Наглядным примером парадокса является ночная темнота. Теоретически безоблачной ночью должно быть светло как днём даже без Луны – ведь с неба на нас светят миллиарды миллиардов звёзд.

Парадокс в том,что гоголевского чёрта в природе нет, однако он украл Луну, которая в природе есть.

Или представим себе, что к нам прилетают инопланетяне, которые видят и слышат в другом диапазоне частот. Увы, для них не будут существовать ни Бетховен, ни Рембрандт. Хотя и музыка Бетховена, и живопись Рембрандта объективно никуда не денутся. Более того, они будут всегда. В отличие от их творцов.

Парадокс жизни

Если рассуждать логически, то каждый из нас, узнав о неотвратимости смерти, должен расслабиться и обречённо ждать того, что случится в любом случае. Вместо этого люди воюют, грабят банки, соревнуются, изобретают чудо-технику, движут вперёд теоретическую науку, творят произведения искусства – зачем? Что нами движет, ведь всё зря…

Даже если кому-то удаётся войти в историю с какими-то шедеврами – что о нём вспоминают потомки в своих жёлтых СМИ? Люди смакуют реальные, а чаще выдуманные (опять тот же парадокс) подробности частной и интимной жизни, особо акцентируясь на скелетах, которых в шкафу гения после смерти собирается гораздо больше, чем было в реальности.

В общем, жизнь – это парадокс. А значит, нет ничего удивительного в том, что она в процессе самой себя порождает множество парадоксов второго порядка. То есть парадокс порождает парадоксы. Один из них и является нашей темой.

Автор или герой – кто реальнее?

На Земле за время существования человечества уже пожили более 100 миллиардов людей. И в подавляющем большинстве они пришли и ушли, навсегда затерявшись в дебрях истории. И попробуй-докажи теперь, что они существовали. Кто их помнит, кто о них знает?

А вот придуманные персонажи известны всем. Они, в смысле присутствия в актуальном дискурсе и влияния на окружающих, более живы, чем люди, существовавшие «на самом деле». Естественно, речь не о любых героях книг всех времён. А только о литературных удачах авторов, известных и неизвестных. Бабая же тоже какой-то гений сотворил и теперь дети и даже (тайно) некоторые взрослые боятся его больше, чем какого-нибудь жившего 200 лет назад злого разбойника.

Возьмём для примера персонажа, известного как чудовище Франкенштейна.

Писательница и чудовище

На тему чудовища Франкенштейна существует множество ремейков: книг, фильмов, мультфильмов, компьютерных игр, спектаклей и комиксов.

Рок-гитарист Дойл Вольфганг фон Франкенштейн

В 2018 году Массачусетский технологический институт выпустил специальное издание «Франкенштейна» с комментариями, среди коих, в частности, есть и такой: «Раскаяние, которое испытывает Виктор (Франкенштейн), напоминает чувства, которые, по его воспоминаниям, испытал Роберт Оппенгеймер, когда увидел разрушительную силу (созданной им) атомной бомбы».

«Комплекс Франкенштейна» — термин введенный Айзеком Азимовым, обозначающий страх перед восстанием роботов.

Валлийский философ Марк Роулендс использовал образ чудовища Франкенштейна в книге «Философ на краю Вселенной». С его помощью Роулендс иллюстрировал мысль о «вброшенности» человека в мир: «Вы вынуждены жить в обстоятельствах, которые не выбирали; с внешностью, от которой с удовольствием бы отказались; со способностями и пристрастиями, которые не в состоянии объяснить».

Есть даже музыкант с псевдонимом Дойл Вольфганг фон Франкенштейн. Выглядит он как профессиональный бодибилдер, на сцену выходит в пугающей боевой раскраске, играет на гитаре жуткий хоррор-панк рок, а в жизни его зовут Пол Дойл Кайафа, он примерный семьянин и вместе с супругой практикует вегетарианство.

Автор книги о Франкенштейне и его чудовище — Мэри Шелли тоже была убежденной вегетарианкой. Вы знали это? А то, что она в момент написания романа «Франкенштейн, или Современный Прометей» была девушкой знаменитого английского поэта Перси Биша Шелли? А потом стала его женой, имела от него троих детей, из которых выжил только один. И её при жизни вообще считали не значительной писательницей, а всего лишь женой великого Перси Шелли…

Мэри Шелли

Две реальности

В вышеописанном случае мы сталкиваемся с классической ситуацией, когда персонаж, который никогда не существовал, оказывается гораздо более живым и влиятельным, чем его малоизвестный реальный автор. А если принять во внимание что таких персонажей и авторов множество, то возникает логичный вопрос, выводящий нас на парадокс: Какая же из реальностей действительно реальная? Та, где жили и живут авторы или та, что населена созданными ими персонажами?

Вампир на закуску

Раз мы уже коснулись истории создания чудовища Франкенштейна, то она была бы не полной, если бы мы не упомянули некоторые дополнительные обстоятельства.

В 1816 году в Швейцарии на вилле Диодати встретились лорд Байрон, его личный доктор Джон Полидори, Перси Биши Шелли и его 19-летняя спутница Мэри Годвин, которая уже тогда просила называть себя Мэри Шелли.

Однажды прохладной и хмурой летней ночью Байрон предложил всем написать страшный рассказ. В результате Мэри придумала жуткую историю про Виктора Франкенштейна и его монстра, а Байрон сочинил сюжет с персонажем по имени Август Дарвелл. У самого автора он восторга не вызвал, а вот доктор Полидори тему запомнил и через три года воплотил набросок в повесть под названием «Вампир». И издал её под именем Байрона, чем последний был весьма скандализирован.

Далее Байрон и Полидори долго вели полемику на тему авторства, а повесть триумфально шествовала от читателя к читателю. И в итоге, слово «вампир» стало нарицательным и уж точно во много раз более известным, чем  открывший его миру доктор Полидори.

Читайте ещё о персонажах и авторах: Топ 15 знаменитых литературных героев, которых придумали англичане.

В целом, он был типичным человеком свободного мира и в этом смысле похож на одного из трёх знаменитых братьев Канетти – лауреата Нобелевской премии по литературе Элиаса Канетти.

Сервис и Ленин                                                  

Кроме всего прочего, герой нашего повествования знаменит ещё и тем, что был абсолютно игнорируем в СССР. Это случилось после его визита в 1937 году, под впечатлением которого поэт создал нетленку с названием «The Ballad Of Lenin’s Tomb», где с изрядной долей амикошонства высказался в отношении мавзолея основателя «первого в мире государства рабочих и крестьян»:

Там, где лежит Ленин, красное знамя развевается, а крысино-серые рабочие ждут,

Чтобы ступить во мрак могилы Ленина, где товарищ покоится.

Они медленно изучают его лицо, такое усталое, но такое твердое;

В течение многих лет они изо всех сил старались спасти его от червя.

Кремлевские стены мрачно-серые, а Могила Ленина красная,

А паломники из Кислых земель… (pilgrims from the Sour Lands  —  Sourlands  — регион в американском штате Нью–Джерси — как эти паломники вообще сюда попали? )))

…говорят: «Он спит и не мертв».

Перед их глазами в мире он лежит, символ и знак,

И, проходя мимо этого стеклянного купола, они видят Божественного Бога.

Врачи засыпают его дурманом, потому что, если он рассыпается в пыль,

Так рухнет их вера и надежда, рухнет весь комбинат.

Ясно, что после эдаких пассажей о существовании «Юконского барда» в стране Советов тут же «забыли».

Юконский банкир

Несколько слов о том, почему Сервиса прозвали Юконским бардом. Собственно, здесь и кроется тайна его внезапного богатства.

Несмотря на то, что Роберт Уильям рос артистичным ребёнком, музицировал на пианино, много читал и с детства сочинял стихи, после окончания школы юноша из семьи банкира был обречён на работу в банке.

Не лучшая, надо сказать, служба для романтика. И душа молодого Сервиса, не выдержав канцелярской рутины, увлекла его  — «на волю, в пампасы!» — ну вот примерно так. В итоге, Сервис в возрасте 21-го  года оказался в Америке, где искал себя в разных профессиях, был сельхозрабочим, продавцом и, естественно, ковбоем, пытался публиковать свои стихи в периодике и влюбился в девицу Констанс МакЛин. Увы, возлюбленная хотела замуж за кого-то обеспеченного, что мало совпадало с образом бродячего поэта.

И тогда Сервис опять устроился в банк – благо рекомендации с предыдущей банковской работы у него были отличные.

Осенью 1904 года банк отправил его в свой филиал в Уайтхорсе в Юконе. Вот тут–то всё и случилось.

Юконский бард

Молодой банкир оказался в краях, где ещё совсем недавно бушевала знаменитая «Клондайкская золотая лихорадка». После её пика минуло уже десять лет и грубая реальность как раз стала обрастать легендами и мифами. Вскоре их удачно воплотили в литературную форму Джек Лондон и другие.

В этом смысле повезло и Сервису. Наслушавшись рассказов бывалых старателей, он сочинил два стихотворения, которые кардинально изменили его судьбу.

Первое называлось «Расстрел Дэна МакГрю». В нём речь о фатальной разборке в юконском салуне.

Интересно, что Дэн МакГРю реально существовал. Только звали его Уильям. Он и Сервис были на ножах и после одной из стычек Роберт вроде бы сказал: «МакГрю, когда-нибудь я тебя убью». И убил. В стихотворении.

Попутно заметим, что подобное сведение счётов с обидчиками не редкость для литераторов. Например, герой рассказа «Последнее дело Холмса» Артура Конан Дойля негодяй и одновременно профессор математики Мориарти назван так в честь одноклассников Артура братьев Мориарти, которые в школе травили будущего писателя за нелюбовь к математике.

Но вернёмся к Сервису. Мы не будем подробно останавливаться на «Расстреле Дэна МакГрю», скажем только, что по легенде, когда Роберту Уильяму в голову пришли его первые строки, он буквально бегом отправился в свой банк, чтобы их записать, где сам чуть было не был застрелен, так как его приняли за грабителя.

А несколько недель спустя, банкир-стихотворец услышал от некоего шахтёра Доусона историю о том, как во времена «золотой лихорадки» человек кремировал своего приятеля.

