Его полотна экспрессивны, энергетичны и сексуальны. Одной из причин и тайн возникновения такого эффекта является то, что Паоло пишет свои картины без использования основного инструмента художников – кисти.

Но вначале несколько слов о самом художнике.

Паоло Троило родился в 1972 году в Таранто. Живёт и работает в Милане. Изучал архитектуру и современную литературу в университете Флоренции, а затем в Риме в Европейском институте дизайна.

С 1997 до 2009 года работал в нескольких авторитетных международных рекламных агентствах, сначала в качестве арт-директора, а затем, как креативный директор.

Выигрывал самые престижные международные награды в отрасли, а в 2007 году вместе с Алессандро Сабини был назван лучшим итальянским креативщиком.

Один из самых авторитетных мировых рекламистов месье Жак Сегела сказал о нём так:

«Я люблю этого парня. Он знает, что деньги не имеют никаких идей. Только идеи делать деньги «.

Параллельно со своей успешной бизнес-карьерой, Паоло Троило самостоятельно учился рисовать. Всё начиналось ещё в 4 года с рисования карандашом, а закончилось тем, что художник, по мере раскрытия дара, пришёл к тому, что стал рисовать пальцами.

И в апреле 2005 года начал карьеру в качестве профессионального художника. Весьма успешного художника. Его работы выставлялись в Сан-Франциско, Майами, Стамбул, Париж, Мадрид, Милан, Рим, Флоренция, Берлин, Базель, Сингапуре и Тель-Авиве.

Пишет свои картины он, макая пальцы в баночки с акриловыми красками и отдавая предпочтение монохромной гамме. По его словам, цвет — это иллюзия. А белый и чёрный — это открывающаяся дверь…

Можно предположить, что именно наличие личного контакта художника с полотном, обуславливает то, что последнему передаётся часть энергетики талантливого автора и человека, которую зрители воспринимают уже идущей от изображений на  картинах. Среди отличительных свойств картин Паоло Троило стоит назвать и успешное балансирование между понятностью и загадочностью, фантазией и реальностью настоящей мужской красоты.

С подборкой работ Паоло приглашаем вас познакомиться, перейдя к материалу Крик души через красоту мужского тела в работах Paolo Troilo

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

Ирина Проценко. Расширенный комментарий   к статье «Деньги 2 или Давать некому»

Постараюсь не кратко и просто Как-то сразу бросилось в глаза предложение «взаимопомощь друзей»,  как вариант. Это реально работает,  но порывами.  Дружба у творцов пульсирующая, творцы могут выпасть из реальности надолго, или поссориться, причём, первый уже забыл, а второй не то чтобы дуется, — тоже давно простил, но помощи не попросит.  А первый не спросит: ты там живой? Потому что на тот момент выпал в космос и творит. 

 Когда-то  у военных  были кассы взаимопомощи. Это была надёжная материальная поддержка, люди позволяли себе семьями ездить в отпуск, покупать мебель. Деньги выдавали по потребностям. Долг возвращался обязательно, не спеша, щадящими порциями, не в ущерб семейному бюджету. Вносили, насколько я помню, не фиксированный взнос, а кто  сколько может. У полковника и лейтенанта зарплаты из-за выслуги лет разительно отличались, но никто не возмущался, если лейтенанту понадобилась сумма, превышающая его одно-двух месячную зарплату.

В общем, было хорошо и дружно. Этот вариант  схож с предложением  Семерни «помощь друзей». Но у творца  бывает  затяжное безденежье и ему тогда не до взносов. Выдержит ли касса иждивенца? … 

А ещё у творцов нет понятия дисциплины дружественных отношений. Т.е., дружба есть! А дисциплины нет… Что касается  Союза художников, то взносы  мы  регулярно платим, за этим строго следят, есть случаи исключения злостных задолжников  из членов союза.

Несколько лет тому мне выделили на экстренное лечение… 500грн. Больше за помощью в союз я не обращалась…

 Я тоже за то, чтобы напоминать громко государству о том, что именно мы его погода  духа и украшение жизни. )) А вот интересно, если бы все таланты обиделись, загрузились на ковчег и уплыли, государство  бы заметило пропажу?…

Я писала здесь под другим ником о том, как в голландской глубинке отнеслись к начинающему художнику, о РАЗНОСТИ МИРОВОЗЗРЕНИЙ. Когда я в конце 90х была с выставкой в Словакии — представляла Сумы, — мне предлагала одна дама, организатор муниципальных выставок,  показать живопись в том её голландском городке, обеспечив  дорогу туда-обратно. Потом она писала в письме: дорогая Ира, твои слайды очень понравились, но когда директор галереи узнал, что ты из бандитской России (так воспринимали постсоветское пространство), то отказал заплатить за дорогу, он опасается, что за тобой стоят аферисты… Конечно, мне самой не под силу было ехать в Голландию.

