жена – не только домохозяйка, но и известная художница. Они жили вполне счастливо, хотя пылкой любви между ними не наблюдалось, однако в 1579 году дон Франциско умер от чумы, и Софонисба стала 47-летней богатой вдовой.

…и жили они долго и счастливо

К тому моменту они уже покинули Испанию и, вернувшись в Италию, примерно год жили в Палермо, наслаждаясь покоем после суеты и интриг дворца. Филипп II официально освободил Софонисбу от каких-либо обязанностей перед двором, положительно отнесся к ее решению отправиться на родину, да еще и велел выплачивать ей солидную пенсию. Казалось бы, что остается одинокой женщине? Только спокойно доживать оставшиеся годы. Однако художница решила иначе.

В том же году она отправилась в родную Кремону, наняв для этого судно генуэзского капитана Горацио Ломеллино, которому на тот момент было 32 года. Дальше начинается мыльная опера со счастливым концом: Софонисба влюбилась, а Горацио ответил ей взаимностью. В итоге, до Кремоны художница так и не добралась. Вскоре они сыграли свадьбу в знаменитой своей Падающей башней Пизе, объединили капиталы (Горацио не был беден), стали получать неплохие барыши от торговли, купили огромный дом в Генуе, где для Софонисбы была оборудована первоклассная художественная мастерская. Позже из Генуи они переехали в Палермо.

Если в Риме и Мадриде она, в основном, писала портреты, то теперь ее увеличением стали картины на религиозные темы. В это время Софонисба Ангиссола не очень нуждается в деньгах, поэтому значительно реже берет заказы, больше рисует для души, хотя порой из-под ее кисти все еще выходят портреты.

Им с мужем было уготовано 45 лет счастливой совместной жизни, т. е. Софонисба Ангиссола прожила почти 93 года – практически немыслимый для того времени срок. Примерно в 88 лет она начала страдать от катаракты – именно в этом возрасте художница создала свой последний автопортрет.

Периодически ее посещали гости, коллеги по цеху, например, знаменитая Артемизия Джентилески, которую нередко называют первой феминисткой. Приехал к пожилой Софонисбе и Антонис ван Дейк, оставшийся в полном восхищении от визита. Он не только нарисовал ее портрет, но и записал в дневнике, что, несмотря на возраст (ей на тот момент было 92 года), она сохранила ясность мышления, а многие советы госпожи Ангиссола пришлись ему по душе.

В 1625 году художница умерла. Семь лет спустя Горацио Ломеллино заказал надпись на надгробном памятнике, которая гласила: «Софонисбе, моей жене, что причисляется к самым блестящим женщинам, преуспевшей в том, чтобы рисовать людей. Горацио Ломеллино, опечаленный утратой своей величайшей любви, посвящает этот скромный дар столь великой женщине».

От: ИРА

Ещё о художнице, удивившей мир: «Американка доказала, что в 76 лет жизнь только начинается»

«Нищая», изображающая девочку с рыбацкими сетями в руках, написана Репиным в 1874 году во французском городе Вёль, куда он отправился сразу после окончания Петербуржской академии искусств. На тот момент молодой художник уже успел прославиться, благодаря работе «Бурлаки на Волге».

Девочка с картины — одна из жительниц Вёля, которые подрабатывали, позируя приезжим художникам. В письме к другу Репин поделился, что девчонка позировала безобразно: она вертелась и кривлялась. Но художник сумел в этой случайной натурщице всего за один сеанс увидеть её внутреннее состояние, чувства, мысли, переживания. Интересно то, что этот законченный психологический портрет Репин создал за такой короткий срок.

Искусствоведы и художники всего мира утверждают, что, написав «Нищую», Илья Репин впервые состоялся как великий портретист.

Приехав во Францию, он начал заниматься пленэрной живописью — писать картины под открытым небом. В России такой вид искусства не был ещё развит, но европейские импрессионисты уже вовсю практиковали работу на свежем воздухе. Но если в картинах импрессионистов человек растворялся в природе, то природа с этюда Репина только дополняет девочку. На картине удивительно написано и видно все: загорелое личико, выгоревшие брови, одежда в заплатках.

Картина «Нищая» попала в Иркутский музей из частной коллекции мецената Владимира Сукачёва, жившего в Иркутске до 1898 года. Будучи общественным деятелем, Сукачёв мечтал создать в провинциальном музее коллекцию картин столичных художников.

В 1930-е годы два художника — Игорь Грабарь и Илья Зильберштейн задумали написать книгу об Илье Репине. И когда Грабарь, великий историк русского искусства и художник, познакомившийся на тот момент с огромным количеством его работ, увидел «Нищую», он сказал, что это лучшая работа молодого Репина.