Целую ночь Сервис гулял в лесу, а на утро баллада была готова. Называлась она «Кремация Сэма МакГи»  Эти два стихотворения и сделали Роберта Уильяма Сервиса Юконским бардом — самым знаменитым поэтом того времени и места.

Слава и богатство

Далее последовало ещё несколько стихов, навеянных рассказами ветеранов «золотой лихорадки». В конце концов их набралось на небольшую книгу, которую Сервис назвал «Песни закваски» (Songs of a Sourdough — имеется ввиду житель Юкона) и намеревался издать за свой счёт, чтобы дарить друзьям на Рождество.

Однако книга ещё на этапе чтения гранок понравилась издателю Уильяму Биггсу, и он запустил её в продажу, да так успешно, что к 1917 году на предприятии было заработано более 100 000 долларов (равняется примерно 2,8 миллионам долларов  в нынешнем эквиваленте).

Внезапно став известным писателем и богатым человеком, Сервис купил себе енотовую шубу, женился на Констанс Маклин, а затем написал ещё одну книгу стихов и роман «Тропа ’98», который тоже сразу же стал бестселлером.

Роберт Сервис и Жермен Бургуан

Далее последовал переезд во Францию, где он по пути потерял Маклин и женился на молодой и состоятельной парижанке Жермен Бургуан, с которой счастливо прожил до конца своих дней в почёте и достатке.

За Маклин, к слову не переживайте. В 1915 году она вышла замуж за Лероя Гранта, геодезиста и железнодорожного инженера из Принца Руперта.

Дальнейшая жизнь Роберта Уильяма Сервиса также была интересна и насыщена событиями, так как он был человеком деятельным и неравнодушным.

И креативным. В частности, заведя роман с Жермен, Сервис, считавшийся к тому времени самым богатым писателем Парижа, долгое время изображал из себя бедного парня. И только спустя год после свадьбы открыл своё состояние супруге. В отместку она пережила его на 31 год и умерла в возрасте 102-х лет.

Но мы тут остановимся и вернёмся к первым стихам, в общем-то перевернувшим жизнь Роберта. В чём же была их тайна? Давайте разберём один из них.

Кремация Сэма МакГи. Краткое содержание 

Прежде чем дать балладу на языке оригинала, вспомним, что поэзия непереводима и поэтому просто перескажем содержание в прозе. В случае Сервиса – это кратчайший путь к пониманию, потому что его стихи хотя и очень музыкальны, но вполне нарративны, а значит, смыслы от нас не  ускользнут.

Итак, некая пара старателей движется на собачьих упряжках в районе полярного круга. Один из них родом из южного штата Теннесси. И он постоянно мёрзнет. По ходу холод становится его кошмаром, и он даже признаётся второму – назовём его Рассказчик – что боится умереть, потому что сама мысль о ледяной стуже могилы пугает его пуще смерти. И тогда МакГи берёт с Рассказчика слово, что если всё же он не выдержит, то тот его кремирует. После чего таки умирает.

Рассказчик, помня об обещании товарищу, тащит тело до места, где можно произвести кремацию и так доходит до озера Лебарж (Лаберже), где обнаруживает заброшенное во льдах паровое судно с рабочим котлом и остатками угля. Он выламывает несколько досок с палубы, добавляет уголь и вскоре котёл разгорается жарким пламенем, куда Рассказчик и отправляет тело МакГи. Через некоторое время, решив, что тот уже приготовился («I guess he’s cooked, and it’s time I looked» ), он открывает дверцу топки. Далее буквальная цитата:

И там сидел Сэм, прохладный и спокойный, в самом сердце грохота печи;

И у него была улыбка, которую можно было видеть за милю, и он сказал: «Пожалуйста, закройте эту дверь.

Здесь хорошо, но я очень боюсь, что ты впустишь холод и шторм —

С тех пор, как я уехал из Пламтри в Теннесси, мне впервые стало тепло».

Всё, занавес.

Кремация Сэма МакГи. Поэтические достоинства

Казалось бы, на первый взгляд, перед нами просто страшилка с элементами мистики. Но нет. На самом деле тут виртуозно передаётся ощущение смертельного холода – такого, от которого невозможно отогреться у огня, который пробирает, что называется, до мозга костей. Холода, в сравнении с коим даже смерть не так ужасна.

А кроме того, в стихотворении звучит завораживающая музыка. Мы далее приведём его на языке оригинала, чтобы вы оценили ритмику и мастерскую рифмовку.

Сочетание грубой жизненной правды, которая стоит за, казалось бы, фантастическими сценами, с высокими чувствами и музыкой слов в нашей традиции свойственно многим песням Высоцкого. И не только. Оно также есть, например, в «Балладе о ласточке» Евгения Евтушенко. Но сейчас уже так не пишут. В наши времена почему-то повествовательная поэзия считается второсортной, в отличие от потоков сознания, изложенных свободным стихом. Впрочем, это было уже и сто лет назад. Тогда как раз расцветал сюрреализм. И в поэзии, в том числе.

Читайте об этом подробнее:  в нашем разборе удивительного стихотворения Гарсиа Лорки «Маленький венский вальс»

И тут Сервис со своими классическими балладами. Да ещё пользовавшимися такой всенародной популярностью. Понятно, что это бесило высоколобых снобов. Они его называли апологетом Киплинга и вообще не поэтом. На что автор скромно отвечал, что я, мол, и не занимаюсь поэзией. Я пишу стихи.

Читаем и слушаем

Нам осталось только привести обещанный текст стихотворения и пригласить вас одновременно послушать его музыку из уст носителя языка оригинала. Мы выбрали для этой цели чтение известного певца-баса Джеффа Кастеллуччи. Тембр Джеффа прекрасно сочетается с атмосферой текста.

The Cremation of Sam McGee

BY ROBERT W. SERVICE

There are strange things done in the midnight sun
By the men who moil for gold;
The Arctic trails have their secret tales
That would make your blood run cold;
The Northern Lights have seen queer sights,
But the queerest they ever did see
Was that night on the marge of Lake Lebarge
I cremated Sam McGee.

Now Sam McGee was from Tennessee, where the cotton blooms and blows.
Why he left his home in the South to roam ’round the Pole, God only knows.
He was always cold, but the land of gold seemed to hold him like a spell;
Though he’d often say in his homely way that «he’d sooner live in hell.»

On a Christmas Day we were mushing our way over the Dawson trail.
Talk of your cold! through the parka’s fold it stabbed like a driven nail.
If our eyes we’d close, then the lashes froze till sometimes we couldn’t see;
It wasn’t much fun, but the only one to whimper was Sam McGee.

And that very night, as we lay packed tight in our robes beneath the snow,
And the dogs were fed, and the stars o’erhead were dancing heel and toe,
He turned to me, and «Cap,» says he, «I’ll cash in this trip, I guess;
And if I do, I’m asking that you won’t refuse my last request.»

Well, he seemed so low that I couldn’t say no; then he says with a sort of moan:
«It’s the cursèd cold, and it’s got right hold till I’m chilled clean through to the bone.
Yet ’tain’t being dead—it’s my awful dread of the icy grave that pains;
So I want you to swear that, foul or fair, you’ll cremate my last remains.»

A pal’s last need is a thing to heed, so I swore I would not fail;
And we started on at the streak of dawn; but God! he looked ghastly pale.
He crouched on the sleigh, and he raved all day of his home in Tennessee;
And before nightfall a corpse was all that was left of Sam McGee.

There wasn’t a breath in that land of death, and I hurried, horror-driven,
With a corpse half hid that I couldn’t get rid, because of a promise given;
It was lashed to the sleigh, and it seemed to say: «You may tax your brawn and brains,
But you promised true, and it’s up to you to cremate those last remains.»

Now a promise made is a debt unpaid, and the trail has its own stern code.
In the days to come, though my lips were dumb, in my heart how I cursed that load.
In the long, long night, by the lone firelight, while the huskies, round in a ring,
Howled out their woes to the homeless snows— O God! how I loathed the thing.

And every day that quiet clay seemed to heavy and heavier grow;
And on I went, though the dogs were spent and the grub was getting low;
The trail was bad, and I felt half mad, but I swore I would not give in;
And I’d often sing to the hateful thing, and it hearkened with a grin.

Till I came to the marge of Lake Lebarge, and a derelict there lay;
It was jammed in the ice, but I saw in a trice it was called the «Alice May.»
And I looked at it, and I thought a bit, and I looked at my frozen chum;
Then «Here,» said I, with a sudden cry, «is my cre-ma-tor-eum.»

Some planks I tore from the cabin floor, and I lit the boiler fire;
Some coal I found that was lying around, and I heaped the fuel higher;
The flames just soared, and the furnace roared—such a blaze you seldom see;
And I burrowed a hole in the glowing coal, and I stuffed in Sam McGee.

Then I made a hike, for I didn’t like to hear him sizzle so;
And the heavens scowled, and the huskies howled, and the wind began to blow.
It was icy cold, but the hot sweat rolled down my cheeks, and I don’t know why;
And the greasy smoke in an inky cloak went streaking down the sky.

I do not know how long in the snow I wrestled with grisly fear;
But the stars came out and they danced about ere again I ventured near;
I was sick with dread, but I bravely said: «I’ll just take a peep inside.
I guess he’s cooked, and it’s time I looked»; … then the door I opened wide.

And there sat Sam, looking cool and calm, in the heart of the furnace roar;
And he wore a smile you could see a mile, and he said: «Please close that door.
It’s fine in here, but I greatly fear you’ll let in the cold and storm—
Since I left Plumtree, down in Tennessee, it’s the first time I’ve been warm.»

There are strange things done in the midnight sun
By the men who moil for gold;
The Arctic trails have their secret tales
That would make your blood run cold;
The Northern Lights have seen queer sights,
But the queerest they ever did see
Was that night on the marge of Lake Lebarge
I cremated Sam McGee.

Достаточно вспомнить о трудностях на пути известных людей (кстати, многих из них их современники считали откровенно глупыми), чтобы воспрянуть духом и не сдаваться.

Моцарт

Уолт Дисней был уволен из газеты за недостатком идей.

Учитель Бетховена считал его совершенно бездарным учеником.

Бросившего медицину Дарвина отец с горечью укорял: «Тебя ничего не интересует, кроме ловли собак и крыс!»