  О галерее. Менять в галерее раз в год арт. руководство, это — какому-то клану (стилю) можно так и не дождаться своего звездного часа… Наши люди, дабы прокормиться,  освоят все виды и жанры, и  впишутся в режим каждого года Потеряют лицо, но впишутся. Следовательно, менять надо чаще, может даже, чередуя стили, приглашать на каждую выставку  сопутствующего куратора. Или найти одного обожателя всех жанров и стилей -настоящего искусствоведа, ведающего в искусстве.

 О сотрудничестве.  Мне один раз в жизни повезло с таким человеком, широко ведающим в искусстве,-  мы в Киеве короткое время успешно сотрудничали и дружили, она определила на то время мою стилевую/ценовую нишу, вселила твёрдую уверенность в себя. Но потом уехала в Вену и там нашла своё счастье. Это был настоящий маршан. 

До неё и после были всякие предложения и курьёзы. Один покупатель из Германии ждал, когда мои «Насмешницы и садовник» упадут в цене до копеек, ну, как просроченный товар. В очередной  приезд он остался в шоке, узнав, что в каких-то Сумах картина продалась в 2 раза дороже первоначальной цены.  О цивилизованном  качестве сотрудничества (маршанства) я узнала от одного канадца, работавшего в Москве. 

В тех же, концедевяностых,  пришёл  ко мне молодой человек, сказал, что едет в Москву встретиться со знакомым канадцем и хочет показать фото моих картин. В итоге канадец купил одну работу. Посредник отдал договорённую сумму, получил свои 10 процентов и исчез. Через год находит меня по телефону канадец с просьбой написать что-нибудь в подобном духе. Заказ выполнила и повезла в русский городок у границы, где мы и встретились с покупателем. Когда я назвала сумму немногим меньшую суммы предыдущей картины, проданной посредником, канадец удивился и озадачился. — Вас что, перестали покупать? – спросил он. — Почему Вы так решили? — А Вы знаете, сколько ваш посредник взял с меня денег прошлый раз? – и назвал сумму намного превышающую договорённой.

Потом он рассказал, о том, как  звезда сцены N уволил своего организатора концертов за то, что его новый самолёт оказался круче, чем самолёт господина N.  То есть, тут интересный момент: задача посредника, как сотрудника, оттолкнуться от договорённой цены, повысить её перед заказчиком, отчитаться маэстро и обсудить новый повышенный процент за работу. Вот такое бывает взаимовыгодное сотрудничество. Но возможно ли такое у нас?

Известный уличный художник, специализирующийся на росписи заброшенных старых зданий  в Берлине осуществил проект под названием “Monzter”.

Уличный художник Kim Kwacz, известный также как Kim Kоster, посетил множество заброшенных зданий, которые собственноручно населил цветными монстрами самых разных размеров и самого разного вида.

Ранее мы писали: В Киеве на улицах появились «стебные» рисунки житейских историй (фото)

Затем, все граффити-чудовища были бережно перенесены в цифровой вид и стали частью приложения на мобильные телефоны.

Весь проект получил название “Monzter” — это приложение для детей, которое позволяет узнать ответы на самые разнообразные вопросы. Как далеко от нас небо? Почему мне надо спать? Опасен ли гром и бывают ли белые вороны? Вместе с милыми монстрами можно узнать ответы на эти животрепещущие вопросы, ровно как и на сотни других, не менее интересных.
Источник: kulturologia.ru

Темы рисунков разные, но ничего хорошего у него на деньгах не происходит: в архитектуре, изображенной на купюрах, то кого-то убивают, то арестовывают, то берут заложников, то разгоняют митинги, то кто-то вешается — в общем, проект посвящен финансовой и социальной нестабильности в Греции.

Разрисовав очередную купюру, Стефанос сканирует ее, после чего тратит, как обычные деньги, так что его искусство уходит в широкий оборот и гуляет по рукам.

Ранее мы писали: Комплекс физических упражнений для привлечения денег

Источник: designboom.com

Как и у других художников, работы 54-летнего Хайнера Боргера из Франкфурта требуют навыка, точности и твердой руки. Но, в отличие от большинства, ему также нужна лицензия  пилота и железные нервы. Боргер создает картины, летая очень низко над землей на вертолете.

Аппарат держится над аккуратно расположенными холстами с нанесенными на них красящими веществами. Цвета смешиваются благодаря нисходящему воздушному потоку от лопастей. Деликатный процесс также включает использование посадочного шасси, помогающего получить оригинальные отпечатки, становящиеся последним штрихом.

По словам художника, некоторые называют его работы просто интересным набором цветных пятен. Но на самом деле в них присутствует концепция. Боргер экспериментировал с разными цветами, красками и даже моделями вертолетов.

Ранее мы писали: Художница из Великобритании создает портреты из различных «ненужных мелочей» (фото)

На данный момент он уже создал около 120 картин. Сам Боргер видит в своем занятии продолжение акционизма, впервые созданного такими мастерами, как Джексон Поллок. Работы художника также подчеркивают любовь Леонардо да Винчи к рисованию и полетам. По мнению Богера, если бы у последнего была лицензия пилота, он мог бы создавать нечто похожее.

