Сейчас художница живет и творит в г. Сумы (Украина). Член СХ Украины с 1992 года. С 1986 года Ирина активно участвует в республиканских, региональных и зарубежных выставках. На счету художницы несколько десятков основных выставок, из которых 23 персональных в разных городах Украины и за рубежом.

Работы находятся в Сумском, Путивльском Художественных музеях, в частных коллекциях Украины, России, США, Германии, Австралии, Словакии, Чехии.

А так же в частных коллекциях экс-президента Украины Леонида Кучмы и других.

Ирину отличает философский взгляд на жизнь, соединенный с романтичностью. В ее картинах — тепло любви и красота, раздумье и боль одиночества, ирония и озорство. Каждая работа — проявление необычайной интеллигентности и высокой культуры.

Основные выставки

2020 — Персональная выставка, «Цветы и люди», «Сумская городская галерея»

2020 — Персональная выставка, «Горизонты времени», «Сумская городская галерея»

2019 — Персональная выставка, Библиотека имени Ивана Франко. Киев

2018 — Персональная выставка, Киевский национальный университет им. Тараса Шевченко

2018 — Персональная выставка, зал НБУ, Киев

2017г. Персональная выставка. Конгрес-центр СумДУ. г.Сумы

2016г. Всеукраинская выставка «Гранi таланту». Центральный Дом Художника Украины. г. Киев

2016г. Персональная выставка. Центральный Дом Художника Украины. г. Киев

2016г. Персональная выставка. «Сумская городская галерея» в Агенція промоції «Суми»

2015г. Всеукраинская выставка ко Дню художника. Киев

2015г. Персональная выставка «Бо царство небесне належить дітям» . Галерея «Наша», г. Сумы

2013 г. – Выставка одной картины (литературный вечер.) г. Сумы

2012 г. – Персональная выставка-проект «Сумчане. Знакомство с продолжением» г. Сумы

2011 г. – Всеукраинская выставка ко Дню художника (Киев).

2011 г. – Персональная выставка. Музей-заповедник (г. Путивль).

2011 г. – Персональная выставка. Сумской художественный музей им. Н.Х. Онацкого.

2009 г. – Выставка сумских художников в г. Киеве.

2008 г. – Выставка сумских художников в г.Полтава.

2008 г. – Выставка сумских художников. г.Харьков.

2007 г. – Персональная выставка. Центральный Дом Художника Украины (Киев).

2003 г. – Персональная выставка. Центральная Научная Библиотека (Киев).

2002 г. – Персональная выставка. Галерея «Кроки… на… зустріч» (Лавра, Киев).

1998 г. – Персональная выставка, посвященная 750-летию г. Нитра. Художественный музей г. Нитра (Словакия).

1998 г. – Персональная выставка. Центр искусств «Собор» (Сумы).

1996 г. – Персональная выставка. Общество «Просвіта» (Сумы).

1995 г. – Межрегиональная выставка Биенале «Пан-Україна’95» (Днепропетровск).

1995 г. – Персональная выставка. Театральный Центр «Бенефис» при Главном Управлении Культуры (Киев).

1995 г. – Персональная выставка. Канадский Международный Центр Исследования и Развития (Киев).

1995 г. – Персональная выставка. Дом Писателей Украины (Киев).

1995 г. – Персональная выставка. Центральный Дом Художника Украины (Киев).

1994 г. – Персональная выставка. Зал Украинского Фонда культуры (Киев).

1994 г. – Персональная выставка. Зал Союза художников Украины (Днепропетровск).

1994 г. – Персональная выставка. Зал Союза художников Украины (Ялта).

1992 г. – Персональная выставка, посвященная 1000-летию г. Глухова (Сумы).

1992 г. – Межрегиональная выставка Биенале «Пан-Україна’92» (Днепропетровск).

1992 г. – Республиканская выставка «Мальовнича Україна» (Чернигов).

1992 г. – Республиканская весенняя выставка, посвященная I съезду Союза художников Украины (Киев).

1991 г. – Республиканская выставка «Мальовнича Україна» (Винница).

1991 г. – Республиканская весенняя выставка (Киев).

1989 г. – Республиканская художественная выставка «Художник и книга» (Киев).

1988 г. – Персональная выставка, посвященная Международному женскому дню 8 Марта (Сумы).

1987 г. – Зарубежная художественная выставка «Сумы — Враца» (Враца, Болгария).

С 2013 года — хозяйка арт-площадки «Сад сходящихся тропок»

Після подій останнього року, здається, для більшості громадян прийшов час рефлексії над десятиліттями тоталітарного минулого. Неважливо, через які режими проявляється тоталітаризм: гітлерівський, ленінсько-сталінсько-комуністичний, чи навіть олігархічний. Важливо, що неусвідомлений і неподоланий у свідомості значної частини людей, він почав «проростати» страшними метастазами, руйнуючи наш навколишній і внутрішній світ…

Виставка молодих сумських художників-графіків Богдана Пилипушка і Олександри Сиси саме про це:

•  про людину, що народжується вільною,

•  про людину, яка руйнує свою суть, погоджуючись жити в поневоленні – фізичному, моральному, інтелектуальному

•  про те, що тоталітаризм можливий там, де людина не усвідомлює себе як індивід, не декларує свою самоцінність і неповторність, не готова відповідати за власне життя.

І це не тільки жахливі приклади ХХ ст., це літературні твори, які з утопій ставали реальністю. Для осмислення цих категорій Богдан Пилипушко обрав культовий твір Д.Орвела «1984», так химерно проявлений у сьогоденні. Цей літературний твір із струнким сюжетом, героями і антигероями, в обробці Богдана Пилипушка трансформувався у формат арт-книги. Книга — як метафора знання. Хто бажає обмежити свободу, той завжди обмежує знання, встановлює їх ліміт. Знання може бути промовлене, записане або зображене. Арт-книга, в даному випадку, наче концентроване знання, поєднання слова і образу, що містить головні послання письменника. В ідеї Богдана Пилипушка добре видно, що при відсутності цілого тексту першоджерела до читача /глядача можна донести згусток інформації. Одним із головних графічних образів є мурована вежа, яка із символу безпеки і захисту, перетворюється на споруду-в’язницю, що пригнічує. Цеглинками цієї вежі стають всі, хто сприймає диктат, кожен, хто готовий миритися із насиллям і відсутністю свободи, а цементуючим розчином – облудна ідеологія. Так тема тоталітарного поневолення переростає у тему власної відповідальності індивіда, його усвідомленого вибору.

На відміну від Б.Пилипушка, Олександра Сиса не є професійним графіком: за освітою вона журналіст, за покликанням – публіцист, що володіє і вербальними і візуальними засобами. Видається, що для Олександри, як і для Богдана, графічна спадщина минулого стає претекстом для глобальних алюзій на сучасність: так вона обігрує одну із загадкових дюрерівських тем «Melencolia». А її графічні композиції на тему «Жінки Біблії» переповнені складним плетивом ліній і смислів.

Богдан і Олександра – уродженці міста Суми, вільні молоді люди з покоління, що зростало на не демонтованих руїнах тоталітаризму. Не знищений у зовнішньому оточенні, лише пригашений у пам’яті більшості з громадян, тоталітаризм показав свою криваву суть взимку 2014. Але усвідомлення того, як покоління 90-х «розправляється» з цією сторінкою нашого минулого дає надію на майбутнє.

Творчість цих двох молодих людей, глибина їх рефлексій є безперечним підтвердженням потенціалу українського культурного простору: народжені в Сумах – формувалися для свідомого творчого життя у Львові – вони, здається, увібрали чимало з європейської культури, зберігаючи власну індивідуальність.

Спектр творчих орієнтирів Богдана Пилипушка широкий – від Альбрехта Дюрера до Мауріца К. Ешера, від Ієроніма Босха до Олександра Аксініна. Окрім концептуального підходу до тематики своїх творів, Богдан Пилипушко дуже професійно опанував основи графічного ремесла в техніці офорту.