Вскоре на картину началась настоящая охота. В 1948 году директор Иркутского художественного музея привёз «Нищую» на выставку в Третьяковскую галерею. Руководство Третьяковки, увидев картину, написало в министерство культуры претензию о том, что такой шедевр должен выставляться в столице. Тогда, Фатьянов (на тот момент он был директором Иркутского музея), обманом выманил этюд у реставраторов Третьяковки и тайно увёз его обратно в Иркутск. От расправы министерства Фатьянова спасла внезапная смена министра культуры и директора Третьяковской галереи.

«Нищая» и по сей день остаётся жемчужиной музея.

От: ИРА

Дмитрий Чаус. Заяц. 2014

Дмитрий Чаус – представитель современного направления реалистической живописи. В своем творчестве он обращается к изображению жанровых сцен, городских пейзажей, исторических композиций, портретной живописи.

Произведения художника – словно застывшие эпизоды жизни обычных, на первый взгляд, людей. Будь то танцовщица или рабочий, в каждом из них художник выделит искру таланта, счастья, искренности или силы воли.

В основе художественной манеры художника лежит лепка форм тоном, точность рисунка и выразительная красота тонкой, многослойной живописи, что позволяет создавать такие легкие и возвышенные образы.

Произведения, представленные на выставке, посвящены преимущественно женской тематике в творчестве Дмитрия Чауса. Образ деятельной, феминизированной женщины дает повод для яркой и содержательной творческой рефлексии. В творчестве художника можно выделить тему любви и величия женщины, естественное назначение которой уметь любить, быть любимой и при помощи любви стать продолжательницей человеческого рода.

Ранее мы писали о социально-художественный проект «Три лепестка женственности. Прекрасные сумчанки» в материале: В Сумах рассказывали о красоте и женственности

Дмитрий Чаус родился в г. Харьков (Украина) в 1981 году в семье художников. Окончил Харьковское художественное училище по специальности «художник-оформитель» (1996 -2000) и Харьковскую государственную академию дизайна и искусств (факультет станковой живописи; 2000-2006). С 2008 – член Союза художников Украины, магистр искусствоведения (ХГАДИ). 2006-2017 – старший преподаватель живописи и композиции в Харьковском национальном педагогическом университете им. Г. С. Сковороды. 2010-2017 – преподавал живопись в педагогических университетах и ​​художественных академиях Китая. Профессор Хебейской академии искусств, профессор Сычуаньского университета искусств. Награжден медалью за особый вклад в искусство (Шитяджуанский педагогический университет, Китай; 2012). 2019 – член союза художников Братиславы (Словацкая Республика). С 2020 – соучредитель и заместитель председателя творческого патриотического объединения «Национальная палитра». Разработчик авторской методики живописи многофигурной композиции. Постоянный участник областных, всеукраинских, зарубежных и международных выставок. Произведения хранятся в коллекциях музеев и галерей разных стран, а также пополняют частные собрания коллекционеров Китая, Польши, США, Франции, Германии, Канады, Австралии.

Выставка Дмитрия Чауса «Тень Королевы» продлится в арт-галерее «Мануфактура» с 21 августа по 21 октября.

Вход свободный!

Адрес: Обуховское шоссе, 2

Время работы: ежедневно с 11.00 до 19.00

Информация по тел.: +38 (044) 200-9747

В художника по бананам она превратилась случайно, во всём виновата скука. Результаты своего творчества она выкладывает в Instagram, где известна как @funwithfruit.

Однажды Элиза скучала на работе, поэтому взяла шариковую и гелевую ручки и начала рисовать. Ничего особенно в этом нет, разве что необычный «холст». Под руку ей попался банан, на котором она и создала шедевр. Коллегам понравился результат, и они убедили её запечатлеть необычное произведение и поделиться им в Instagram. На следующее утро Элиза стала знаменитой.

Ранее мы писали: «В Китае вошли в моду овощные скульптуры известных людей»

Популярность стала такой огромной, что даже журнал «Vogue» напечатал её фотографии. Сама Элиза не ожидала подобного развития событий, хотя всегда мечтала попасть на страницы журнала. Особое отношение к продуктам может быть связано с её прошлой работой, когда-то она была поваром.

Читайте ещё по теме: » В Сумах появился арт-пряник»

Сейчас работы Элизы стали намного сложней. Их уже сложно назвать обычным рисунком, пусть и на бабановой кожуре. Теперь это продуманные композиции, с соответствующим фоном и необходимым декором.
Источник: novate.ru