Иногда в процессе рисования в картины впечатываются семена, травинки и даже насекомые. В итоге они становятся частью произведения.

Ранее мы писали: Словенский художник создаёт шедевры из яичной скорлупы

В процессе рисования Богер путешествует по всему миру, выбирая места с особым значением. Так, в Южной Африке он разложил холсты у гор 12 Апостолов, расположенных у Столовой горы. Художник также побывал в Кейптауне и Лас-Вегасе. Но сейчас Боргер заинтересовался «приграничным вопросом». Он намерен создать новые картины на значимых барьерных территориях, вроде Китайской стены или демилитаризированной зоны между Северной и Южной Кореей.

Источник: oops-news.ru

Многие художники, вдохновившись какой-либо историей, рисуют довольно неплохие картины с ее героями. Однако для того, чтобы создать по-настоящему интересную иллюстрацию для книги одного таланта оказывается мало. Надо выучиться на иллюстратора, освоить специфику профессии. Потом Художнику нужно понять то, что вложил в произведение сам автор, составить свое уникальное видение и лишь потом представить читателю рисунки, которые будут радовать глаз. Именно такие иллюстрации и украшают книги, которые нравится перелистывать как взрослым, так и детям.

Ранее мы рассказывали о наиболее заметных российских иллюстраторах, которые проявили себя в области рекламы. На сей раз предлагаем вам посмотреть на лучшие работы художников, которые рисуют обложки и картины для книг.

Галя Зинько

Маша и медведь

Сережин свитер

Сказка о мертвой царевне и семи богатырях

Инна Капустенко

Сэдэй

Мудрец

Елочка

Аринушкин Андрей

Princesse

Безумству храбрых

Рыцарь-эльф

Виктор Бритвин

Ярмарка

У озера

Индийский нож

Лев Каплан

Голгофа

Большая стальная рыба революции II

Окно в мир фермера Уайетта

Непомнящий Дмитрий и Попугаева Ольга

Ежик

Август

Покатушки

Полина Яковлева

Лето спать ложится

Обои для детской комнаты

Дождливый вечер

Павел Кульш

Демисезонный чайник

8 марта

Совенок

Арсен Джаникьян

Про одеяло

Ежик-солнце

Воздушные рыбки

Курбатова Маша 

С наступающим!

Лизавета

За вышивкой

Фомин Николай

Якутия

Сибирские глаза

Кицунэ ты моя, Кицунэ

Глеб Бедарев

Василиса Прекрасная

Иван Царевич и белый полянин

Кощей бессмертный

Дмитрий Резчиков

Белый волк

Белый волк

обложка книги Белый волк

Смысл того, что делает  художник во время шоу понятен не каждому и не сразу. На первых секундах его можно принять за безумца, который увлеченно пишет двумя руками какую-то абстракцию, позабыв про окружающих. Но финал видео просто поражает.

Ранее мы писали: Художник из Нью-Йорка изобрёл интерактивное зеркало

От его работ веет умиротворенностью и покоем. Основным героем его полотен является природа. Но это сегодня. А начиналось всё совсем иначе:

«Я помню, как лежал в больнице, когда мне было пять лет, и, чтобы облегчить скуку длительного пребывания (которая казалась бесконечной, я помню), я проводил время за рисованием. На мои работы было много положительных отзывов из школы и от родителей, которые увидели во мне талант. Эти отзывы сыграли роль искры, которая зажгла огонь, горящий во мне и поныне….» — рассказывает о своём приходе в живопись Ричард Торн.

По его словам, вначале он рисовал  «как сумасшедший» всё, что мог представить: пиратов, галеоны, рыбацкие лодки, военные самолёты, танки, линкоры и прочее. Любимым спортом молодого Ричарда был спидвей. Он сделал сотни рисунков мотоциклистов, каждую неделю пропадая на соревнованиях вместе с одноклассниками.

А параллельно появилось серьёзное увлечение музыкой.

Родился Ричард Торн в Девоне (Devon) в 1952 году. Его юность совпала с временами расцвета блюза и молодого рока. С 12 лет он уже играл на гитаре в школьных группах и затем в художественном колледже. Их репертуар составляли, как сейчас говорят, кавера песен таких легендарных исполнителей, как  John Mayall’s, Bluesbreakers, The Animals, The Kinks, The Beatles, the Who, BBKing, Eric Gale, Clapton, Hendrix и других. К слову, Ричард Торн левша, как и Пол Маккартни.

Вернувшись в родной город, и так и не закончив курс в художественном колледже из-за увлечения музыкой, Ричард продолжал занятия ею и, в итоге, пришел к джазу.

Больше о джазе: Шарль Делоне. Джазовый эксперт и мифотворец

«Я написал мелодии почти во всех диапазонах от блюза до фанка и R & B. А потом меня увлёк латинский джаз. Я собрал джаз-трио «Ragged Fish «, которое со временем переросло в квартет, и мы начали играть хорошо известные латинские и босса-мелодии. Потом стали сочинять сами. К сожалению, из-за финансовых проблем и малого числа концертов группа потеряла импульс. В настоящий момент я продолжаю писать и записывать свои мелодии, и с нетерпением жду возобновления проекта на каком-то новом этапе….» — так описывает свою музыкальную карьеру Ричард Торн.