Серія графічних робіт Олександри опирається на різні смислові пласти: від Біблії до літературних творів У. Еко. Художниця не боїться експериментувати з формою, з образами, не боїться виглядати наївною. Попри свій молодий вік, Богдан Пилипушко і Олександра Сиса мають досвід участі у численних українських і міжнародних виставках графіки, в резонансних арт-проектах.

Характеризувати творчість Богдана і Олександри неможливо поза характеристикою особистісною. Здається, найдоцільніше цю характеристику зробити найближчою до мистецтва графіки, яке їх надихає.

Як графіка є мистецтвом акцентів і контрастів, так можна кількома короткими глибокими штрихами окреслити творчі портрети Олександри і Богдана. Отже, вони:

• вільні – у життєвій позиції творчої й особистої свободи

• сильні – в наполегливості реалізації задумів

• глибокі – у своїх поглядах і переконаннях

• свідомі – свого покликання у тому, що виносять на суд публіки,

• а також чесні – з собою і з глядачем

4 сентября  в 16.00 в Национальном музее Тараса Шевченко состоится открытие выставки Артема Королько.

Выставка «Слова+Почуття» уже экспонировалась ранее в городе Сумы, где художник проживает на данный момент.

Вот цитата из отчета об этой выставке: «Все картины написаны в жанре абстракционизма. А далее,  полностью следуя  названию выставки, зритель включается в творческую игру. Сначала   он смотрит  на картину и  в нём обязательно возникает  некое чувство, потому что  картины действительно энергетически сильные сами по себе и явно содержат зашифрованную  эмоцию. А потом зритель читает  авторское название работы и удивляется совпадению или не совпадению ощущений.   Таким образом, возникает    интерактивный  контакт   и даже дискуссия   с участием  произведения и зрителя…»

Открытие: 4 сентября 2014

Место: Национальный музей Тараса Шевченко (г. Киев ул. Шевченко,12)

Начало: 16.00

Виставка продлится до 21 сентября включительно.

Картины Анастасии Мартыненко

В Сумской городской  галерее 1 июля открылась выставка  «Первое вдохновение». 

Неизвестно,   имеется ли какой-то  тайный  смысл между датой и названием  экспозиции. Но сама по себе она  неожиданно оказалась достаточно  интересным событием. Во-первых,  это касается   возрастного диапазона участников: от 15  до 30 лет с лишним лет —    к каждому из нас  первое   вдохновение приходит в своё время жизни. Во–вторых, на выставке представлен  такой же широкий  диапазон тем, стилей и жанров: от реализма до  абстракции и  фэнтэзи.

 И вот с этого момента  как раз становится интересно. Начнём с абстракций. На выставке сразу привлекают внимание  работы  Анастасии Мартыненко. Кроме того, что они  в красивых  рамках, они ещё  похожи на зашифрованные письмена. В них много  неких символов, которые хотелось  бы расколдовать. Но автор оказалась человеком занятым  и поговорить с ней нам не удалось. А жаль.  Визуальное искусство, особенно символическое  надо  объяснять словами. Не зря же в музеях существует такая профессия как экскурсовод.  

Зато нам посчастливилось пообщаться с двумя яркими представителями реализма: Светланой Качуровской,  с 2010 по 2013 год посещавшей  студию Бориса Данченко  и  Иваном Огиенко, пятнадцатилетним художником (сразу вспомнился капитан шхуны «Пилигрим» в романе Жюль Верна), учащимся  Сумской областной гимназии для  одарённых детей, занимающимся  в студии  изобразительного искусства   при детско-юношеском клубе  «Промінь».

 Светлана запомнилась  своим искренним выступлением  на открытии, завершившимся пожеланием всем вдохновения, то есть того счастливого для любого  творца состояния, когда мир   раскрывает художнику свои тайны и  нужно только  выбирать, какую из них   перенести на полотно в этот раз, а какую — чуть позже. И  картины  Светланы Качуровской понравились, особенно те,  на которых  такое реальное и живое  Азовское море. Точнее,  не  совсем реальное, а чуть лучше, чем на самом деле…

 Вообще,  Светлана показалась человеком, идеально соответствующим своему имени.   К тому же у  неё  хорошие друзья.  На  открытии выставки мы  встретили Василия Клименко,  заглянувшего  туда как раз по приглашению Светланы.

А Иван Огиенко  удивил своей, не по возрасту глубокой, живописью. Прежде всего,  она привлекает исходящей от неё энергетикой, что  является   очевидным  признаком таланта. Второе —   своеобразное видение классических  городских и сельских пейзажей, практически на всех работах. А третье – мастерство  юного мастера  —  это  уже живопись по большому счёту и судить её можно по-взрослому.

Ровесники, вернее ровесницы Ивана,  на этой экспозиции  в основном выставили  рисунки  неких   сказочных  миров, населённых монстриками из современных детских книжек, компьютерных игр и мультиков. А у Ивана  —  интеллектуальный  поэтизированный реализм. Мы спросили  художника,  почему на его  картинах  практически нет, людей или они  только  обозначены. Иван ответил, что пока не готов рисовать людей. По его словам, это более тонкая работа и он к этому только идёт.

Работы Ивана Огиенко

 В общем,  глядя на работы  Ивана, мы подули, что в Сумах растёт большой художник.  Ну,  если всё будет нормально,  конечно. И с хронологией творения его  художественного мира  тоже.  

Выставка «Первое  вдохновения»  проводится  Сумской городской галереей в рамках  программы «Знакомство» и  продлится до  20 июля.

17 выпускников защищали свои дипломные работы  перед  экзаменационной комиссией. Все было серьёзно и торжественно.  Студенты рассказывали о работах, комментируя идею и процесс  её воплощения.  Преподаватели, в свою очередь,.представляли присутствующим  своих  талантливых  учеников.

Получив дипломы,  выпускники разошлись, а выставка их дипломных проектов и других работ их авторства осталась в галерее до 29 июня.  Надеемся, что они не  затеряются в  буднях и мы вскоре услышим о персональных проектах каждого.

На Сумщине прошёл IVмеждународный художественный пленэр, организованный   Украинской академией банковского дела.

 Все пленэры этого цикла проходят по следующей схеме. В  гости к сумчанам по приглашению УАБД приезжают художники из  разных областей Украины и Польши. Они пишут картины с чудесными видами и пейзажами нашего края и дарят по одной или несколько работ в художественный фонд банковской академии. В 2016 году будет отмечаться 20- летие вуза. К этому дню будет приурочена выставка по результатам всех международных пленэров и тогда сумчане точно получат возможность удивиться и восхититься красоте родного края, уведенной глазами его гостей и хозяев.

В этом году в пленэре принимали участие: Леонтий Гринюк  (Винница), Василий  Мирошниченко (Днепропетровск),  Алина Славгородская (Запорожье),  Игорь Василевский  и Иван Гапоченко (Сумы),  Юзеф Шуба (Гливице). Польский художник, правда, участвовал  в событии заочно, точнее, виртуально, передав свои работы через интернет.

Зато украинские живописцы поработали славно и плодотворно. Результаты их трудов были представлены 4 июня группе счастливчиков известным сумским искусствоведом Сергеем Побжием в галерее «Академическая».

Приятно удивило разнообразие творческих почерков мастеров кисти. Все картины отличаются индивидуальной манерой письма и неповторимым авторским восприятием мира. Зато объединяются все несомненным мастерством художников. Очень понравилась работа Алины Славгородской  «Усадьба Линтварёвых» — романтичная, наполненная пространством.  Как всегда радовали взор картины сумчанина Игоря Василевского с его характерными  баритональными тонами…

 Картины ещё не высохли, некоторые были дописаны только что, поэтому они даже не висели на стенах, а были расставлены вдоль.