Наставник Эдисона говорил о нем, что он глупый и ничего не может выучить.

Эйнштейн не говорил до четырех лет. Его учитель характеризовал его как умственно отсталого.

Отец Родена, великого скульптора, говорил: «У меня сын — идиот. Он трижды не поступил в школу искусств».

Моцарту, одному из самых гениальных композиторов, император Фердинанд сказал, что в его «Женитьбе Фигаро» «слишком мало шума и слишком много нот».

А Менделеев, между прочим, имел тройку по химии.

Мало кто знает, что Генри Форд, человек, который изменил ход истории, пересадивший человечество в автомобили, прежде чем добиться финансового успеха, несколько раз объявлялся банкротом, разорялся подчистую.

Когда Маркони придумал радио и рассказал своим друзьям, что его изобретение будет передавать слова на расстоянии по воздуху, те посчитали его сумасшедшим и отвели к психиатру.

Анастасия Субботина

От: ИРА

В октябре 1907 года известный художник Добужинский шел по  петербургским улицам, которые так любил изображать на своих рисунках и гравюрах. Осень с моросящим дождем, старый, потемневший от копоти дом, темная комната, куда пришел он, чтобы познакомиться с работами какого-то никому не известного литовца… Все знакомо: и убогость обстановки, и смущение хозяина, не знающего, куда посадить гостя. Литовец, конечно, бедствует. Дай Бог, чтобы ему хватало хотя бы на хлеб и воду. И вдруг…

Что это? На приколотом кнопками к стене листе бумаги сияют два солнца. Золотые и зеленоватые лучи расходятся от них. В синеве над ними летят не то птицы, не то паруса — да, да, паруса, вот они и внизу картины, почти сплошь заполненной неподвижной и в то же время будто колышущейся морской глубиной. Чья-то спокойная и сильная рука держит на ладони парусник, а мимо плывет звезда, пузырьки поднимаются вверх, сквозь толщу вод видятся руины подводных городов, и окна в них горят, будто освещенные волшебным солнечным светом.
— Что это? — спрашивает Добужинский.

— Соната моря. Анданте, — отвечает Чюрленис…

…и Добужинский наконец-то  понимает, что не столько оригинальность картины поразила его, сколько музыкальность ее красок, линий и композиции.
Да, да, эта картина — сама музыка, каким-то чудом сумевшая выразиться не в звуках, а в живописном изображении…

Вскоре Добужинский показывает работы Чюрлениса известным петербургским художникам — А. Бенуа, Сомову, Лансере, Баксту, С. Маковскому. На всех его картины производят огромное впечатление.
О Чюрленисе много говорят и пишут. Узнают, что этот необычный художник — столько же (если не больше) музыкант, сколько и живописец.
Узнают и  кое-какие подробности из жизни Чюрлениса .

Он родился в Литве, в семье органиста, учился в Варшавской консерватории, окончив которую в 1900 году получил диплом композитора.

Но еще в годы студенчества Чюрленис увлекается живописью и, вернувшись из Лейпцига в Варшаву, вновь начинает учиться — уже в художественной школе. Вторая сторона его необычайно богатой творческой натуры развивается одновременно с музыкальной работой: Чюрленис сочиняет крупнейшее свое произведение — симфоническую поэму «Море», записывает и обрабатывает литовские народные песни, руководит литовским хором в Варшаве. Вскоре он поселяется в Вильно, где ведет напряженную творческую работу, широкую культурно-общественную деятельность: организует первую в Литве выставку национального искусства, устраивает вечера-концерты,  пропагандировавшие литовскую музыку. Однако тяжелый быт, узость культурной жизни Вильно и постоянный материальный недостаток угнетают его. Чюрленис едет в Петербург. Несмотря на то, что многие из петербургских художников высоко оценивают его талант, жить и здесь трудно. Чюрленис буквально сжигает себя, создавая одно за другим прекрасные полотна, сочиняя музыку и зарабатывая уроками на кусок хлеба

Чюрлениса постепенно узнают все больше. Выставки его живописных работ в Петербурге и в Москве приносят ему огромный успех. Музыку его знают меньше, но ведь всего каких-то пять-шесть лет прошло, как во всю ширь развернулось его дарование. От Чюрлениса еще ожидалось очень многое… Однако в 1909 году он тяжело заболевает и в начале 1911 года умирает, едва дожив до тридцати пяти лет…
Чюрленис оставил необычайно оригинальные музыкальные произведения, отразившие в себе литовское национальное своеобразие. По сути дела, Чюрленис явился основоположником литовской симфонической и камерно- инструментальной музыки.

Чюрленис-художник не только в литовской, но и в мировой живописи — необычное, редкое явление.
Его живопись — как бы вновь созданный художественный язык, на котором не говорил больше никто, кроме самого Чюрлениса. Мы будто и видим и «слышим» его картины. Нередко они объединены в трех- и четырехчастные «сонатные циклы» («Соната солнца», «Соната моря», «Соната змея», «Соната звезд»).

«Мечта о единении искусств»

«Одинокий ангел»

Последние десятилетия сделали творчество Чюрлениса — и музыкальное и живописное — достоянием широких масс. Всегда много посетителей в Каунасском художественном музее имени Чюрлениса, где собрано большинство его картин; музыка композитора часто исполняется. Теперь уже ясно, что имя Микалоюса Чюрлениса принадлежит к числу выдающихся имен в истории мирового искусства.

Это самим Чюрленисом в 1905 году на пленере в Аркадии нарисовнный углём автопортрет, подаренный коллеге по учебе Лидии Брылькиной, дочери русского генерала. Позднее Лидия стала актрисой Рындиной, жила в Париже.

В. Лев

От: ИРА

Художник, сумевший придать своим небольшим по размерам работам масштабность и глубокий философский смысл, Каспар Давид Фридрих всю жизнь изображал родную ему немецкую природу.

 Фридрих родился 5 сентября 1774 году в городе Грайфсвальд на балтийском побережье Германии. Получив образование в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене, художник вернулся на родину, где прожил всю свою жизнь, и где его ждали сначала успех и признание, потом забвение. Художник умер в бедности 7 мая 1840 г. в Дрездене.

 Фридрих был близок к кружку, в который входили немецкие писатели-романтики Людвиг Тик, Новалис и Генрих фон Клейст, был знаком с Гете и Жуковским. Романтическое мироощущение и связанное с ним стремление одухотворить природу, найти в ней отклик своим глубоко личным переживаниям сполна отразились в его живописи.

Каспар Давид Фридрих, Странник над облаками, 1818, Кунстхалле, Гамбург

_________________________

Сегодня «Выставка одной картины» представлена   и в поэтической версии

Василия КЛИМЕНКО. Сумы

Меланхоличный немец аллегоричен
В мыслях, готовых охватить весь мир
Но потонувших в конкретном пейзаже…

 Взгляд его необычен, тяжеловесен даже,
Не дойдя еще вполне до цели,
Он впитывает в себя малозначащие детали:
Неровный характер земной поверхности,
Камни, корни, изгибы судьбы, способные,
Запутать взгляд зрителя, увлечь его в такую даль,
Где даже птица не найдет опоры в своем полете.

Убежденный в том, что даже одна капля
Итальянского неба способна убить гармонию
Туманных вещей, ему самому не вполне понятных,
Он выходит навстречу буре, черпает силу в движении,
И все для того лишь, чтобы найти на холсте и в жизни
Точку абсолютного покоя.

Красный сюртук (1) в театре – яркая точка на сером фоне,
На фоне общего жизни уклада и мелких ее неурядиц,
Блистательный ход судьбы в игре с той же туманной далью,
Удавшаяся попытка найти опору в повседневности.

И в то же время:
Одиночество фигуры на фоне пейзажа,
Не успевшей еще вполне стать «Криком» (2)
Взгляд, запутавшийся в противоречиях,
Тяжеловесный, странный….

(1) Отправляясь в театр, Фридрих надевал красный сюртук, чтобы его заметили потенциальные заказчики.

(2) «Крик» – картина Эдварда Мунка

От: ИРА

Стиль и содержание его работ относятся к Регионализму — течение в американской живописи в 1930-х, противопоставленное абстракционизму, стилю характерен возврат к традициям реализма, граничащего с примитивизмом. Художники-регионалисты создавали полные экспрессии и волшебного реализма пейзажи американской земли, исторические и бытовые сцены .

Серый и золото

Отец Кокса, Уилсон Нейлор Кокс, был президентом Национального банка Терре Хот. Джон Роджерс был одним из четырех братьев. Когда мальчик подрос, родители отправили его в университет Пенсильвании изучать бизнес, но позже он перевёлся в бакалавратуру Изящных Искусств.

В 1941 году Кокс оставил свою работу в банке и устроился на работу в образованную в тот год художественную галерею. Эту должность ему предложил Уильям Т. Турман, профессор искусств Штата Индиана. В 26 лет он стал самым молодым директором музея в США. Кокс и его жена Эрмине совершили несколько поездок в Нью -Йорк, где покупали картины для галереи. За 15 месяцев он собрал коллекцию из 23 картин американских художников, своих современников, таких как Грант Вуд , Томас Харт Бентон, Чарльз Берчфилд , Золтан Сепеши и Эдвард Хоппера

Кокс посвящал всё своё свободное время живописи. К 1948 году он завершил девять картин, а также получил две важные награды. После смерти дочери в 1948м, Кокс переехал в Чикаго. За год до этого его брак с Марии Эрмине Майер, с которой у них было трое детей, распался.  До 1965г он жил в Чикаго и преподавал в школе Художественного института рисование. После 1950 Кокс сосредоточился на рисовании карандашом .

Со второй женой — Доунайс Кибби, его ученице из Художественного института Чикаго, они прожили 20 лет и после развода продолжали общаться до самой его смерти 30 января 1990 года

Появление Кокса, как художника, было сравнительно скромным. Однако, 1940-х и 50-х его произведения экспонировались на многочисленных важных выставках современного искусства. Работал он медленно, рисуя свои пейзажи дома, по памяти. Часто на одну картину у него уходило год или два.  Поэтому его картины немногочисленны, их насчитывается менее 20.

«Серый и золото» (1942)-одна из самых известных работ Кокса — находится в постоянной коллекции Музея искусств Кливленда.