Иными словами, вначале было много драйва и ритма. Откуда же взялись акварельные пейзажи?

Как утверждает сам художник и музыкант, ему повезло и судьба сделала за него выбор сама.

«Я был достаточно удачлив, потому что Torquay Gallery взялась покупать большую часть моих работ. Одна из моих картин была подарена ​​принцессе Майкл Кентской, когда она выразила заинтересованность в ней на  Devon County show. Это было благом для моей карьеры и побудило продолжить работу дальше. А несколько лет спустя мне посчастливилось встретить Алистара Уолтона, который стал моим покровителем, коллекционером и другом. Он познакомил меня с Джоном Робертсоном в Bourne Gallery в Райгейте, где прошло много моих выставок», —  говорит Ричард Торн.

Таким образом, гитарист, который в 19 лет жил в Лондоне  «между голодом и гедонизмом», а также между музыкой и живописью, к 30-ти годам обрёл свою творческую стезю и ступил на путь акварелиста.

Ещё  про культуру Англии: Топ 15 знаменитых литературных героев, которых придумали англичане

И  всё  же почему именно пейзажи? И тут уместно привести ещё одно детское воспоминание художника: «Поездки на выходные с семьей в Дартмур (национальный парк Великобритании) и по различным селениям страны (как правило, в поисках паба)  дали мне много ландшафтных впечатлений. Эти, впитанные в детстве образы скал и потоков, привели меня к пониманию моей сроднённости с природой и ландшафтом…»Может быть, благодаря столь бурной молодости и разделённости между музами двух искусств, Ричард Торн и стал не классическим акварелистом, а экспериментатором и новатором.

О сложной и оригинальной технике, используемой им, читайте и смотрите много работ Ричарда Торна в материале: Ослепительный Richard Thorn

По словам художницы, собаки и другие животные часто выглядят внешне симпатичными и безобидными, они очаровывают людей, но при неправильном отношении могут быть опасны и в этом имеют схожесть с ювелирными украшениями.

Тем же свойством обладают и стеклянные скульптуры Марты Клоновской. Она изготавливает их так, что со стороны её звери максимально реалистичны – те же размеры, тот же внешне мирный и пушистый облик, вызывающий желание погладить, однако это стекло и при контакте с ним нужно быть максимально острожным.

Работа над произведением начинается у Марты с создания прочного металлического каркаса, который затем «обрастает» цветным стеклом, создающим иллюзию пушистой шерсти. Для усиления эффекта пушистости скульптура в конце процесса подвергается термообработке, в результате чего, её «щетинки» слегка оплавляются и «шерсть» начинает выглядеть мягкой и шелковистой.

Попутно заметим, что схожий принцип, когда вначале создаётся металлический скелет, а потом его покрывают иным материалом, использует при создании своих фантастических киберскульптур художник из Южной Кореи Джи Йонг Хо.

Прообразы своих скульптур Марта Клоновска находит на картинах известных художников прошлого. Там они располагаются на заднем плане, а польская художница выводит их на авансцену. Причём в буквальном смысле этого слова, размещая на выставках свои работы рядом с репродукциями картин, на которых изображены их живописные версии.

Кстати подобный приём часто используется театральными и кино-режиссёрами. В качестве примера можно привести известный фильм Тома Стоппарда  «Розенкранц и Гильденстерн мертвы», где персонажи второго плана из пьесы Шекспира «Гамлет» становятся главными героями.

Марта Клоновска так комментирует свои инсталляции, на которых соединяются живопись на плоскости и пространственный арт-объект: «Животных сложно понять и с ними сложно общаться. Мои стеклянные животные в связи с этим открывают нам новую реальность, отличающуюся от той, к которой мы привыкли. Люди, изображенные на картинах, животные и те, кто приходят посмотреть на моё творчество, оказываются на своего рода театральной сцене, где размываются границы между ними. Это столкновение реальностей должно заставить нас задуматься о неопределённостях в жизни».

Важно подчеркнуть и принадлежность польской художницы к той плеяде современных творцов, которые, создавая произведения из отработанных продуктов цивилизации, привлекают внимание к экологической проблеме отслуживших своё вещей.

И, конечно же, Марта Клоновска является классическим представителем искусства времён постмодерна, пропитанного всевозможными культурными цитатами и аллюзиями.

Родилась художница в Варшаве в 1964 году. В 1987-89 г.г. обучалась во Вроцлавской Академии изобразительных искусств. Затем переехала в Германию, где прошла курс в Академия изобразительных искусств города Дюссельдорф. Сегодня Марта попеременно проживает в Дюссельдорфе и Варшаве, и с успехом выставляется по всему миру.