Один из творческих гостей во время своей речи на открытии этого импровизированного вернисажа сказал, что в Сумы следовало бы приехать только из-за уникального собрания художественного музея.  Да, художественный музей — гордость города, туда в первую голову  ведут гостей областного центра. Ему бы ещё  выставочных площадей добавить…

И, конечно, все удивлялись чудесному разнообразию сумских пейзажей. Нам, живущим среди  привычной глазу красоты, иногда кажется, что так и должно быть. А на самом деле это такая редкость и чудо  — сравнительно большой, но компактно расположенный город с живописной и достаточно чистой речкой, текущей через центр, и своеобразной архитектурой в исторической части города.  

А музеи какие! При хорошем хозяине тут мог бы быть наплыв туристов. Но вот пока  с хозяином не складывается при независимости. Хорошо хоть  губернаторы предыдущие художественный музей не разграбили…

Зато  у нас есть банковская академия. И в 2016 году там пройдёт уникальная выставка работ лучших художников со всей Украины и даже Польши. И туда тоже надо будет обязательно туристов сводить.

  Во вторник 30  июня в Сумской городской галерее открылась выставка  работ студентов и преподавателей Национальной академии изобразительного искусства и архитектуры «Академия».

Украинская академия искусств была создана  18 декабря 1917 года и сегодня считается вузом европейского уровня. Одним из её основателей  и первым её ректором был  наш земляк,  выходец из Глуховского района   Георгий Нарбут.  И сегодня в  «Академии» преподают  уроженцы Сумщины. Однако такой визит работ  академиков в наш город – первый.

На выставке представлены работы,  выполненные в разных техниках: энкаустика  (древнее искусство живописи горячим воском), линогравюра (гравирование на линолеуме), офорт (гравирование на металлической доске при помощи травления кислотами),  сухая игла (техника гравирования на металле, не использующая травление, а основанная на процарапывании острием твёрдой иглы штрихов на поверхности металлической доски), акварель,  гравюра на дереве. Также есть работы,  написанные маслом на  холсте и на картоне и изделия из песка,  гипса и бронзы.

    На экспозиции   есть  на что посмотреть. Правда,  немного сбивает  разнообразие стилей. Глаза разбегаются  и не сразу  находишь,  что тебе ближе всего. Поэтому   посетителю нужно не торопиться,  оглядеться,  пообщаться  с  работами и потом  они  постепенно  начнут открываться. А открываться  на выставке есть чему.

    Мы не будем никого выделять персонально, хотя присутствующие  на открытии студенты «Академии» в один голос обратили внимание публики на  пейзажи  студента VI курса Богдана Макаренко.

 В целом выставка так и презентована, как выставка-знакомство. Вероятно,  через некоторое время,  мы увидим в Сумах  персональные выставки некоторых участников сегодняшней презентации.

 Открытие выставки запомнилось ещё и прекрасным выступлением  ансамбля скрипачей Сумского   училища  искусств и культуры им. Бортнянского (тоже, кстати,  глуховчанина)  под руководством  Татьяны Подъячевой. Преподаватель-музыкант играла со своими студентами в окружении  работ преподавателей и студентов художников. Это  было  впечатляюще и символично.

  Выставка продлится до  22  июня. 

В другом зале Сумской городской галереи еще 2 недели демонстрируется выставка художника  Артёма Королько  «Слова + Чувства».

Событие состояло из открытия выставки Даши и мастер-класса, во время которого оба художника прямо на глазах публики  написали по одной  картине.

Дарья Безкостая родилась в 1996 году.  Инвалид-колясочник  с детства. Рисует ногами. Причём рисует так здорово,  что её картины и она сама известны  не только  в Украине.  Даша  — победитель акции «Гордість  країни 2012»,  где. к слову, она получила подарки от будущего президента Украины Петра Порошенко.  После церемонии  награждения победителей был проведён аукцион,  на  котором продавали две  её картины. Полученные деньги пошли на лечение двухлетнего мальчика с тяжелым поражением кишечника.

Борис  Егиазарян родился в 1956 году. Армянский украинский художник, по сильной и  яркой армянской живописи которого прошлась бархатная  украинская нежность — такими  словами, сказанными в адрес Сергея Параджанова, он  характеризует и своё творчество.

Вот что он рассказывает о себе  и символике своих картин  в интервью   украинскому гуманитарному издательству  «Дух і літера»:

«Моим учителем и другом был тогда известный армянский архитектор и проповедник; однажды он взял меня с собой в резиденцию Католикоса всех армян. Я был ещё мальчиком, учился в 9 или 10 классе, и, кстати, только тогда начал рисовать. И вот в Эчмиадзине, в «Католикосских садах», я впервые увидел сад цветущих гранатовых деревьев. Это было потрясающее впечатление, увиденное меня потрясло, это было то, что я называю в творчестве «радостью узнавания», что до сих пор меня питает как художника. Вот откуда мой гранат. Он, и все остальные истоки моего творчества – все очень чистые: это не только гранаты, но и горы, камни, небо, горные реки, рыбы (которых я ловил своими руками; я считался лучшим ловцом рыбы у нас в горах). Я просто восхищаюсь мирозданием. Я пишу так, потому что так живу».

Борис Егиазарян очень тепло отзывается о творчестве Даши Безкостой. «Боль, которую испытывает талантливый человек, превращается  в нём в любовь, чтобы быть  отпущенной в небо. И тогда  она возвращается  оттуда  вдохновением для творца».  Примерно  так он описывает свои ощущения  истоков творчества  юной художницы.

Борис Егиазарян специально приехал на открытие выставки Даши из Киева, не планируя выставлять свои работы в Сумах. Но уже на открытии выяснилось, что  Даша не просто проводит очередную выставку, а имеет определённую  благотворительную цель.

В галерее «Наша» выставлена  для продажи  одна из её работ. Вырученные средства пойдут на  операцию для очень достойной  девушки —  Анны Руденко, которая  волей обстоятельств оказалась прикованной к инвалидной коляске.

Вот группы  Анны в контакте https://vk.com/pomogi_ganne

и фейсбуке https://www.facebook.com/pomogi.ganne?ref=hl

Узнав об этой  инициативе  Даши, тут же  на открытии Борис Егиазарян принял решение  выставить на  благотворительную продажу одну из своих картин.  Картины у него, надо  сказать, великолепные. Сумчане имели возможность в этом убедиться на его прошлогодней персональной выставке в галерее «Наша».

А затем начался мастер-класс,  который представлял собой сеанс одновременного рисования в исполнении Даши Безкостой и  Бориса Егиазаряна.  Две  получившиеся в результате  картины  тоже выставлены на продажу  для благотворительной помощи  Анне Руденко. Все они находятся  в галерее «Наша». Стартовая стоимость  работ – от $1000.  Более конкретные вопросы, касающиеся покупки  картин,  нужно обсуждать непосредственно с  куратором  галереи Вадимом Дубоделовым.

Результат мастер — класса. Картина Даши Безкостой

Результат мастер-класса. Картина Бориса Егиазаряна

  В Сумах  всё больше развивается  визуальное искусство. Развивается в сторону разнообразия форм и жанров. Одним из мест, где можно увидеть  необычные творческие проекты, созданные мастерами  нового направления,  является   галерея актуального искусства «Академ

 Можно утверждать, что чем дальше, тем больше галерея обретает индивидуальность,  всё более отличаясь от других творческих мест  в Сумах. Единственным недостатком выставочной политики  галереи  является то, что  события  там  практически не длятся во времени.  Самое интересное происходит на открытии. Тогда  работает вся техника, задействованная в  инсталляциях. А в остальные дни нужно   давать заявки куратору  галереи на коллективные организованные  посещения-экскурсии. Или следить  за анонсами новых событий, чтобы попадать на открытия.   

 В  пятницу, 30 мая куратор  галереи  «АкадемArt» Римма Миленкова представила публике  выставку работ  молодого автора Виталия  Кохана.