Картина была написана вскоре после того, как Соединенные Штаты вступили во Вторую мировую войну .  Музей купил картину на передвижной выставке «Художники для Победы». В этой выставке принимали участие художники, которые хотели помочь своей армии. Выставка открылась в музее Метрополитен ( The Met ) в Нью-Йорке 7 декабря 1942 года в первую годовщину нападения на Перл-Харбор. Живопись Кокса получила серебряную медаль. Эта работа также получила Популярную ежегодную премию в институте Карнеги Питтсбурга. Картина принимала участие в съёмках фантастического триллера Мёртвая Петля, снятой в 2012.

Список работ:

Аэродром для бомбардировщиков (???), 1941

Серый и золото , 1942, Музей искусств Кливленда .

Зловещее облако , 1943,

Белое Облако , 1943,

Череда Облаков, 1944

Высокая трава , с . 1945

Пшеница , 1946,

Начало Грозы, 1947

Луг , 1948

Без названия , 1950

Пшеница шоки , 1951 , литография

Ноктюрн — . Серебро и серый , 1952

Без названия ( Женщина в Пейзаж ) , 1955-60

Оккупант, 1982

Ещё выставка одной картины в материале: Петрус Кристус «Портрет девушки»

От: Ира Проценко

Лионелло Спада. «Возвращение блудного сына». 1616г. (160х119см). Лувр.

Рембрандт Харменс ван Рейн. «Возвращение блудного сына». 1668г. (262х205см) Лувр.

Итак, притча Иисуса Христа, изложенная в Евангелии от Луки.

Очень коротко. Отец выделяет младшему сыну его часть наследства, которую он благополучно спускает  в веселии и празднестве. После чего возвращается назад и просится к отцу в работники. И отец не корит его и не наказывает, а искренне радуется возвращению непутевого сына, которого  уже считал мертвым. А вот старший сын негодует. Ведь он-то отца не бросал, а все это время помогал ему. Отец успокаивает его, призывая забыть обиды и встретить младшего брата участием и заботой. Такая вот немудреная история.

Лионелло Спада выбирает для изображения непосредственный диалог отца и сына.

Что называется, тет-а-тет. Первое, что приходит в голову при взгляде на эту картину – перед нами диалог между Богом-отцом и неким молодым человеком. Возможно, и Иисусом Христом. Тот ведь тоже вроде как возвратился в свою обитель после скитаний земных. Правда, слишком уж он юн. И слишком монументален, даже грандиозен старик. Богаты его одежды, прекрасны седые кудри и борода. И сам он — весь такой величественный и великодушный. Даже не понятно, как такой человечище мог бы не простить милого юношу, с мольбой и надеждой взирающего на всесильного старца. У бедняги порвана рубашка, что явно  свидетельствует о нелегких жизненных испытаниях. Посох – несомненное подтверждение длительности пути. Ну, а то, что юноша свеж и прекрасен – так это ему только  в плюс. Значит, молодость действительно всё списывает: и ошибки, и просчеты, и прочие негативные последствия не совсем правильного образа жизни. Правда, как-то не очень верится, что испытания были действительно суровыми.

 Рембрандт глядит на то же событие по-другому.

Совсем другая композиция. Если у Лионелло фигуры крупнопланные, занимающие практически всё пространство картины и контактирующие со зрителем непосредственно, то у Рембрандта сцена отодвинута вглубь живописного пространства и зритель – не непосредственный участник происходящего, а лишь сторонний наблюдатель.

Все внимание – на отца и коленопреклоненного младшего сына. Старик-отец здесь — никакой не бог, а уставший от жизненных передряг человек, на которого вдруг обрушилось невероятное счастье – вернулся сын, которого он давно уже мысленно похоронил. Здесь нет вопросов: простить – не простить, принять – не принять. Старик просто мягко опустил руки на спину сына и так и замер. Мир перестал для него существовать. Он растворился в своём сыне, забыл обо всём на свете. Его чувство не требует какого-либо выражения. Здесь просто слияние двух душ. И совершенно всё-равно, кто из них грешник, а кто – праведник. Это попросту неважно. Важно – что они нашли друг друга и теперь вместе. Поразительно человечная сцена. Другой такой в живописи я припомнить не могу.

Младший сын одет в самые настоящие лохмотья. И опять: не на них мы смотрим, не на его стоптанную обувь и грязные ступни. Мы смотрим на спину человека, прильнувшего к отцу, и понимаем всё без слов. Для него это – как тихая гавань для истерзанного бурей корабля. Здесь его не предадут и не обманут, здесь ему простят всё. Это — единственное место на земле, где он может успокоиться и отдохнуть сердцем. Прибежище, пристанище… Счастье, когда оно есть у человека.

Старший сын молча присутствует здесь же. Противоречивые чувства его обуревают. Тут и  сдержанное негодование, и уважение к чувствам отца. Но в отношениях с братом будут проблемы. Дородный молодец не в восторге от возвращения пропащего повесы и явно избегает на него смотреть. Он, конечно, примет любое отцовское решение, но только из уважения к его возрасту и авторитету.

Остальные и вовсе смотрят кто с интересом, а кто и со скепсисом. Но сейчас всё это неважно. Есть только маленький, по-стариковски сгорбленный отец и его родной сын, потерянный и несчастный. И от этих двоих исходит такая сила любви и сострадания, что всё мелкое, наносное отходит на второй план. Рембрандт одними лишь красками перевернул нашу душу… Нет,  не только ими. Еще и своим сердцем.

От: ИРА

И скрасит их, на мой взгляд, именно живопись Владимира Шинкарёва, — живопись подмалёвочного письма, подчёркнуто лаконичная, монохромная. Композиционно идеально решены простые городские сюжеты, а лёгкая кисть художника придаёт некий аристократизм. Будничный аристократизм.

Известный художник, главный идеолог движения «Митьки», основатель  издательства «Митькилибрис», Владимир Шинкарёв  родился в Ленинграде в 1954 году.

С 1974 по 77-й как-то умудряется  учиться живописи на курсах одновременно при Ленинградском ВХПУ им. Мухиной и институте им. Репина, и ещё  в том же 77-м, Владимир заканчивает геологический факультет Ленинградского государственного  университета…

Про Гурама Доленджашвили и его тишину здесь

И… понеслось:

1981 год – участник экспериментального товарищества изобразительного искусства (ТЭИИ). В 1985 году книга художника «Митьки» положила начало митьковскому движению.

1991- Член Международной Федерации Художников.

1993- Член Санкт-Петербургского общества «А-Я».

1994 года Член СХ России.

2007- лауреат первой художественной премии «Art Awards. Художник года — 06» за достижения в области изо искусства.

2008 — Премия имени Иосифа Бродского

Далее – бесчисленный список выставок… наград…

И, как водится: Работы находятся в собраниях

Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Музей истории Санкт-Петербурга, Санкт-Петербург.

Музей нонконформистского искусства, Санкт-Петербург.

Центральный выставочный зал «Манеж», Санкт-Петербург.

Музей «Царскосельская коллекция», Пушкин.

«Зиммерли Музей. Коллекция Нортона и Нэнси Додж», Нью-Йорк.

Музей Виктории и Альберта, Лондон.

2008- Шинкарёв  заявил о разрыве с Митьками. Причиной разрыва стало несогласие с гражданской позицией и общественной деятельностью второго лидера-митька — Дмитрия Шагина, в то время — члена  предвыборного штаба Д. Медведева в Санкт-Петербурге.

А ещё, в 1978-1980-х, Владимир написал не по годам зрелый роман «Максим и Федор», который прославил его  в самиздате. Потом, вплоть до 89 года, будучи работником котельной, в этом  популярном на то время и добровольном заточении, Шинкарев создаст всё своё литературное творчество. Его друг Шагин, широко и сатирически воспетый Владимиром как истинно русский психотип: добрый, ленивый и пьющий флегматик, превращается в ролевую модель для большой  компании разных художников, которых объединяет не столько философская концепция, сколько просто дружеское расположение.  Через несколько лет политика убьёт дружбу двух лидеров…

А вот как хорошо об авангарде русском и Шинкарёве в нём:

«…Ушедший век был веком авангарда, и Шинкарев – один из немногих художников, кто еще помнит о том, что это может означать. Большинство ведь давно уже не задумывается, почему надлежит всеми способами эпатировать публику, от грубых оскорблений до тонких издевательств, и механически исполняет разработанные в 1910-х годах авангардные ритуалы.

Шинкарев наоборот не может забыть, что одним из побудительных мотивов авангарда было честное отношение к культуре и обществу, которое эту культуру создало и охраняет, осознание того, что ценности культуры мертвы, то есть в повседневной действительности бессильны, непригодны и по сути запредельны. Эта жизненная проблема авангарда, это «Возропщу!» всегда слышалось в произведениях Шинкарева».

На самом деле, Ироничный Владимир, породивший всю эту матросскую и красноармейскую разудалость, воспевший и отправивший в народ словечки Мити, на самом деле этот художник является весьма и весьма сдержанным реалистом и, вместе с тем, лиричным, задумчивым  эстетом. Ему принадлежит озвученная мысль…  как-то так:

«рядом с ядовитыми цветами виртуального мира, из жизни буквально вымывается цвет«.

От: Ира Проценко

Отец будущего художника, Кристофоро Ваннуччи был членом городского совета. Его жена, Лючия ди Нунцио Бетти, занималась воспитанием детей: в семье росли шесть дочерей и двое сыновей. Семья Ваннуччи жила очень бедно, и будущий художник с детства изведал самую жестокую нужду. 

Необходимо заметить, что факты биографии Перуджино, изложенные Вазари в его эпохальной работе „Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550), мягко говоря, слегка грешат против истины. Современник многих великих мастеров, признанный авторитет в области истории искусства, специалист, чьи суждения долгое время считались объективными, оценки — справедливыми, а сведения — безусловно правдивыми, на этот раз изменил себе.

Вазари с упоением описывает страшную нужду, в которой прошло детство Перуджино, н делает вывод, что именно бедность сформировала его характер и наложила отпечаток на всю его дальнейшую жизнь:

„Пьетро был человеком весьма мало религиозным, и его никогда нельзя было уверить в бессмертии души. Словами, прекрасно выражавшими его гранитный дух, он упорно отвергал всякий путь добра; возлагал все надежды только на земные блага и за деньги сделал бы все что угодно».