Ещё о польской художнице в материале «Скульптуры из кусочков разбитого стекла от Marta Klonowska»

Выставка под названием Ice Flowers (Заледеневшие цветы) предлагает новый взгляд на жизненный цикл цветочных букетов, заключенных в ледяные глыбы.

Новая экспозиция художника расположена на неприметном складе в пригороде Токио. Макото Адзума (Makoto Azuma) показал растения в необычных для них условиях, которые  в естественной природной среде, вероятнее всего, не осуществились бы, — заключил цветочные икебаны в глыбы льда.

Ранее мы писали: В Киеве провели творческую акцию: цветы против ям на дорогах

Технология создания подобных инсталляций не сложна, но требует аккуратности и знания своего дела. Необходимо создать букет из срезанных цветов, поместить его сосуд с водой и подвергнуть быстрой и глубокой заморозке. Далее извлечь из сосуда получившуюся ледяную глыбу и специальными инструментами придать ей завершенную форму.

Ранее мы писали: Художник из Нью-Йорка изобрел интерактивное зеркало. Как оно работает (видео)

Но вернемся непосредственно к выставке Ice Flowers

Она представляет собой шестнадцать замороженных цветочных композиций, разбросанных в пространстве слабо освещенного помещения. Лепестки, листья и стебли преломляются сквозь толстый слой льда, придавая каждому букету новый фантастический облик. Однако хрупкая красота наполненных цветом и жизненной силой композиций медленно, но верно исчезает по мере таяния льда, оставляя лишь увядшие цветы и лужи.

Мексиканское правительство обратилось к группе уличных художников с просьбой разрисовать стены домов в городке Пальмитас, штат Идальго. Как известно серый цвет в большом количестве действует угнетающе. Так что идея социального проекта состояла в том, чтобы добавить ярких красок на улицы города и тем самым снизить психологическую напряженность среди населения.

Стрит-арт — один из способов улучшать социальную ситуацию в неблагополучных местах. И такие примеры уже известны, ранее мы писали: В Испании стрит-арт спасает деревни

Сообщество стрит-артистов и муралистов Germen Crew откликнулось на предложение мексиканских властей и раскрасило городок Пальмитас в яркие радужные цвета.

В результате 209 домов — две тысячи квадратных метров фасада — были превращены в единое радужное граффити. В социальном проекте приняли участие 452 семьи, а уровень насилия в молодежной среде значительно снизился — чего и хотели добиться власти.

Ранее мы писали: В мире набирают популярность произведения искусства из вторсырья

Теперь этот бедный городок стал еще живописнее в прямом смысле слова, и туда, вероятно, хлынут туристы.

По информации интернет-СМИ

Итальянская живопись славится с давних времен. Усилия средневековых деятелей искусства выдвинули страну в центр возникновения и развития таких направлений как футуризм, маккьяйоли, новеченто, трансавангард, арте повера и т.д. Итальянское дыхание породило многих великих художников, чьи работы сегодня являются идолами поклонения.

Сегодня арт-сцена Италии богата плеядой выставок, галерей, музеев и арт-институтов. Обучение искусству здесь является самым престижным шагом для юных и одаренных творческих людей.

Искусство Италии выделяется своей смелостью. В 20 веке здесь начали развиваться авангардные течения, которые нанесли свой оттенок на общее восприятие изобразительной культуры страны. Так, все чаще здесь стали появляться жанровые произведения кубизма, символизма и сюрреализма.

От Арнальдо Помодоро и Эмилио Ведова 20 века до современных молодых живописцев, таких как Paolo Troilo, изобразительное искусство Италии приобретает все более смелые формы, возможно, где-то непонятные и таинственные, но, в то же время кричащие каждым своим изгибом на полотне. Среди современных живописцев Paolo Troilo выделяется тем, что его холсты хранят в себе тот секрет человеческой жизни, который обычный зритель готов разгадать. Эти работы украшают многие галереи мира с 2006 года. По сей день Паоло создает свои шедевры в одном стиле, не отходя от собственной интерпретации сущности человеческого бытия и души. Кстати говоря, его работы выполнены без какой-либо компьютерной графики, как может показаться на первый взгляд. С детства Паоло рисует только пальцами и, экспериментируя с расходным материалом, он нашел себя.

 Ещё о Паоло Троило

От: ИРА

Амстердамская художница, дизайнер и аниматор Роза де Йонг (Rosa de Jong) создает в обычных лабораторных пробирках архитектурные микрошедевры. Она называет их Micro Matter.

Необычные скульптуры представляют собой вертикальные жилища, помещенные в стеклянные пробирки.Среди ее работ – фантастические дома на скалах, пасторальные сельские домики и даже кемпинги. Что-то из этого Роза видела в детстве и воссоздала по памяти, другие объекты – плод ее фантазий и снов. Её работы столь подробны, что в некоторой степени, их можно сравнить с кораблями в бутылках, но объем работы и детализация впечатляют не меньше, а то и больше!

Ранее мы писали: Великолепные «Времена года» в стихах и музыке (видео)

В своей работе художница использует натуральные материалы: бумагу, картон, ветки, мох, травы, кору и другие материалы. Чтобы собирать из них миниатюры, Роза наловчилась орудовать инструментами с точностью опытного хирурга. Результат впечатляет!