  Виталий  закончил Сумское  училище  искусств и культуры имени Бортнянского, затем харьковскую Академию  дизайна и искусств. После  одной из выставок  получил приглашение  пожить в Резиденции художников в Словакии, где два месяца работал и общался с художниками со всего мира, удивляясь тому,  как,  например,  могут быть похожи  по мышлению  такие разные внешне украинец и японка.

 Работы  Виталия Кохана – классический пример  синтетического визуального искусства.  Разглядывая их, в какой-то момент осознаешь,  что  с уважением думаешь  не только о том, что изображено, но и как это сделано. Это уже не  классическая живопись —  холст и масло. Тут намешано несколько материалов, использованы приёмы  коллажирования и    компьютерной обработки.

Центральные места на выставке  занимают  две видеоинсталляции —  рука, из которой сыплется песок, символизируя время и  живой натюрморт с движущимися, периодически исчезающими и появляющимися  предметами на нём.  В результате, перед созерцающим зрителем  возникает видеоперформанс, одним из смыслов которого является  напоминание о том,  что самое интересное и важное появляется перед нами тогда, когда мы,  устав от долгого ожидания,  отвлекаемся и отводим взгляд.

 Как  мы  поняли,   синтетическое визуальное искусство, которое пропагандирует галерея «АкадемArt»  — следствие технического прогресса. Молодые художники  сегодня,  пользуясь новыми техническими средствами, уходят в синтез,  в  смешение различных изобразительных средств, и именно так  находят новые формы выражения   извечных смыслов,   извлечением которых из глубин  мироздания и  занимается  искусство  со времён  наскальных рисунков.

 В целом экспозиция производит самое   важное  для подобного события впечатление — у зрителя есть ощущение,  что  он такого прежде не видел и сейчас знакомится с   новым для себя, интересным и необычным творческим миром молодого талантливого художника Виталия Кохана.  

В пятницу 30 мая в Сумской городской галерее открылась выставка  художника  Артёма Королько  «Слова + Чувства».

Артём Королько родился в 1982 году в Полтаве. Закончил СНАУ по   специальности «Административный менеджмент».  С 2006 года работает в сфере строительства.

Вышеприведённая   информация интересна ещё и тем, что,   при всем списке  таких приземлённых    профессиональных интересов,   художник  Артём Королько  замечательный и, выражаясь на эстетском сленге, полётный.

 У его  живописи есть крылья, что становится очевидным с первого взгляда   на экспозицию.   Но  это ещё не последнее впечатление. Все картины написаны в жанре абстракционизма. И каждая подписана.  А далее,  полностью следуя  названию выставки, зритель включается в творческую игру. Сначала   он смотрит  на картину и  в нём обязательно возникает  некое чувство, потому что  картины действительно энергетически сильные сами по себе и явно содержат зашифрованную  эмоцию. А потом зритель читает  авторское название работы и удивляется совпадению или не совпадению ощущений.   Таким образом, возникает    интерактивный  контакт   и даже дискуссия   с участием  произведения и зрителя.  В литературе нечто похожее делал Милорад Павич.

 По словам  Артёма Королько, в сегодняшнем обществе потребления  и тотальной материализации люди  стали частями предметов или даже  просто предметами.   Внутренний мир человек никому не интересен.  С автором  трудно не согласиться.

 Выставка  производит  впечатление   если не протеста против такого порядка вещей, то,  по крайней мере, ещё одного  способа обратить внимание на  сложившиеся расклады. Ведь вещи не только красивы, но и коварны.  Обладание престижными  вещами  меняетотношение к  нам окружающих, и в итоге  может дезинформировать нас до такой степени, что  человек начинает  считать свои недостатки  достоинствами, а грехи – благодеяниями.    А далее получается как на картинах экспозиции —  окружающие видят  одно, а на подписи  — другое. 

Тут сразу вспомнился бывший хозяин  пресловутого золотого унитаза,  бьющий поклоны в храме. Он  же,  вероятно,  искренне считал свои грехи добрыми делами… 

 И хотя  это,  конечно, совсем клинический случай, но подобное  может случиться с каждым из нас. Человек слаб и легко поддаётся соблазну. Ему всё время надо напоминать   где добро, а где зло. И в этом наш общечеловеческий братский долг.  Нам нужно  быть зеркалами  друг  для друга. И желательно – не кривыми.  

В итоге,   посетитель на выставке  получает   два впечатления. Для ума —  потому что играет с автором  в игру  «угадай название»  и  размышляет над  совпадениями   или несовпадениями извлечённых и заложенных смыслов. И для чувств,  потому что каждая  картина,  как бы она ни называлась,  вызывает в зрителе эмоциональный отклик. 

 Давно  не приходилось встречаться  с таким  неожиданным  способом выражения мысли —  через абстракцию.  Впечатления от увиденного  самые позитивные и свежие.

 Выставка продлится до 18 июня.  Советуем её посетить всем любителям искусства.  

В  сумском областном художественном музее им. Н.Онацкого открылась выставка «Природ

Поводом стало несколько событий. Во-первых, продолжается празднование 100-летия первой художественной выставки в Сумах. Во-вторых, в  воскресенье 18 мая весь мир отмечает День музеев. В этот день во многих музеях открывают выставки, новые экспозиции, музейные работники проводят лекции и экскурсии. 

 Благодаря совпадению двух таких значимых  причин, в сумском художественном музее организована экспозиция картин из фондов музея. Её составили работы художников конца XIX начала XX века. Большинство из этих работ является частью собрания известного коллекционера Оскара Гансена. Немалый вклад в пополнение фондов музея внёс и его основатель —  художник и, как бы сейчас сказали, арт-менеджер топ уровня Никанор Онацкий.

 На выставке  зрители могут увидеть  автопортрет 35-летнего Никанора Онацкого  и  чудесный  натюрморт «Сирень» его же авторства.  К слову,  Онацкий был человеком очень скромным. Хотя сам являлся прекрасным художником, но в созданном им музее его работ при жизни не было.

Редакция АТС, вследствие своих профессиональных  интересов, посещает большое количество разнообразных художественных выставок. Но эта показалась нам одной из самых  ярких.  Практически каждая работа радует взгляд и подымает в душе тёплую волну личных ассоциаций и откликов. 

Описывать картины — дело искусствоведов. А мы, отметив, что получили огромное эстетическое удовольствие от посещения выставки, поговорим вот чём.

Одним из центральных полотен экспозиции является  «Парк в Нескучном».  Автор работы — Иван Шультце. Картина с видом на один из прудов, расположенных в знаменитом тростянецком дендропарке прекрасна изображением живого солнечного света. Хотя самого солнца нет, но его присутствие ощущается буквально физически — на траве, на ветвях, стволах и листве деревьев.

Мы впервые услышали имя этого художника и поинтересовались примерной стоимостью его картины. Ну так, теоретически, если бы её выставили на аукцион. На что сотрудники музея ответили,  что такой экспертизой они специально не занимались, потому что для  них картины, принадлежащие музейному собранию, бесценны. Но если  рассуждать  теоретически, то Шультце —  не такой известный художник,  как выставленные на этой же выставке Иван Айвазовский,  Пётр Левченко или Абрам Маневич. Так что вряд ли его работы стоят сегодня  слишком дорого, в отличие от вышеназванных авторов. И тут нам стало интересно  разобраться в стоимости всей экспозиции.

Вот, например,  что говорит о сегодняшней цене картин Маневича  известный украинский бизнесмен, меценат и коллекционер произведений современного искусства Геннадий Корбан: «… есть работы, которые покупались  в 1998 году, а сегодня они выросли. Допустим, речь идет о работах Абрама Маневича. Когда-то я купил одну из его работ за $3,5 тысяч. Сегодня же эта работа будет стоить минимум $40 тысяч. Картину Айвазовского тоже когда-то давно мне удалось купить всего за $5 тысяч, а сейчас она может стоить минимум $60-70 тысяч».