Тяга к накопительству и, как следствие, скупость и прижимистость Перуджино, но мнению Вазари, переходили все границы разумного. В качестве доказательства историк искусства приводит, с его точки зрения, просто убийственный аргумент: когда Пьетро около 1470 года прибыл во Флоренцию „без гроша в кармане», он на протяжении многих месяцев, „не имея даже постели, спал в убогом сундуке», и даже потом, получая немаленькие гонорары, он так и не купил себе кровать, устраиваясь на ночь все в том же сундуке

Почему же Вазари — к слову, большой любитель роскоши и самозабвенный транжира — воссоздал такой, прямо скажем, нелицеприятный образ бедного, скупого и амбициозного художника Перуджино? Скорее всего, он не мог простить Пьетро его провинциального происхождения, совершенно искренне считая, что великий художник просто обязан быть флорентийцем!

В 1500 году Перуджино закончил самое известное и масштабное свое произведение, росписи Колледжо дель Камбио, о чем свидетельствует соответствующий документ, где говорится, в частности:

«Пьетро Перуджино, который всех превзошел в живописи, нарисовал это своей собственной рукой».

Эти росписи стали своего рода «лебединой песней» мастера. Слава его постепенно затухала. У флорентийцев появился новый кумир — Микеланджело (с которым Перуджино был в ссоре с того времени, как участвовал в комиссии, долженствовавшей решить, где установить его «Давида»). Римская курия была без памяти от начавшего входить в силу ученика Перуджино — Рафаэля. Теперь уже не Рафаэля называли «учеником Перуджино», а Перуджино — «учителем Рафаэля».

В 1508 году, когда Пьетро пригласили вместе с Рафаэлем украсить фресками стены папских покоев в Ватикане, главная работа досталась новому любимцу папы, а на долю Перуджино выпала самая скромная задача — расписать плафон в одном из помещений. Лишь в Перудже, на родине, мастера почитали по-прежнему, и, видимо, поэтому около 1506 года (именно с этого времени Перуджино не упоминается в списках флорентийской Гильдии святого Луки) он окончательно перебрался сюда, закрыв мастерскую во Флоренции.

Умер художник в феврале 1523 года в Фонтиньяно, где он писал по заказу монастыря маленький алтарный образ. Судя по всему, причиной его смерти стала чума, эпидемия которой разразилась тогда в окрестностях Перуджи.

По прошествии веков стало очевидно, что талант Пьетро Перуджино остался в тени искусства его известнейшего ученика — Рафаэля, которого еще при жизни прозвали „Божественным». Однако сегодня большинством исследователей не поддастся сомнению и тот факт, что портреты умбрийского мастера не только имели огромное влияние на становление Рафаэля-портретиста, но и мало в чем уступали его произведениям, исполненным в этом жанре. 

Особенно хочется обратить ваше внимание на полотоно «Мария Магдалина» и сказать о нём совсем немного… Здесь и не нужны лишние слова

Мария Магдалина. 1498. Галерея Уффици, Флоренция

Современники мастера считали это произведение „странным», беспокойным и даже мрачным. Образ Марии Магдалины воплощает в себе тот идеал амбивалентной красоты, которой Перуджино наделял практически всех женщин на своих картинах.

Женщина- мироносица… Это имя стало больше, чем имя женщины. Магдалина встала в один ряд с ветхозаветной Евой и новозаветной Богородицей, как ни кощунственно это звучит.

Это имя обросло уже не только интерпретациями,  рассказами  и житием, но и личностным  восприятием образа Марии Магдалины художниками, писателями и поэтами, который домысливается и переосмысливается через собственную жизнь и собственную историю, давая образу свой голос и свой тон.

Р.M. Рильке ПИЕТÁ («Скорбящей»)

Твои ль это стопы, Исус, твои ли?
И все же, о Исус, как я их знаю:
не я ль их обмывала, вся в слезах.
Как в терн забившаяся дичь лесная,
они в моих белели волосах.

Их до сих пор ни разу не любили.
Я в ночь любви их вижу в первый раз.
С тобой мы ложа так и не делили.
И вот сижу и не смыкаю глаз.

О, эти раны на руках Исуса!
Возлюбленный, то не мои укусы.
И сердце настежь всем отворено,
но мне в него войти не суждено.

Ты так устал, и твой усталый рот
не тянется к моим устам скорбящим.
Когда мы наш с тобою час обрящем?
Уже — ты слышишь? —
смертный час нам бьет.
1907г. (Перевод К. Богатырева)

М. Цветаева. Магдалина
3
О путях твоих пытать не буду,
Милая! — ведь всё сбылось.
Я был бос, а ты меня обула
Ливнями волос —
И — слез.

Не спрошу тебя, какой ценою
Эти куплены масла.
Я был наг, а ты меня волною
Тела — как стеною
Обнесла.

Наготу твою перстами трону
Тише вод и ниже трав…
Я был прям, а ты меня наклону
Нежности наставила, припав.

В волосах своих мне яму вырой,
Спеленай меня без льна.
— Мироносица! К чему мне миро?
Ты меня омыла
Как волна.
31 августа 1923

Б. Пастернак. Магдалина
2
У людей пред праздником уборка.
В стороне от этой толчеи
Обмываю миром из ведерка
Я стопы пречистые твои.

Шарю и не нахожу сандалий.
Ничего не вижу из-за слез.
На глаза мне пеленой упали
Пряди распустившихся волос.

Ноги я твои в подол уперла,
Их слезами облила, Исус,
Ниткой бус их обмотала с горла,
В волосы зарыла, как в бурнус.

Будущее вижу так подробно,
Словно ты его остановил.
Я сейчас предсказывать способна
Вещим ясновиденьем сивилл.

Завтра упадет завеса в храме,
Мы в кружок собьемся в стороне,
И земля качнется под ногами,
Может быть, из жалости ко мне.

Перестроятся ряды конвоя,
И начнется всадников разъезд.
Словно в бурю смерч, над головою
Будет к небу рваться этот крест

Брошусь нá землю у ног распятья,
Обомру и закушу уста.
Слишком многим руки для объятья
Ты раскинешь по концам креста.

Для кого на свете столько шири,
Столько муки и такая мощь?
Есть ли столько душ и жизней в мире?
Столько поселений, рек и рощ?

Но пройдут такие трое суток
И столкнут в такую пустоту,
Что за этот страшный промежуток
Я до воскресенья дорасту.
1949 г.

От: ИРА

Известный художник-иллюстратор Фаворский, когда работал над иллюстрациями к книгам, всегда пририсовывал в уголке собачку. Когда редактор начинал возмущаться, зачем на рисунке изображена собачка, художник начинал с пеной у рта доказывать, что собачка на рисунке необходима. В итоге художник сдавался, собачку с изображения убирали и довольный редактор отдавал рисунок в печать. А когда художника спросили, зачем ты эту собаку везде рисуешь, он ответил: «Не было бы собаки, он бы к чему-нибудь другому придрался!..»

И мы врешили представить ситуацию, когда известные произведения искусства, украшающие стены мировых музеев и частных коллекций, стали предметом комментариев со стороны современных заказчиков.

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»

В целом нормально, пара важных поправок:

1. Грудь должна быть больше. Гораздо больше.
2. Цвет вот этой загогулины нам не нравится. Желательно сделать его салатовым, а если не получится — вообще убрать или заменить на кожаную портупею с пряжками. Разумеется, салатовую.
3. Эта фигня ни к селу ни к городу. Убрать ее вниз, между камышом и пальцем. И уменьшить.
4. Исправить выражение лица мужика на более рабочее. Такое впечатление, что он блюет, а не дует. Должно быть аналогичным девушке рядом, они одним делом заняты.

Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

Нам очень понравился ваш вариант, он замечательный! Просто супер. Но переделайте. Ребят, ну мы же счастье должны нести людям, а не тоску! Поэтому все нужно развесилить.

1. Оранжевый в этом макете недостаточно позитивен. А зеленый выглядит недостаточно экологичным.
2. Собачка совершенно не милая, замените на Хатико что ли.
3. Нужно подумать над интерьером, он морально устарел. Если не знаете, чем вдохновиться, сходите в Икею.
4. Персонажи: почему мужик похож на Путина? это какой-то тренд? Пусть уж лучше будет Бред Пит, а женщина Анджелина Джоли, и пусть все будут счастливы.

Карл Брюллов «Всадница»

Вы знаете, мы открыли ваш макет, и как-то не было такого, что «ах!». Мы, если честно, большего от вас ожидали.

1. Лошадь не по-доброму смотрит, поиграйте с её взглядом, он должен быть более мечтательным и выражать философию нашей компании. Сложно, но постарайтесь.
2. Девушка очень понравилась, хорошая находка, но переоденьте её в красное вечернее платье.
3. Вы рисовали с натуры? В следующий раз утверждайте пожалуйста с нами всех моделей.
4. Девочку на балконе замените на юношу, и в его глазах должен быть здоровый интерес.
5. Поменяйте лепнину на стене. Нам нужно что-то более авангардное.

«Сотворение Адама»

Коллеги, мы понимаем, что сегодня сдавать макет в печать, но у нас все же есть небольшие правки:

1. Непонятная рука внизу слева как будто открывает банку пива. Убрать.
2. Текущий цвет фона нам не нравится, нужно что-то живенькое, попробуйте применить принты.
3. Взрослый бородатый мужик и скопление мальчиков вокруг него не пропустит цензура. Как-нибудь решите эту проблему.
4. Красная тряпка справа по форме напоминает ухо, исправьте. У нас и так слишком много анатомии в макете!
5. Мужик слева вышел отлично. Видно, что вы старались. Чтобы было ещё круче, давайте поменяем позу на более динамичную — пусть он будет в прыжке.

Леонардо да Винчи «Дама с горностаем»

Искреннее спасибо за замечательный макет, но все-таки есть пара небольших комментариев:

1. Что это за мутант на руках у девушки? Заменить на милую собачку.
2. В образе девушки не хватает гламура, давайте черный фон заменим на розовый, грудь больше, а вырез платья глубже.
3. Если выводите на первый план ладонь, не забывайте покрыть лаком ногти. Сюда явно просится красный цвет!
4. Что-то не так со взглядом девушки, нет целеустремленности и убедительности. О, пусть она смотрит прямо! И пусть улыбается, как Мона Лиза! Так мы создадим загадку!
5. Аксессуары на шее у девушки уже не в моде в этом сезоне, поищите что-нибудь у Сваровски.