Рафаэль Мантессо – именно креативщик, то есть придумщик и фантазёр. Его рисунки – это, прежде всего, идея. Повторить их, в большинстве случаев,  может каждый, владеющий навыками рисования. Вся сложность в том, чтобы додуматься неожиданно, но сюжетно соединить на одном листе рисованные и сфотографированные изображения.

Ранее мы писали: Французский скульптор создаёт фигуры, части которых висят в воздухе. 

По словам Рафаэля Мантессо всё началось с того, что его бросила жена, забрав с собой всё кроме  их бультерьера Джимми Чу, названого так в честь любимого дизайнера обуви бывшей супруги художника.

«И тогда я нашёл вдохновение в окружающих нас голых стенах и начал фотографировать своего четвероногого друга. Джимми радостно бегал по квартире и когда упал в счастливом изнеможении рядом с белой стеной, я схватил маркер и нарисовал новый мир вокруг его головы. И я понял, что голые стены и собака – лучшая компания! Я создал серию забавных иллюстраций, изображающих моего бультерьера рок-звездой, пианистом и даже бабочкой», — рассказывает Рафаэль Мантессо.

 Ранее мы писали: Журналистка из Лондона создаёт уникальные рисунки на бананах 

С того времени появилось несколько разнообразных серий этих смешных и милых рисунков бразильского фантазёра. Приглашаем  вас улыбнуться и немного развеяться, полюбовавшись ими.

Самый простой способ, когда вовремя и в полном объеме проводится целесообразный ремонт. Но к простым решениям мы не привыкли.

Так что когда терпение заканчивается смотреть на эту бесхозяйственность, некоторые  граждане (кстати,не всегда автомобилисты) заделывает ямы сами. Чтобы сделать это быстро и не остаться в накладе многие засыпают их строительным мусором или отходами фарфорового производства, но это не столь эффективно, хотя немного улучшает ситуацию.

Художник-мозаичник Джим Бахор из Чикаго борется с ямами на дорогах по-своему.

Устав объезжать бесчисленные выбоины в асфальте по всему городу, он стал заполнять их мозаикой. Изображает то, что любит, а любит он сладости — мороженое и пирожные. Между прочим, Бахор утверждает, что выполненная по правильной технологии мозаика продержится на дороге много дольше, чем асфальтовые «заплатки» нерадивых коммунальных служб.

Другие методы борьбы ямами, ранее мы писали:  В Киеве водитель добился ремонта ямы с помощью краски (фото)

Ікона Явлення Августовської Божої Матері до реставрації

«У зоряному небі, як яскрава зірка засяяла».

Сумський художній музей ім. Н. Онацького протягом всього свого існування керується одним з християнських постулатів «врятуй та збережи» і робить все можливе для зберігання та реставрації мистецьких цінностей.

Так, багато років музей співпрацює з фахівцями реставраційної справи, насамперед з Національним науково-дослідним реставраційним центром України у Києві, його філією у Харкові, а також з Харківською академією дизайну та мистецтв. Саме в цьому закладі, на кафедрі реставрації було виконано одне з останніх і досить складних завдань – відновлення зшитого з трьох частин полотна без підрамника, напіврозірваного, дуже забрудненого, вкритого пліснявою, з чисельними подряпинами та кракелюрами.

Чудом уцілілий твір, який довгий час зберігався у неналежних умовах, надійшов до музею у 2006 р. Протягом трьох років фахівці Харківської академії працювали над поверненням цьому твору первинного стану. Під час реставрації виявилось, що зображення, в якому йдеться про події Першої світової війни є образом Божої Матері Августовської, а саме – іконою, написаною на честь явлення її у 1914 р. воїнам перед битвою під містом Августов Сувальської губернії (нині територія східної Польщі, Бєлостоцьке воєводство).

За переказами

У вересні, напередодні боїв на Північно-Західному фронті, Гатчинський та Царскосельский кирасирський лейб-гвардейські полки йшли до місця боїв. Розташувавшись у наметовому містечку пізнього вечора, солдати побачили у зоряному небі, на тлі білого хреста, на повний зріст Богоматір серед хмар. Правиця її вказувала на Захід – «…десницею Своею им путь на запад указующую и к битве с супостатом призывающую». Вражені побаченим, вони стали на коліна у молитві. Священнодійство тривало понад сорок хвилин. А невдовзі, після цієї події в Августовських лісах відбулась битва, яка закінчилась великою перемогою. У тому важкому бою жоден з воїнів – свідків явлення Богородиці не загинув.

Икона Явлення Августовської Божої Матері

На честь цієї події наприкінці 1915 р. з’явилось перше датоване зображення святого образу за благословенням митрополита Макарія, а в березні наступного року ікона була ухвалена для молитви Святійшим Синодом православної церкви. На одному з перших списків зазначалось понад п’ятдесяти прізвищ чоловіків, учасників того бою.