 Мы поинтересовались, сколько нынче дают за  картины Петра Левченко, тоже участника обсуждаемой нами выставки. Оказалось, что на аукционе «КорНерс» (www.korners.kiev.ua)   картины этого художника доходят в стартовой цене  до $90 000.

А что же так очаровавший  нас  Шультце? Для начала мы ознакомились с его биографией и выяснили следующие факты о «скромном» участнике нынешней экспозиции в сумском художественном музее:

«Иван Фёдорович Шультце — выдающийся русский живописец, пейзажист. Художественное образование получил в Санкт-Петербурге. С 1920 года жил во Франции, работал также в Англии и США. Принимал участие в салоне Французских художников (1923 – 1924), провёл персональные выставки в Париже (1922, 1923), Лондоне (1927), Нью-Йорке (1928, 1931) и Чикаго. Мастер лирического пейзажа, прославился умением тонко передать солнечный и лунный свет. Работы художника хранятся в музеях Москвы (Государственная Третьяковская галерея), Санкт-Петербурга (Государственный Русский музей) и многих других.  London Times в статье о художнике обобщила эстетические достижения живописца, сказав: «Надо увидеть, чтобы поверить»»

Относительно же стоимость его полотен, то лотом 4 на русском аукционе в Нью-Йорке 22 апреля 2009 года был  Иван Шультце за $54 тыс.

 С живописью вообще удивительные вещи творятся. Музыка и поэзия  – для всех. А картиной,  принадлежащей кисти  «раскрученного» автора, можно владеть индивидуально, то есть сделать её своей вещью. И тогда это тонкое эстетическое творение вдруг становится предметом роскоши. Таким же, как дорогой автомобиль, бриллиант или красивая женщина, обладание которыми престижно и как бы пропускает в круг избранных. Отсюда непрерывный рост цен на  полотна талантливых живописцев.

 И тут мы мысленно представили общую многомиллионную стоимость фондов сумского художественного музея. Фондов, которые хранятся в запасниках и годами не выставляются по причине отсутствия экспозиционных площадей. Фондов, от коих нынешняя выставка является лишь малой долей. 

Представляете, какие народные сокровища хранятся в музее и лишь изредка, да и то не все, показываются народу!  И тут мы поняли, почему на открытии каждой выставки сотрудники музея говорят об увеличении экспозиционных  площадей  музея. Это (я сейчас исключительно  о  денежной стоимости, а не эстетической) на языке людей, которые  «решают вопросы», то  же самое, что собрать коллекцию роскошных автомобилей и хранить её в чехлах в подвале без доступа для обозрения, выставляя во двор по одному. Можно, конечно, и так. Но как-то это неправильно. 

Чтобы не заканчивать наш возвышенный разговор на материальном, процитируем отрывок из пресс-релиза к выставке:

 «Экспонируемые произведения (всего около тридцати) отражают высокое мастерство авторов, имена которых вошли в золотой фонд изобразительного искусства, подчёркивают общий уровень искусства того времени и безусловную ценность музейного собрания».   

Мы познакомились с художницей Надеждой Белокур  на выставке её ультрафиолетовых картин в «Свободной художественной мастерской». И   нам как-то сразу  стало интересно в   создаваемых её реальностях. А они возникают не только на картинах. Надежда ещё  создаёт  кукол, которыми населяет  открытую ею  планету УФ,  придумывает разнообразные  перформансы и инсталляции.  Но познакомила нас  живопись. С  неё и начнём.

 —  Как получилось, что ты стала  именно художником?

 — Для себя я решила, что буду художником,   когда мне было  лет 13. У меня всегда возникали некие символические образы, посредством которых  хотелось выразить мысль, и было желание вытащить их наружу, чтобы  поделится с теми, кому они могли бы быть близки и понятны. Стать художником —  именно то,  что  явилось решением этой задачи. Я пошла в художественную школу,  а далее —  в училище  и университет, чтобы овладеть знаниями и умениями,  с помощью  которых я могла бы выразить то, что живёт в моей голове.  Сейчас, уже получив необходимые знания, я иду своим путём.

 —    Расскажи об обстановке  своего детства

 — Родители — самые обычные люди. Нормальная полноценная семья, все социально стабильные, рабочие. Я  единственный ребёнок в семье, никогда не хотела братиков-сестричек, поскольку чувствовала себя самодостаточной и прекрасно проводила время наедине с собой. 

Да, родители обычные, но обычные они только на первый взгляд. Несмотря на советское воспитание, они у меня «страшные» демократы, мне всегда было позволено все, с примечанием «под личную ответственность» — то есть, делай все что хочешь, но думай о последствиях, тебе ведь с ними жить.

Я, в свою очередь, думала и проблем не создавала, разве что, по мелочи, но, пожалуй, меньше других, плюс, у папы глубоко философский подход к жизни. Собственно, у него я научилась принимать жизнь, верить в недоказуемое, фантазировать, ну и делать все «по-Белокуровски» — извлекать максимальную пользу из имеющегося ресурса. Он умеет из ничего сделать полезное, а мама человек с неординарным и смелым вкусом — шила и вязала самые необычные вещи, поддерживала меня во всех моих дизайнерских порывах, так что стиль у меня от неё. 

Много времени проводила в деревне, у дедушки с бабушкой. Пока дедушка был жив, он рассказывал мне о духах леса — как не бояться зверей, какие травы от чего помогут, где, как и когда их нужно собирать. Я уже не всё помню, но что-то во мне осталось. Дедушка был интересный человек, я в детстве думала, что он индеец, внешность у него была такая. Ещё он все время сушил и курил табак. До сих пор помню запахи летней кухни… Мама тоже на него похожа, кстати, мои куклы именно их типаж — нос, скулы…

Друзья у меня в детстве были, но я очень много времени проводила сама с собой, занималась тем же, чем и сейчас — рисовала, что-то изобретала, придумывала костюмы для кукол. Собственно, для этого только они мне и были нужны. В дочки-матери не играла, просто без конца их переодевала, шила из лоскутков всякие костюмчики и прочее, особенно зимой. Зимой меня до сих пор на улицу не вытолкать.

Лет в 11 мне выдала завуч бумажку, с разрешением ходить в школу в любом внешнем виде, меня просто дежурные по коридорам постоянно на уроки не пускали — то я в шапке по школе, как нормальный рэпер, то в штанах разрисованных…А завуч рисование и черчение преподавала, знала меня хорошо и поддерживала. То есть, странно одеваться я не начинала, у меня это врождённое, причём мне казалось, что я нормально выгляжу, ну приблизительно как все. 

В целом, я могу сказать, что была ребёнком очень (возможно,  местами, слишком) раннего развития. В подростковом возрасте была склонна к депрессиям и самокопанию. Всё это сопровождалось неистовым любопытством ко всему необъяснённому, непонятному, таинственному и нестандартному, выходящему за рамки общепринятого. 

В итоге, пройдя через все субкультуры, пришла к собственному стилю одежды, мировоззрения и творчества. Ну вот как-то так я и стала собой, хотя мне кажется, что скорее, смогла остаться собой, потому что меня не ломали, а наоборот, культивировали родители. 

— Какие книги в детстве читала?

 — Читать начала поздно.  В 10 лет прочла свою первую книгу «Мастер и Маргарита». Не удивляйтесь, такие у меня были интересы, я всегда была склонна ко всякого рода мистике.  А вот в раннем детстве мне много читали родители и любимой книгой была «Библия». Мне очень притчи нравились, я заставляла несколько раз мне перечитывать.

На сегодняшний день я, кстати,  человек не религиозный, но верящий в Бога (хотя я Его так не называю). Для меня это единство сознаний, деяний и умыслов, скажем так. Ну а после Булгакова была уйма фантастики, мистики, позже —  эзотерики, психологии, сонников, каких-то философий, самых разных религий, мифологии. Иными словами,  всё,  что могло оторвать от реальности и помочь найти ответы на  не по возрасту  беспокоящие меня вопросы  —  откуда мы, куда идём, что за пределами планеты, реальности, жизни и прочее. 