От: )))))

«Нищая», изображающая девочку с рыбацкими сетями в руках, написана Репиным в 1874 году во французском городе Вёль, куда он отправился сразу после окончания Петербуржской академии искусств. На тот момент молодой художник уже успел прославиться, благодаря работе «Бурлаки на Волге».

Девочка с картины — одна из жительниц Вёля, которые подрабатывали, позируя приезжим художникам. В письме к другу Репин поделился, что девчонка позировала безобразно: она вертелась и кривлялась. Но художник сумел в этой случайной натурщице всего за один сеанс увидеть её внутреннее состояние, чувства, мысли, переживания. Интересно то, что этот законченный психологический портрет Репин создал за такой короткий срок.

Искусствоведы и художники всего мира утверждают, что, написав «Нищую», Илья Репин впервые состоялся как великий портретист.

Приехав во Францию, он начал заниматься пленэрной живописью — писать картины под открытым небом. В России такой вид искусства не был ещё развит, но европейские импрессионисты уже вовсю практиковали работу на свежем воздухе. Но если в картинах импрессионистов человек растворялся в природе, то природа с этюда Репина только дополняет девочку. На картине удивительно написано и видно все: загорелое личико, выгоревшие брови, одежда в заплатках.

Картина «Нищая» попала в Иркутский музей из частной коллекции мецената Владимира Сукачёва, жившего в Иркутске до 1898 года. Будучи общественным деятелем, Сукачёв мечтал создать в провинциальном музее коллекцию картин столичных художников.

В 1930-е годы два художника — Игорь Грабарь и Илья Зильберштейн задумали написать книгу об Илье Репине. И когда Грабарь, великий историк русского искусства и художник, познакомившийся на тот момент с огромным количеством его работ, увидел «Нищую», он сказал, что это лучшая работа молодого Репина.

Вскоре на картину началась настоящая охота. В 1948 году директор Иркутского художественного музея привёз «Нищую» на выставку в Третьяковскую галерею. Руководство Третьяковки, увидев картину, написало в министерство культуры претензию о том, что такой шедевр должен выставляться в столице. Тогда, Фатьянов (на тот момент он был директором Иркутского музея), обманом выманил этюд у реставраторов Третьяковки и тайно увёз его обратно в Иркутск. От расправы министерства Фатьянова спасла внезапная смена министра культуры и директора Третьяковской галереи.

«Нищая» и по сей день остаётся жемчужиной музея.

От: ИРА

Но про прерафаэлитов потом. Сначала про вкус.
О хорошем вкусе говорят все, но мало кто знает, что это такое. Всяк трактует вкус и безвкусицу по-своему. Как гласит пословица, кому арбуз, а кому Стас Михайлов.
В словаре Даля сказано: «Вкус — понятие о прекрасном в художествах; чувство изящного, красоты, приличия и угодливости для глаз».
Философская энциклопедия формулирует скучнее: «Категория эстетического дискурса, характеризующая способность к различению, восприятию, пониманию и оценке прекрасного и безобразного в природе и в искусстве».
В общем, черт его знает, что такое вкус. Может, его и вовсе не существует.
При этом очень обидно слыть человеком с дурным вкусом — особенно в социальных группах, которые придают такого рода репутации большое значение. Среди взыскательной публики весьма распространен особый вид мазохизма: смотреть, читать и слушать не то, что тебя радует, а то, что хвалят признанные арбитры вкуса. И стесняться того, что тебе нравится, но считается в данной среде не comme il faut.
(Признаться ли? Эх, пропадай моя головушка… Когда я в машине везу знакомых, то завожу Леонарда Коэна, а когда один – «Я иду по полю с конем». В общем, вы поняли, о чем я).

Много лет я не мог разобраться, хороший у меня вкус или нет. Потом поумнел и сделал выводы, которыми и хочу с вами поделиться.
Есть сферы, в которых я обязан иметь строгий и требовательный  вкус. Потому что это зона моей профессиональной деятельности. Сюда относятся, в первую очередь, литература, а также, до некоторой степени, кино и театр. Здесь я слушаю старших товарищей. Мотаю на ус. Делаю оргвыводы. Расту над собой.
А есть чудесная зона полной безответственности: все иные области культуры. И там я могу существовать в свое удовольствие, ни на кого не обращая внимания. Что мне нравится, что для меня праздник – то и хорошо. А что не нравится –  вовсе необязательно плохо, но лично мне даром не нужно.
Возьмем  живопись. В современном искусстве я не разбираюсь, не чувствую его, не люблю. Было время, когда я робел в этом признаваться.  А теперь закинул чепец за мельницу, и качество моей жизни сразу повысилось. Я — за ждановский тезис «Искусство должно быть понятно народу». С одной поправкой. Не народу (бог с ним совсем), а мне.
Понятны мне сочные краски, чистые линии и всякого рода гладкопись. Говорят, это признак плохого вкуса. Но мне с моим плохим вкусом хорошо. Сейчас еще и вас буду им травить.
Под катом – много картинок. Это всё работы художников, которые меня радуют, и мне наплевать, «в обойме» они сегодня или нет. Увидите — сплошь сироп, мармелад и далевская «угодливость для глаз». Марата Гельмана с Дарьей Жуковой от этакой сладости, наверное, стошнило бы.

      М-м-м… Беллини (а не Леонардо с Рафаэлем):

Горячо любимый Бронзино (А Тициана с Рубенсом унесите, пожалуйста):

Самый прерафаэлитный из прерафаэлитов (на выставке, кстати, я еще не был, но обязательно схожу) Джон Эверетт Милле. Умные люди объясняли мне, что китч, а все равно люблю:

Ну и, конечно, Кустодиев, моё всё:

И любовь с детства — Борисов-Мусатов (хотелось бы написать повесть, чтобы была, как эта картина):

А недавно открыл для себя чудесного томного испанца Хулио Ромеро де Торреса (1874 — 1930). Прямо как по моему заказу человек писал:

От: ИРА

Эдвард Мунк «Крик»

Богатым быть хорошо. Но как им стать?  Чем заняться, чтобы не просто снискать себе хлеб насущный в трудах ежедневных, а ещё и перейти  в разряд  качественно других человеков, то есть  —  в касту богатых?   

Политику и прочие виды нечестного заработка исключаем, потому что в наших планах не только построить свой личный рай на земле, но и не гореть в аду по завершению земного путешествия души.

Остаётся выбрать такое ремесло, продукция которого продаётся дороже всего.  Так как мы, люди творческие, то хорошо бы сделать своей прибыльной профессией какое-нибудь искусство.    

Начнём с классической музыки.  Тут  рекорд — $2,3 млн. Столько заплатили за партитуру Второй симфонии немецкого композитора Роберта Шумана частному коллекционеру на аукционе Сотбис в Лондоне 1 декабря 1994 г.  

Кстати, примерно так  же стоит самое дорогое  в мире фортепиано .  $2,1 млн.  внес певец Джордж Майкл за пианино марки “Стейнвэй Модель Z” на аукционе в кафе “Хард Рок” в Лондоне, Великобритания, 17 октября 2000 г. Прежде,  пианино принадлежало Джону Леннону, его можно увидеть в видеоклипе Леннона “ Imagine ”.

А вот самая дорогая скрипка в мире  — «Экс-Вьетан» работы Джузеппе Гварнери оценивается экспертами в $7 000 000.

Возникает попутный вопрос:  что в музыке первично и ценится дороже  – сама музыка или инструмент, на котором её играют?  Люди или вещи?  Вопрос,  к слову, не простой, ведь без инструментов музыки нет. Впрочем,  без музыкантов тоже…

Поль Сезанн «Игроки в карты»

С живописью проще.  Там  творец и полотно неотделимы.  Наверное,  поэтому и деньги там побольше ходят. Согласно гуляющим в сети слухам, самой большой суммой вообще, уплаченной когда-либо за отдельную картину, на сегодняшний день являются 250 миллионов долларов, переданных  эмиром Катара в феврале 2012 года греческому миллиардеру Георгу Эмбирикосу за картину «Игроки в карты» французского художника-постимпрессиониста Поля Сезанна.

А официально, лидером среди самых дорогих произведений изобразительного искусства, когда-либо выкупленных на открытых аукционах, считается на сегодняшний день  картина «Крик» норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка. В результате торгов, состоявшихся 2 мая 2012 года, картина была продана американскому бизнесмену и коллекционеру искусства Леону Блэку за 119 миллионов 922 тысячи 500 долларов.

Фотографии, как искусству более молодому,  до таких денег ещё конечно расти и расти. Самой дорогой на сегодня фотографией  считается «Рейн II»  немецкого фотохудожника Андреаса  Гурски.  В 2011 году снимок, сделанный  в 1999 году,   был продан на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 4,3 миллиона долларов (около 2,7 млн фунтов стерлингов), что делает его самой дорогой когда-либо проданной фотографией.

 Хотя  это конечно, копейки  в сравнении с  финансовыми успехами живописи.  К слову, в фотографии, как и в музыке,  большое значение имеет инструмент,  то есть техника.  А значит доля человеческого в результирующем продукте  меньше.  Может поэтому  и цена ниже? Может в искусстве человек – главное?

Андреас Гурски «Рейн II»

Аргументом в пользу последнего предположения являются громадные деньги,  на которые застрахованы тела и части тел звёзд шоу-бизнеса. Тело самой дорогой  (официально)  женщины в мире — Дженнифер Лопес, застраховано в одной нью-йоркской страховой компании на сумму 1 миллиард евро.  А ноги американской  певицы  Мэрайи Кэри  (забавно, что ноги,  а не голос) застрахованы  на 1 миллиард долларов.  Можно представить,  сколько  стоит  вся Мэрайя.  Не исключено, что даже больше чем Дженнифер….