Велика кількість подібних ікон була написана лише за два роки до революції. За наказом Миколи ІІ вони були поширені і видавались друком в листівках, плакатах та на сувенірній продукції, насамперед на великодніх яйцях, що ілюстрували чудесне явлення Божої Матері у Першу світову війну, за такими назвами, як: «Августовська Перемога», «Свіча Августовська», «Божа Матір Августовська», «Явлення Августовської Божої Матері російським воїнам». Проте, після революції списки з цього образу масово знищувались більшовиками і довгий час перебували в забутті.

І лише в квітні 2008 р. церква внесла ікону в офіційний місяцеслів святкування у день православного новоліття –
14 вересня

Існує п’ять основних ізводів ікони. Один з них – у Сумському художньому музеї, написаний за часи Першої світової війни невідомим самодіяльним художником на теренах Сумщини (походить з с. Ярове Кролевецького р-ну).

Рідкісним явищем є напис, що свідчить про пожертву, – це прізвища шести жінок, коштом яких був створений даний образ. Таким чином жінки завдячували Богородицю за заступництво перед важкими земними випробовуваннями їхніх чоловіків у цій війні. Композиція твору умовно розкриває два Світи – Небесний та Земний. Дві третини полотна займає Богоматір з Христом-Отроком, яка стоїть серед сегментів білих хмар в оточені золотих зірок. Правиця Христа у благословляючому жесті, в лівій руці закритий сувій з кодексом божих заповідей. Внизу, перед святим образом, на колінах – воїни у молитві, перед ними – дорога, обабіч якої густий ялиновий ліс. Подібні твори, що свідчать про участь багатьох наших співвітчизників у тій жахливій і несправедливій війні, де Матір Божа

Фрагмент з написом на іконі

«не мале військо, а всіх людей нашх на битву за Віру та Вітчизну піднімає», часто зустрічаються на теренах Слобожанщини.

Богородиця (за типом зображення Одигитрія) вказує на доленосний шлях людей. Саме в молитві до Бога вони звертаються у важкі години життя («отчаявшимся надежду подающая и верным в бранех помогающая»), але разом з сюжетною лінією в іконі домінує маріологічна символіка, що відповідає священним літургійним текстам про храм в душі, спасіння і вічну славу. Композиційна узагальненість постаті Марії на тлі білих хмар з абрисами хреста надає значущості і величі образу, який ототожнюється з Матір’ю-Церквою і є «Дому Своему щит и ограждение».

Порушення пропорцій (з акцентом на руки), в подібних іконах-картинах для митців-богомазів було звичайним явищем, але писались вони щиро і переконливо. Художник також уникає і канонічності лику Богородиці, оспівуючи звичайну жіночу красу та підкреслюючи особливий духовний вираз обличчя. Рожевий мафорій та довгий білий хітон, немов колона, прикрашають Богоматір: „…рясны златыми одеяна и преиспещрена” (Пс.44). Автор звертає увагу на земне і духовне існування образу, сповненого особливої гідності.

Полотна Василия Жирова были представлены на различных выставках в Украине и за ее пределами. Для экспозиции «Механика бытия» отобраны работы автора, выполненные в стиле коллажной живописи и ассамбляжа.

Для картин Василия Жирова характерна нестандартность образов, абстрактное отражение действительности и объемное наполнение плоскости. Цветные лоскутки создают необычные фигуры, смело превращающие простые вещи в новые и исключительные.

Техники коллажа и ассамбляж родственные, но имеют определенные различия. В переводе с французского ассамбляж означает «собрание». Собирая различные предметы или их фрагменты в единую композицию, автор создает трехмерное изображение, по структуре похожее на коллаж. Художник может использовать для работы как живописные материалы, так и готовые формы предметов. Ассамбляж в своем творчестве часто применяли дадаисты, сюрреалисты, а также художники, работавшие в стиле поп-арт. Среди известных авторов, кто интересовался этой техникой и использовал ее в своих работах Пабло Пикассо, Жорж Брак и Зак Фриман.

Ранее мы писали: Александр Гвоздик. Кино и коллажи

Полотна Василия Жирова поражают своей нестандартностью и геометричностью. Абстракция, среди которой вырисовываются разнообразные образы, удачно переплетается с кубизмом. Особенностью работ Василия Жирова, кроме использования техник коллажа и ассамбляжа, является специфический подбор цвета — в пределах одного полотна автор использует подобные цвета, разбавляя их контрастными красками. Некоторые полотна художника похожи на древние произведения искусства, привлекают бликами золота и интересными орнаментами.

Куратором проекта выступает Леонора Янко, искусствовед, арт-менеджер, и директор Lera Litvinova Gallery. Она отмечает: «В новой выставке мы решили представить невероятные работы Василия Жирова, выполненые в довольно необычной технике коллажной живописи и ассамбляжа. Авторов, представляющих эти техники на украинской арт-арене немного. Ассамбляж и коллаж тесно перекликаются между собой. Такие технические приемы обеспечивают творениям эмоциональную насыщенность и остроту».