Это, кстати, всё до 16-17 лет, потому что в 16 я познакомилась с Пауло Коэльо и начала перечитывать всё,  что он писал. А далее —  Ричард Бах, Чак Паланик, Виктор Пелевин и другие современники втащили меня в мир современной литературы.  Пелевин по сей день мой фаворит. В общем, я не прочла ни одного классика, зато мыслителей и фантазёров не пропускала мимо.

 — А музыка?

  —  Ну, понятное дело, всё,  что можно назвать андерграундом, во всех смыслах и временах. Музыка,  которую я слушала в тот или иной период определяла мой внешний вид.

  — Какие у тебя отношения с классикой?

 — Я  рассматриваю классику как один из этапов развития культуры. Были первобытные проявления человеческого творчества, был религиозный и культовый символизм…   Для меня классика не важнее модерна (в широком смысле)  или примитивного искусства, или,  тем более,  символизма всех народов мира.  Это всё —  этапы пути к становлению современного арта,  и отрицать их бессмысленно.

Современное искусство встанет в этот ряд в своё время, и тоже будет этапом для нового витка. Лично для меня классика мало интересна, она меня не вдохновляет. Импрессионизм и все что позже задевают и вдохновляют, классика просто не моё, приторно для меня…

— Что ты нового узнала о мире  с тех пор, как стала серьёзно заниматься   живописью?

 — Честно говоря, затрудняюсь  ответить, скорее всего,  я открыла  или утвердилась в том, что все ответы есть в каждом из нас, внутри, и научилась вовремя спрашивать саму себя. Мне скучно находить ответы в чужих трудах, интересней отвечать самой. Получается так, что мой интроверт победил. Можно подумать,  что это самонадеянность, но мне просто так интересней —  самой доходить до всего, потому что другие для себя уже ответили и  теперь моя очередь ответить для себя.

Я последнее время отслеживаю новейшие научные разработки,  интересуюсь новыми изобретениями, открытиями в разделе астрологии, возникновения и развития мира, генетики, роботостроения, нанотехнологий .  А что касается философии жизни, живу согласно внутренним порывам, не вредящим окружающим, спрашиваю и отвечаю, живу по принципу «Главное  — что бы интересно…»

 —  Расскажи о проекте  «Свободная художественная мастерская» —   как возникла идея, какие цели, планы, мечты  …

— Идея свободного художественного пространства во мне возникла в 2012 году, когда я сделала первый УФ-проект  — «Выставка УФ» в Сумах, на альтернативной территории летней эстрады в парке им. Кожедуба. Я вдруг осознала,  насколько нашему городу не хватает независимой площадки с максимальными  возможностями для реализации  любых арт-проектов. Придумала для себя как это должно бы выглядеть и название, но для первого серьёзного шага понадобилось полтора года. Все это время я не столько искала, сколько, скорее, ждала подходящее помещение,  так как верю,  что всему своё время. 

И оно само ко мне пришло, именно тогда, когда я была к этому готова, наработала некий опыт в самостоятельной организации авторских проектов на нестандартных площадках. Мне встретился пост Андрея Бойко о том,  что он ищет напарника для съёма помещения, мы познакомились с ним вот как раз в этом помещении. Все произошло очень быстро —  списались, созвонились, встретились и сошлись в общих целях.  Так и появилась «Свободная художественная мастерская». Это название, кстати, Андрей предложил.

Идей развития этого пространства уйма, хотелось бы задействовать  площадку на улице,  модернизировать внутри, пополнять декорации… К сожалению, это не так просто и быстро по материальным причинам. Мы пространство содержим самостоятельно, не зарабатывая на нём, и не отбивая аренды или ремонтов. Была пара платных мероприятий, по просьбе выступающих, но это только  покрывало расходы на звук и переезд.  Хотелось бы многого, а время покажет.

В идеале, я мечтаю о куда большем, каком-нибудь амбарном помещении с возможностью монтажа огромных инсталляций, задействования большого количества авторов, проведения театральных и музыкальных арт-проектов с нереальными декорациями. Иными словами, моя мечта — это независимое огромное пространство для реализации современного искусства в нашем прекрасном городе. Ну и материальные возможности для реализации мечты.

 А физических, человеческих, творческих и интеллектуальных средств у меня и окружающих единомышленников достаточно, теперь я жду, того самого времени, когда оно придёт. 

 —  Несколько слов  о  твоей планете УФ

Боги-прародители планеты Уф

 — Началась планета с богов-прародителей —  это две куклы, головы и руки которых сделаны из одного куска полимерной глины. Они появились спонтанно, как и всё на планете, и делала я их одновременно, то есть начало моего мира равноправно в гендерном смысле. И в целом планете присуща андрогенность. Разделение по половому признаку есть, но очень условное, и порой тяжело понять —  какого же пола существо. Затем появлялись: Носитель планеты, с босыми ногами и теплой рукой, Носительница прекрасного  — его подруга и  Монах, который умеет бегать на руках, быстрее всякого, кто бежит на ногах (это мне,  кстати,  приснилось, когда я его сделала).

У Монаха  на груди ключ, он хранит врата планеты. Улиты — домашние животные  жителей планеты, и люди-верёвочки, дети богов прародителей живущие в городе Буду, позитивно принимающие мир, говорящие — «буду».

Монах, который умеет бегать на руках…

И вот когда все эти куклы появились, и параллельно рождались ультрафиолетовые картины, для меня все сошлось.  Я поняла,  что все это некая планета, что картины и куклы одного духа, образы те же, а откровение случилось во время первой выставки УФ.  Я впервые увидела всю экспозицию вместе и осознала ее смысл. До того я просто писала картины и делала кукол, понимая их индивидуальный смысл, а в целом не задумываясь зачем, просто хотелось.

Улиты — домашние животные жителей планеты УФ

Ну а после первой выставки я активизировалась втрое,  поняла значение и суть всего ранее созданного и начала пополнять недостающие пазлы.  Но все происходило очень произвольно, спонтанно, бессознательно. Вырисовывалась флора,  фауна, духи и символы жизни планеты: ключ — знания, сердце-любовь, спираль-жизнь (все цело), глаз-мужчина (любопытство, получение информации), губы-женщина (осязание), улит-перерождение, андрогенность — это основные.  Есть менее часто встречающиеся, о них нужно говорить по картинам, все эти символы определяют законы жизни на планете, коротко говоря это толерантность, любовь, свобода, ответственность и связь всего со всем.

Планета УФ находится на Земле, то есть это и есть Земля, это смежное измерение, проявляющееся при ультрафиолетовом освещении, и с течением обстоятельств. Себя в этом мире я позиционирую как ключ-проводник, позволяющий землянам посещать планету. На самом деле говорить про УФ можно очень долго, обсуждать каждую картину и куклу, и проникать все глубже в этот мир… 

 — Что в тебе обыкновенного, такого,  где ты себя чувствуешь такой как все?

 — На самом деле,  обычного в моей жизни не много: друзья необыкновенные, близкие-удивительные, каждый день приносит сюрпризы и чудеса…

 Ну может в каком-то бытовом смысле, социальном… Меня приземляют материальные потребности, приходится адаптироваться,… а в остальном — я живу в своём мире, необычном для других, а я к нему уже привыкла.

 —  На что в этом  нашем общем  земном мире ты смотришь и думаешь: » Это хорошо, это мне нравится?»