Вышесказанное лишний раз подтверждает  и так очевидный факт – Господь Бог – лучший художник и скульптор.    А женщина  — верх творения.  Потому что страховочный рекорд сильной половины, который принадлежит Дэвиду Бекхэму —  всего лишь  100 млн. фунтов (200 млн. долларов).  Куда катится мир!  Мужики нынче  — дешевле женских ног…

Зато, мы дороже бриллиантов! Самый дорогой бриллиант в мире — голубой бриллиант 17 века под названием «Виттельсбах». За него была заплачена самая большая сумма из всех когда-либо заплаченных на аукционе за драгоценные камни или ювелирные украшения. И это — всего  24 300 000 долларов.

Следовательно, первое место по ценности для человечества сегодня находится где-то между ногами Мэрайи  Кэри и  телом Дженнифер Лопес.  На втором месте – шедевры живописи и тела мужчин-спортсменов. 

Леонардо да Винчи «Лестерский кодекс»

А вот на третьем неожиданно оказались книги! Самая дорогая книга в мире на сегодняшний день — «Лестерский кодекс»  — творение великого Леонардо да Винчи, небольшая тетрадь с рукописными записями размышлений великого изобретателя, сделанных им в Милане в 1506—1510 годах. Записки Леонардо написаны особым «зеркальным» шрифтом его собственного изобретения — читать их можно только с помощью зеркала. В 1994 году основатель корпорации Microsoft Билл Гейтс — заплатил за эту тетрадку 30,8 миллиона долларов! (по нынешним ценам это около $ 45—50 миллионов). Подчеркнём, что книга эта рукописная и в этом смысле  содержит эффект  непосредственного присутствия автора, подобный картине живописца.

Вывод.  Настоящее,  и во всех смыслах самое дорогое,  искусство там, где гениальный  творец  оставляет следы своего  непосредственного материального присутствия в произведении. А значит, на нашей планете наивысшей ценностью  по–прежнему является человек – индивидуальный,  единственный, прекрасный и неповторимый. Как ноги  Мэрайи Кэри…  

Проект был основан в 2014-году редакцией медиа портала АТС и ГО «Агентство творческих событий».

В число жителей «Культурного острова» (все они были приглашены для участия в формировании лонг-листа номинантов и выборах лауреатов) входят на настоящий момент (без учёта результатов нынешнего сезона)  такие  известные и уважаемые деятели культуры и искусства, а также творцы творческих миров:

Александра Сокол, Александр Гвоздик, Анна Гидора, Анна Черненко, Анастасия Платонова, Антон Меженин, Василий Чубур, Валерия Рошкован, Вадим Шерстюк, Василий Клименко, Виталий Трикоз, Виктория Тимошенко, Вера Паненко, Галина Паненко, Дарья Безкостая, Елена Алмазова, Елена Гончаренко, Ирина Гаршина, Ирина Проценко, Лариса Ванеева, Леонид Ильяшенко, Маргарита Сергиенко, Наталья Говорухина, Наталья Черкасенко, Надежда Юрченко, Надежда Белокур, Ольга Ковалевская, Сергей  Коноз, Орест Коваль, Ольга Козаченко, Римма Миленкова, Сергей Гуцан, Сергей Тихенко, «Студия Данченко», Тамара Кубракова, Татьяна Нянькина, Тамара Герасименко, ТПП «La Chanson», ФД «Два рояля», Юрий Петрушенко.

Также лауреатами «Культурного острова» являются Евгений Фулеров и Валентин Бурый, которых сегодня нет с нами. Кроме того, в голосовании принимали участие члены оргкомитета Лариса Ильченко и Игорь Касьяненко.

На первом этапе все желающие из вышеприведенного «звёздного списка» подали своих кандидатов в номинанты. В результате был сформирован следующий лонг-лист.

1. Виктория Артюх —  руководитель народного коллектива Украины театра танца «Пигмалион» Сумского Дворца детей и юношества — за неиссякаемую любовь к танцу, взрыв творческой энергии и высокопрофессиональную многолетнюю деятельность.

2. Татьяна Дудка – художник – за создание творческого объединения «Фонтан».

3. Светлана Загоняйко – руководитель детского театра-студии СКВОРЕШНЯ Сумского Дворца детей и юношества. Народный коллектив Украины. Около 20 лет работы. Сотни воспитанников. Десятки и десятки спектаклей. Успешные выступления в конкурсах и фестивалях.

4. Ирина Загорная – фотограф. Человек с особыми потребностями. Людей с таким диагнозом называют «бабочками», потому что их кожа такая же хрупкая, как и крылья бабочки. За  талант, мужество, силу духа и неудержимое желание жить и создавать замечательные фотоработы. (Ирина живет со своими родными в маленьком селе под Конотопом и из-за болезни фактически закрыта в четырех стенах. Несмотря на это, ею были проведены четыре персональные выставки. Принимает непосредственное участие во многих благотворительных мероприятиях. «Люди помогают мне … и я хочу помогать людям …» — утверждает Ирина.)

5. Ирина Козлова (Конотоп)  – поэт, руководитель литературной студии «Джерела», участница творческого объединения «Мастера Конотопщины». Лично принимает участие в городских и областных культурных, художественных и благотворительных мероприятиях, проводит мастер-классы, на которых открывает всем желающим тайны обрядовых кукол-мотанок.

6. Леонтий Костур — художник-автодидакт (керамист, живописец, сценограф) — за  плодотворное творчество и создание авторского музея.

7. Александр Кугук – журналист, культуролог —  за  проект «Территория смыслов» и ряд лекций на культурологическую тематику.

8. Екатерина Лукьяненко (Ромны) — руководитель образцового любительского коллектива «Виват», поэтесса – за многогранную творческую реализацию.

9. Отдел искусств Областной универсальной научной библиотеки  — за создание площадки для творчества.

10. Олег Прокопчук – скульптор — за создание  мемориальных досок  А. Олесю в Сумах и Белополье, Давиду Бурлюку, Павлу Охрименко и другим.  Автор посмертной маски краеведа Геннадия Петрова, надгробных бюстов ученому Анатолию Коломацкому, поэту Анатолию Семенюте. Также автор памятника летчику Ивану Кожедубу, расположенному на входе в Сумской городской парк, носящий имя летчика.

11. Григорий Протасов (Ахтырка) — художник–керамист. За  международный творческий симпозиум «Раку-керамика» и цикл выставок в Ахтырке, Сумах, Харькове, Киеве.

12. Андрей Сницарь — Чехов наших дней. Пишущий, ироничный, интеллигентный. Ученик Красовицкого, достойно пронесший знамя своего Учителя. Номинация «До последнего вздоха». Он действительно, даже будучи в инвалидном кресле, последние годы продолжал помогать больным, не акцентируя внимание на своем неизлечимом недуге.

13. Владимир  Семерня — фотохудожник — за персональную уличную выставку фотографий.

14. Дмитрий Семикрас – музыкант, лауреат международных конкурсов пианистов.

15. Татьяна Сурган — скрипачка, педагог, артистка оркестра «Ренессанс», участница инструментального дуэта «Парафраз» — за творческую многогранность и профессионализм.

16. Наталия Сиухина – художница – восходящая звезда сумской живописи — за талант и  персональную выставку в Сумской городской галерее.

17. София Ситало  — режиссёр — за создание театральной студии.

18. Сумской областной художественный музей им. Онацкого — за создание творческой арт-мастерской.

19. Олег Туляков — преподаватель СумГУ, философ, общественный деятель, телеведущий — за футуристические проекты, объединяющие интеллектуальные силы города и области.

20. Денис Федченко – музыкант, педагог — за создание креативных музыкальных проектов «Shamrock», StreetRing и других.

21. Елена Чернова — музыкант – за  ряд музыкальных перформансов.

22. Татьяна Шуликова —  директор ДК «Химик», музыкант, руководитель фольклорного ансамбля  «Оберег» — за личное творчество и создание уникальной творческой  атмосферы в ДК «Химик».

23. Художественная клуб-студия «Чемодан», руководитель Татьяна Касторная – за создание творческого пространства.

24. Анна Юрченко (Конотоп) — магистр хореографии, руководитель Образцового хореографического коллектива «Мечта». За  популяризацию украинской народной хореографии как в городе, области, так и за пределами страны. Коллектив является лауреатом многих областных и всеукраинских фестивалей и победителем международных конкурсов.

25. Ирина Янина – заведующая отделом Сумского областного художественного музея им.Н.Онацкого – за организацию ряда выставок декоративного искусства.

26. Людмила Яценко — заведующая отделом  Сумской областной универсальной научной библиотеки —   основательница и ведущая клуба литературного творчества «Дивослови», модератор игры «ЧТО? ГДЕ? КОГДА?» и инициатор создания интеллектуального клуба «Лидер». Автор проекта «Девчачий квест.  Интеллектуальные сплетницы» в рамках клуба «Семейный круг». 

Отметим, что сам факт попадания в лонг-лист арт-медиа проекта «Культурный остров» уже является показателем весомости и значимости человека для творческой среды Сумщины.

На втором и завершающем этапе из числа номинантов была выбрана итоговая семёрка лауреатов 2020 года. В неё вошли.

1. Андрей Сницарь
2. Александр Кугук
3. Дмитрий Семикрас
4. Ирина Загорная
5. Ирина Козлова
6. Татьяна Сурган
7. Татьяна Шуликова

Торжественная церемония чествования новых «островитян» по традиции пройдёт в ТЮЗе 3 апреля 2020 року. А до этого – читайте на АТС подробные  рассказы о каждом из лауреатов.

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

 О проекте
Цель и миссия «Культурного острова» состоит в популяризации творческого отношения к жизни. Ежегодно на Остров «заселяются» семь новых жителей из числа персоналий или коллективов, вносящих существенный вклад в создание творческой атмосферы Сумщины. Отбор новых «островитян» проходит в два этапа. Сначала все лауреаты минувших лет подают в оргкомитет кандидатуры будущих номинантов, и из них составляется лонг-лист. Затем, на втором этапе из этого лонг-листа всеобщим голосованием выбирается семёрка новых «жителей» Острова.

Презентация лауреатов проходит в формате яркого и красочного шоу. Каждый новый житель получает символический диплом в виде «визы», дающей право на въезд и пользование всем ресурсами «Культурного острова».