Выставка Василия Жирова «Механика бытия» продлится до 14 декабря 2018 года.
Вход свободный
Г.Киев, пер. Евгения Гуцала, 3

В экспозицию войдут абстрактные композиции, а также флористические натюрморты и пейзажи. Изображая природу, живописец обращается к зрителю, давая волю его воображению в довершении художественного образа.

Ильяна Ротарь-Романчак дочь известного украинского художника Анатолия Ротаря. Отец с детства был для нее примером для подражания.  Его работы оказали определенное влияние на творчество Ильяны. Кроме того, более 5 лет тонкости изобразительного искусства художница постигала в мастерской  художника Михаила Ряснянского.

В данный момент Ильяна Ротарь-Романчак самодостаточный художник со своим собственным стилем, техникой и восприятием окружающего мира. Основа ее живописи – работа с цветом и его сочетаниями. Яркие полотна автора полны экспрессии и динамики. Ильяна предпочитает использовать в своих творениях чистые цвета, тем самым достигая максимального эмоционального воздействия на зрителя.

Благодаря образованию дизайнера, художница обладает особым чувством и видением пространства. Ее работы гармонично дополняют и украшают любой интерьер.

Ранее мы писали: Итальянский карикатурист стал классиком современной живописи 

Ильяна Ротарь-Романчак родилась 14 февраля 1981 года в г. Ковель. Окончила Николаевский Гуманитарный Университет. Ее первые выставки состоялись в родном Николаеве и Одессе, а позже пришла известность не только в Украине, но и за ее пределами. Сегодня работы художницы находятся в частных коллекциях Японии, США, Италии, Украины и России.

Выставка Ильяны Ротарь-Романчак «Краски» (Фарби) продлится до 16 ноября 2018 года.

Адрес:  Обуховское шоссе, 2

Время работы:  Ежедневно с 11.00  до 20.00

Вход свободный

Антропогенез дословно означает возникновение и развитие (генезис) человека (антропос) в широком смысле. В контексте искусства и данной выставки — это эволюция человечества в проявлениях его древних культур, произведений, предметов и показ самых людей без лишних преувеличений.

Находясь в поиске собственного стиля, используя оригинальную технику, автор примечает неожиданные решения. В его работах прослеживаются интересные мысли касательно обыденных вещей, а вековые сюжеты раскрываются на современном фоне. Эротизм в его картинах — это особый взгляд на женщину, попытка заглянуть в тайный мир ее желаний и инстинктов.

В художественных произведениях молодого художника всегда есть место смелому эксперименту. Он критичен к своим работам, восприимчив к советам и открыт для всего нового, что появляется на стыке разных подходов, стилей и направлений. Живописец сочетает несочетаемое, миксует различные техники: пастель и масло, графику и станковую живопись, легко меняет жанры, переходя от натюрморта к пейзажу, от обнаженной натуры к портрету.

Художник с уважением относится к классике, на которой учился: «Это — лучшая школа для художника. Я делал копии, пытаясь постичь технику мастеров. В процессе обучения приходило понимание того, чем буду заниматься я. С чем приду в искусство, какой след оставлю — нельзя заниматься живописью и не ставить перед собой такие вопросы».

Родился Евгений Шаповалов в 1986 году в г. Симферополь. Член Национального союза художников Украины, неоднократный участник областных и всеукраинских выставок и международных проектов. Победитель Всеукраинского пленэра «Лучший художник» (г. Винница, 2017).

Вдохновиться картинами молодого художника в арт-галерее «Мануфактура» можно до 20 июля 2018.

Адрес:  Обуховское шоссе, 2

Время работы:  Ежедневно с 11.00  до 20.00

Приглашаем зрителя окунутся в интимное внутреннее пространство арт площадки «Cappuccino», которое исследует, как портретные, так и абстрактные образы.

Искусство представлено в уникальном современном контексте женских образов, которые создал художник Алик Ветроф. «Когда все происходит в моей голове, — говорит Ветроф, — сложно точно провести черту, где конкретный почти документальный образ женщины, а где плод моей фантазии. Это что-то мимолетное, почти эфирное состояние и ощущение. Его невозможно искусственно вызвать или повторить. Очень часто работая над образом впадаешь почти медитативное состояние и не можешь для себя объяснить, как ты это сделал…».

Живопись художника запечатлела миг жизни женского настроения и очарования от откровенного до стеснительного состояния. Глубокое эротично-ироничное искусство художника полностью находится под знаком постимпрессионизма и абстракции.

Глубина передаваемых образов на картинах, заставляет всматриваться и всматриваться в созданные женские образы. В работах автора сохраняется живой образ женщины как не земного существа. Страсть, страсть не только на холсте, а и в отношении к творчеству, вот что отличает и характеризует художника Ветроф.

С 31 января по 30 марта 2018 года у Вас будет уникальная возможность встретиться с художником и его работами.

Открытие выставки 30 января в 19.00

Адрес: Одесса, ул. Большая Арнаутская, 58