 — Вот как весна начинается, и до самых морозов — я думаю:  «Это хорошо, это мне нравится», выхожу из дому и удивляюсь каждой клумбе и дереву.  Природа очень вдохновляет.  Хорошо когда люди вокруг  открытые, думающие. Прекрасно, когда вижу развитие современного искусства в родном городе. Нравится когда животные не бездомничают, а чистые и сытые. Люблю когда люди разношерстные собираются и уважают друг-друга.  Хорошо когда все меняется, реализуются самые смелые, самые креативные и неординарные идее и…  В общем, хорошо когда прогресс, а не наоборот

 В пятницу 11 октября редакция АТС  в ряду многих   друзей и почитателей творчества художницы Ирины Проценко  присутствовала  на вручении ей  Почётной грамоты Министерства культуры Украины. Грамоту вручала  начальник  управления культуры и туризма  Сумской областной государственной администрации  Елена Мельник.  Событие происходило там,  где и положено  чествовать художника – в  одном из залов (итальянском, к слову) Сумского   областного художественного  музея

Надо сказать,  что присутствующие, хотя  и были  полностью согласны с формулировкой,   всё же пожелали  дополнить её  теплыми  словами, цветами, стихами и поцелуями, так что,   несмотря  на  официальный повод,  церемония прошла в искренней,   дружеской  и творческой атмосфере –   в той,  которая всегда царит  вокруг  виновницы торжества и без которой она, образно выражаясь, как  соловей без весны.

 Было  сказано много  восхищённых слов.  Но говорящим всё казалось, что их  мало. Ещё бы:  ведь выступающие пытались передать  рациональными  средствами  речевой коммуникации иррациональное  по своей  природе  чувство  восторга  и радости  от соприкосновения  с  жизнью  и творчеством    необычайно одаренного,  талантливого человека. Пользуясь случаем,  поговорим и порадуемся  на эту тему и мы.

 Пожалуй, главным творческим приёмом  Ирины Проценко,  на   наш взгляд,   является строгое, почти пунктуальное следование алгоритму  создания мира,  впервые использованному  Господом  при Сотворении Всего.   Сначала возникает замысел. Затем всё  это  очень красиво, со знанием анатомии и  различных художественных  приёмов,  подчёркивающих выразительность,   переносится  на полотно.  А затем наступает момент,   когда художница неким неуловимым движением вдыхает в эту красоту душу,  и  мир,  возникающий на полотне,  обретает смысл.   Просто?  Да.  Для Ирины Проценко просто. Как птице летать. Вы, к слову, не пробовали?

  Особенно наглядно это видно на портретах из знаменитой серии «Сумчане. Знакомство с продолжением».  Практически все  изображенные   на портретах, написанных быстро, практически «с листа», как говорят музыканты, предстали,   прежде всего,  расколдованными от собственных  комплексов  и  не только  внешне, но  и  внутренне похожими на себя настоящих.  И поэтому – красивыми. 

 А ещё очень импонирует   поэтичность полотен  Иры Проценко.  Они населены людьми и событиями, в каждом   присутствует  некая манящая тайна, фокус,  поворот мышления,  на который  не  просто невольно ловишься,   как эстет на совершенную  фигуру речи,  а за который сознательно цепляешься, как сын Эгея –   за подарок  сестры Астерия.

 Человек, рисующий безлюдные пейзажи, всегда  может ответить непонимающим: а я так вижу.  И всё. И идите себе. Природа  настолько многогранна, что все её ракурсы  уловить невозможно.  А вот  когда  на картине  изображен,  на первый взгляд,  понятный сюжет (конечно, только на первый!) – тут  сложнее.   Тут надо связать   события не только художественными,  но и логическими  тропинками. Именно эта особенность  творчества  Ирины Проценко   открывает  широчайшие  возможности для большого разговора,  ибо  её картина  всегда является прологом  или анонсом некой большой истории, которая при дальнейшем общении с полотном  сама разворачивается,  как парашют во время прыжка, который  ветры  фантазии несут в самые разные и необычные дали.

 В своё время мы даже пробовали  устроить вечер одной картины,   посвященный знаменитому полотну  Ирины Проценко «Я не знала,  что ангелы мёрзнут».  В тот вечер  все выступающие,  глядя на,  казалось бы,  одно  и то же изображение,    рассказывали  различные истории. Вот вам наглядный пример  живых картин. Тоже художница, Римма Миленкова    тогда очень здорово подметила,  что  к этой картине можно вернуться через время и найти её другой, будто там во время нашего отсутствия  происходили какие-то внутренние события. Замечательная мысль! И очень точно характеризующая практически всё творчество Ирины Проценко.

Мы сейчас не будем касаться  «Сада сходящихся тропок» — отдельного сумского культурного  феномена, возродившего  традицию прежних салонов, где превалируют разговоры об искусстве. А потом уже  обо  всём остальном.  Собрание творческих людей там – тоже следствие  существования   соответствующей атмосферы в доме и вокруг Ирины,  подышать которой и  стремятся  многие творцы,  приходя к ней  в гости различными тропками своих,  таких непохожих, жизней.

 А ещё Ирина Проценко – рисковый художник. Очень многие провинциальные мэтры  всю жизнь едут на каком-то хорошо у них  получающемся   стандарте. То есть  эксплуатируют одну фирменную фишку до её полного изнеможения.  У Иры всё не так.  Вот,   например,  её знаменитая картина  «Счастлив, кто падает вниз головой».  Это же,  кроме всего прочего, ещё  и классическая творческая провокация!  Глядя на неё,  наивные сразу находят для себя зацепочку для критики:  мол, картину надо перевернуть  в нормальное положение.  Когда я это  слышу или читаю, особенно в победной такой форме (мол, Вы же, автор, ничего не понимаете  в вопросах верха и низа!), я прихожу   в  состояние  торжества и азарта, как наблюдающий за   мышью,   с фанфарами и  барабанами входящую  в мышеловку с сыром, и поздравляю Иру с успехом.

 Во-первых,   ей удалось  даже совсем простачков приобщить к творческому соавторству. Во-вторых (я  открою сейчас  самую закулисную тайну), когда картину переворачиваешь – я видел – сразу  выясняется,  что  и это тоже   не совсем идеальный  ракурс. Она так сделана, что у неё  отсутствует чёткое разделения  земли и неба.  Некоторые практики,   уверенные, что  одуванчики  растут внизу, считают,  что там,  где одуванчики – там и  низ. А ведь возможен и такой  взгляд,  когда:

Человек, что отражается в реке

(или в луже) с одуванчиком в руке,

вдруг сам себе до обморока

напоминает обликом

Бога погоды с облаком

на поводке…

 Так что  ещё неизвестно, где  на самом деле растут одуванчики. Особенно в мирах, созданных воображением Ирины Проценко… 

В целом хочу сказать, что картина, о которой идёт речь, — трёхмерная,  и в этом её восхитительная  и манящая загадка.  Художнице удалось наполнить её пространством,  а дети на переднем плане – это, кроме всего прочего, ещё и  метафора чистых детских (читай –  настоящих) чувств,  которые переполняют  нас,  когда наш плоский плотский мир на какое-то время становится объемным.  В принципе – в этой картине запечатлён полёт. Мы тут уже в связи с репинскими запорожцами говорили о сложности изображения смеха. А полёт изобразить легко?  Что-то я сомневаюсь…

 Впрочем,    наверное,  картине этой, как  и многим другим,  должны быть посвящены отдельные тексты. О живописи  Ирины Проценко  можно  и интересно  говорить бесконечно долго,  потому что   её творчество –  каждый раз  новое  восхождение на вершину и спор автора с самим собой. Иначе говоря – это именно живопись, то есть – живое письмо…

Замечательно,   что рядом со многими полотнами   на официальном сайте Иры Проценко в качестве иллюстрации размещены  стихи  знакомых поэтов, пытающихся  переложить   гамму, нет – музыку охватывающих их  при взгляде на данную картину  чувств  на свой язык…

 А ещё… Но тут мы, вспомнив одно из выступлений на  церемонии вручения грамоты,  усилием воли прерываем  наши рассуждения до следующего повода.

 И  в качестве завершения и оправдания  вышесказанного  от души   поздравляем  виновницу  торжества с пока скромной  в сравнении с доставшимся  ей Божьим даром   наградой  от государства.   Как мы понимаем – это только первый шаг. Продолжение следует…

В среду, 9 октября,  редакция побывала  на презентации книги известного  знатока и  ценителя живописи,  кандидата   искусствоведения  Сергея Побожия  «Мистецтвознавчі нариси».   Презентация  прошла в литературной гостиной библиотеки банковской академии.  Книга  посвящена Сумщине, которая в ней  предстаёт  краем, вдохновившим целую плеяду  талантливых живописцев на создание  работ, ставших частью экспозиции многих музеев Украины и России.

Мы уже не первый  раз  попадаем на презентации интересных  и нужных  творческих  событий, связанных с банковской  академией.  К счастью, академия   не ограничивает свои функции исключительно  подготовкой  специалистов  по вопросам финансов,  но и создаёт вокруг себя  культурное поле.  Человеческие и материальные ресурсы академии позволяют  содержать и развивать,  например,  «Музей денег», где история края представлена через жизнь денежных знаков.  А  в книге  Сергея Побожия кусочки и фрагменты  истории Сумщины предстают перед нами на   картинах  известных и малоизвестных художников.

Надо сказать, что  на наш  субъективный  взгляд,  в  успехе  того или иного художника  большую роль играет  везение.  По ходу  презентации  автор книги   продемонстрировал   присутствующим   фотографию  картины некоего Бор. Комарова, совсем неизвестного  художника.   Ну,  знаете…Если бы какой-то специалист вдруг объявил, что это  гений  – мы бы ему поверили…

Как всегда,  позволим  себе небольшое лирическое отступление.   Создаётся впечатление, что во всех видах искусств  художники, так сказать, второго плана   на самом деле находятся на  исчезающе малом  расстоянии от гениев.    Тут дистанция  не в школе,  не в более совершенном   владении ремеслом, а  в физиологии, в  каких- то   неуловимых случайных  нюансах устройства человеческих рук, связок,  глаз,  мозгов, душ…

В нас, человеках,  вообще всё решается миллиметрами.  Вот был такой гений Вольфганг Амадей Моцарт. Весил он,  допустим, 75 кг. И творил такую музыку, которой уже третье столетие люди удивляются и восхищаются.    И вот однажды  друг его Антонио Сальери  капнул ему  в бокал миллиграмм яду – одну миллионную от веса гения! – и нету Моцарта….Вот как  мало отделяет нас от смерти.А живого гения от не-гения –  ещё меньше.

Это я к тому, что описание  и вспоминание  жизни талантливых людей – благодарное  и  полезное  занятие.    Многие из них  не стали официальными гениями лишь потому, что не нашлось ещё того продавца, который бы  создал их картинам соответствующее паблисити. Однако их  жизни, их творчество   не прошли бесследно, а стали частью ноосферы,  защищающей нас от вселенского зла, как атмосфера защищает  жизнь на земле  от смертоносных космических лучей.

В книге  Сергея Побожия представлены  знаменитые  Репин,  Серов, Петров-Водкин, Нестеров, менее знаменитый,  но  в последнее время  обретающий всё большее признание харьковский художник,  работавший в  конце XIX начале XX веков, — Пётр Левченко, художница из  Лебедина Юлия Бразоль-Лео́нтьева,  уже упомянутый нами  Бор. Комаров,  сумчанин  Константин Власовский  и много других.

Надо сказать, что у банковской  академии есть ещё одна особенность. Они всё делают фирменно,  и книга,  о которой идёт речь,  издана так же толково и  выглядит настоящей  толстой, умной книгой с  большим количеством иллюстраций, которую приятно взять в руки. Найти её, кстати,  можно будет в библиотеках города и области.

Писались  «Мистецтвознавчі нариси»  с 1996 года,  в  книге есть время,  а значит –   эволюция автора, который, казалось,  был готов рассказывать о ней бесконечно долго. Но не только время. По словам Сергея Побожия, ему пришлось совершить множество  путешествий по области, чтобы точно идентифицировать  места,  изображённые на картинах,  что было  необходимо  для  атрибуции, то есть  установления авторства  некоторых картин.

Как нам  неофициально сообщили в кулуарах специалисты, книга, а  точнее – монография по количеству собранного уникального материала вполне тянет на докторскую.   Это не компиляция,  а личные исследования  автора, поставившего  перед собой  крайне интересную задачу: выделить из творческого наследия  ряда  художников список картин,  которые были написаны на Сумщине.   Картин,  на которых сохранились виды и пейзажи,  то есть пространства  ушедших  времен.  А попутно в книге  рассказывается о судьбах людей, а значит – реконструируется история.

В пятницу 4 октября  в Сумской городской галерее было как никогда празднично. В смысле праздника истинного искусства. Если, войдя  в помещение, повернуть в зал налево, можно попасть на продолжающуюся выставку замечательного фотохудожника  Бориса Иосифовича Шульги.  А если повернуть в зал направо, то попадаешь на открытие коллективной выставки членов Сумской областной организации Национального союза художников Украины. Выставка  является одним из мероприятий, посвящённых приближающемуся Дню художника, который, как известно, празднуется в этом году 13 октября. 

 Выставка представляет собой …  Нет,  давайте лучше представлять и фантазировать будем мы, зрители. Хотя бы потому, что, согласно нашему твёрдому убеждению, любое произведение искусства – это, прежде всего, призыв к сотворчеству, а  потом уже все остальные художественные и околохудожественные моменты.

 Итак, представим себе  прямоугольную комнату, по периметру которой расположены прозрачные двери. Глядя сквозь каждую дверь, видишь необыкновенный  (да, очень точное слово – не — обыкновенный,  то есть другой, отличающийся и от реального, и от соседних, выдуманных) мир художника. И прекрасно понимаешь, что если эту дверь отворить, то в том мире, как за нарисованным очагом в каморке папы Карло, откроется сказочная страна, которую сотворил тот или иной автор. И в глубь каждой из таких волшебных (именно волшебных, то есть возникших чудесным образом, благодаря  Божьему дару) стран можно долго и увлеченно путешествовать. Но, увы, золотого ключика у нас нет, и мы, посетители выставки, пока просто радостно вглядываемся в то, что видим. Ну, и фантазируем, конечно, что могли бы увидеть.

 Надо сказать, что мы сами, как люди творческие, понимаем, что  выставка эта – больше дар сумчанам и гостям областного центра, чем  удовлетворение творческих амбиций авторов. Известно ведь, что  для  художника в одной картине, за редчайшим исключениям, остаётся масса недоговоренностей и ему все время хочется расширить  пространство, на котором располагается его художественный текст.   Иными словами, настоящая презентация творчества художника – это его персональная выставка. А в случае, о котором мы говорим, как раз всё для посетителей. Они имеют возможность удовлетворить своё стремление к поверхностному (в хорошем смысле) разнообразию (потому что глубинное, конечно, имеет место только на персональной выставке одного художника) и обогатиться радостью созерцания большого количества таких непохожих друг на друга творческих миров.

 Обычно, ознакомившись с экспозицией, мы выбираем для более подробного всматривания и погружения одну-две работы. Не  потому, что они самые удачные по неким известным только профессиональным искусствоведам, объективным признакам. Профессиональное восприятие творчества – поле не для нашей игры.  Мы – любители и ценители искусства. И выбираем мы картины  потому, что они  нам просто созвучны по мировосприятию в этот момент времени и в этой точке пространства. Но в данном случае такой выбор было бы делать некорректно.

Хотя одна работа  нас, конечно, удивила, очаровала и позвала за собой больше остальных. Именно рядом с ней  мы и провели львиную долю времени. Но какая – пусть это останется секретом редакции. Тем более что этот выбор  всегда индивидуален, и каждому откроется, каждого удивит и  позовёт к себе его личная лучшая картина этой выставки.