Кроме того, о каждом лауреате подробно рассказывается в публикации на медиа-портале АТС. Ознакомившись с материалами, посвященными лауреатам «Культурного острова» всех лет, любой человек получает возможность увидеть, какая насыщенная и разнообразная культурная и творческий жизнь бурлит на Сумщине.
Организаторы и партнёры
Проект задуман и реализован «Агентством творческих событий» (директор Игорь Касьяненко) и медиа порталом АТС (главный редактор Лариса Ильченко). В 2019 году партнёрами проекта стали:

— Управление культуры Сумской ОГА

— Сеть салонов и центров зрения  «Оптика 1.0» — opticgrad.com

— Сумская торговая группа

— Магазин зернового и меленого кофе «Смачна кава» — smachnakava.com

— Школа макияжа и причёсок Юлии Дяговченко

— Центр компьютерных технологий Сум ДУ

Лауреаты всех шести сезонов арт–медиа проекта «Культурный остров»

Наталья Говорухина – фотохудожник. Номинация «Человек света»

«Музей денег и банковского дела» при Учебно-научном институте бизнес-технологий «УАБД». Создатель Сергей Тихенко. Номинация «Машина времени»

Василий Клименко — литератор,  художник. Номинация «Скрипка Энгра»

«Сад сходящихся тропок» Ирины Проценко. Номинация «Камерная  сцена»

Тамара Кубракова  —  арт-куратор. Номинация «Третий полюс»

Сергей Коноз и Анастасия Платонова – музыканты. Номинация «Природа не отдыхает»

Орест Коваль — арт-менеджер, музыкант. Номинация «Музыка вечна»

Александр Гвоздик – журналист. Номинация «Синемагия»

Дарья Безкостая — художник. Номинация «Добрая фея»

Дуэт «Два рояля» (Людмила Скрынник и Елена Антонец) – музыканты. Номинация «Команда»

Надежда Белокур — художник. Номинация «Сталкер»

Елена Алмазова – фотохудожник. Номинация «Ловец невидимок»

Номинация «Волонтёр». Учреждена для всех, кто бескорыстно помогает нуждающимся

Лариса Ванеева – руководитель Народного коллектива Украины дизайн-студии «ART’elь moda». Номинация «Зеркало фантазий»

Елена Гончаренко — этномузыколог. Номинация «Настоящее прошлое»

Вера Паненко — руководитель детского клуба туристов и альпинистов «Абалаковец». Номинация «Хранитель высоты»

Римма Миленкова — арт-куратор, художник. Номинация «Открытое сердце»

Евгений Фулеров – писатель, критик. Номинация «Кулинар слова»

Виктория Тимошенко – фотохудожник. Номинация «Фотомузыка»

Сергей Гуцан – создатель авторского музея. Номинация «Причал Одиссея»

Студия Данченко – художественная студия. Номинация «Живая вода»

Театр поэтической песни «La Chanson». Номинация «Единодушные единомышленники»

Анна Гидора – художник, арт-куратор. Номинация «Между небом и землёй»

Василий Чубур – поэт, переводчик, критик, редактор, преподаватель, философ. Номинация «Гармония мысли»
Ольга Козаченко – автор музыки.  Номинация «Стойкий оловянный солдатик»

Татьяна Нянькина – режиссёр. Номинация «Золотой ключик»

Антон Меженин – художественный руководитель Сумского областного академического театра драмы и музыкальной комедии им. М.С. Щепкина. Номинация «Большая игра»

Наталья Черкасенко  – художественный руководитель театра «Город С». Номинация «Венок Мельпомены»

Маргарита Сергиенко – краевед. Номинация «Достояние»

Ольга Ковалевская  – поэт, арт-менеджер. Номинация «Perpetuum Mobile»

Леонид Ильяшенко — врач, поэт, меценат. Номинация «Тихая сила»

Анна Черненко —  художник. Номинация «Волшебный фонарик»

Вадим Шерстюк – актёр Сумского областного театра для детей и юношества. Номинация «Рыцарь Прекрасной Драмы»

Надежда Юрченко – директор Сумского областного художественного музея им. Н. Х. Онацкого. Номинация «Собиратель жемчужин»

Александра Сокол — народная артистка Украины. Номинация «Символ эпохи»
Галина Паненко — руководитель образцового вокально-хорового коллектива «Мозаика» Сумского Дворца  детей и юношества. Номинация «Сердце хора»

Виталий Трикоз  – режиссёр народного драматического театра ахтырского районного дома культуры.  Номинация «Народный театр»

Тамара Герасименко — поэт. Номинация «Кастальский ключ»

Ольга Козаченко – автор музыки.  Номинация «Стойкий оловянный солдатик»

Ирина Гаршина – художник. Номинация «Через тернии к звёздам»

Валерия Рошкован  — волонтёр, руководитель Международного благотворительного фонда «Крылья Надежды» (город Конотоп). Номинация «Крылья Надежды»

Больше о каждом из лауреатов «Культурного острова» читайте здесь

Фото: Виктория Тимошенко и Алла Титаренко

В данной публикации  мы представляем лауреата в номинации «Стойкий оловянный солдатик» Ольгу Козаченко.

Ольга Козаченко родилась на Сумщине. Когда ей было семь лет, семья переехала на жительство в областной центр.  По окончанию школы училась в Шостке. После завершения учёбы работала в Сибири, где параллельно занималась альпинизмом и горным туризмом. Там впервые познакомилась с творчеством бардов.

А спустя три года вернулась в Сумы и стала одним из основоположников бардовского движения в нашем городе.

Была лауреатом многочисленных фестивалей авторской песни. Стала участницей ряда творческих проектов, напрямую не связанных с авторской песней.

Ольга Козаченко — композитор. Наделена от природы замечательным мелодическим даром. Пишет песни на стихи разных хороших поэтов – знаменитых и не очень. Активно выступает среди туристов, спортсменов, творческой интеллигенции, на вернисажах,  творческих встречах и благотворительных  акциях, часто являясь организатором последних. А также регулярно устраивает собственные сольные концерты, на которых всегда аншлаг.

Благодаря тому, что стихи становятся песнями, их узнаёт гораздо большее количество людей, что, естественно, стимулирует и вдохновляет стихотворцев на новые творческие свершения. Важно отметить, что Ольга Козаченко — единственный из композиторов, работающих в жанре авторской песни в Сумах, создаёт так много песен именно на стихи поэтов-жителей Сумщины. И таким образом, действительно, на практике вносит существенный вклад в развитие поэтического движения в нашем регионе.

Важным направлением её деятельности является работа с детьми в рамках проекта «Булатошки», а также создание различных музыкальных ансамблей.

Наши реалии таковы, что подавляющее большинство поэтов, бардов и художников  вынуждены творить вопреки жизненным обстоятельствам, в промежутках между  поисками хлеба насущного. А ещё в судьбе любого человека присутствуют разные форс-мажоры, болезни, прочие неприятности и беды. И как же здорово, когда рядом есть люди, своим личным примером демонстрирующие силу оптимизма, позволяющую замечать не только мимолётную тьму, но ещё, и в большей степени, — свет и радость Божьего творения, где, кроме красоты природы, существует и красота человеческих отношений, главными проявлениями  которой являются любовь и дружба. Об этом, собственно, и поёт в своих песнях Ольга Козаченко. А ещё о смысле жизни, о взаимоотношениях человека и Бога и о многом другом. Порой это звучит очень серьёзно, иногда с улыбкой или иронией – но всегда искренне и талантливо.

Название номинации  — «Стойкий  оловянный солдатик» —  аллюзия на известную сказку датского писателя Г. Х. Андерсена. В ней рассказывается о геройском игрушечном солдатике, который до конца,  невзирая на все невзгоды, сохранил своё — так и хочется написать «человеческое» — достоинство и свою любовь.

Ольга Козаченко сегодня — серьёзный  автор, написавший много хороших песен, которые звучат не только из уст  их сочинителя и не только в Сумах. По большому счёту, можно смело утверждать что она – в сумме всех своих  дел — является, безусловно значимым и уникальным событием сумской творческой реальности. Всей своей жизнью она доказала, что верность своему призванию позволяет человеку  не только оставаться собой в самых жестких внешних обстоятельствах, но и находить силы помогать людям и вести за собой других.

Все лауреаты арт-медиа проекта «Культурный остров 2019» здесь — В Сумах назвали лауреатов арт-проекта, посвященного творческой жизни Сумщины

Приглашаем на церемонию чествования новых лауреатов арт-медиа проекта «Культурный остров». Она состоится 3 апреля 2019 года в ТЮЗе, подробности читай здесь https://creativpodiya.com/posts/60715

Фото: Виктория Тимошенко

Всем лауреатам присваивается отдельная номинация. В этой публикации мы рассказываем о лауреате в номинации «Через тернии к звёздам» художнице Ирине Гаршиной.

Ирина Гаршина родилась в Сумах в семье музыканта и художника. Закончила Сумское музыкальное училище имени Д. Бортнянского по специальности «преподаватель сольфеджио и музыкальной литературы».

Затем некоторое время жила в Ленинграде, где параллельно с работой посещала курсы по основам изобразительного искусства. В дальнейшем самостоятельно освоила технику живописи, акварели и батика.

Иллюстрировала книги, изготавливала куклы и костюмы для театральных постановок. Имеет за плечами большое количество персональных выставок в Сумах, Киеве и за границей. В частности, в 2018-м году, кроме выставок в Сумах, прошли выставки в Киеве, в Требне (Словения) и Дюрене(Германия).

Ирина Гаршина — один из ярких современных представителей наивизма, который в последние сто лет получил признание, как отдельное эстетическое явление. В числе всемирно известных художников, работавших в этом стиле можно назвать Анри Руссо, Нико Пиросмани, Марка Шагала, Казимира Малевича и Анну Мозес.

Наивисты, как правило, самоучки и это позволяет им естественным образом выходить за рамки классического искусства и совершать открытия, к которым потом обращаются авангардисты, постмодернисты и художники-концептуалисты.

Ирина Гаршина сегодня — состоявшаяся личность со своим художественным методом и творческим космосом. Как и  положено представителю альтернативного искусства, она неудобна и неформатна. Даже в наше демократическое время случаются ситуации, когда её выставки запрещают, как это было с сумской выставкой «Розово-голубой период» в «Филантропе» в 2016-м году.

Читайте об этом событии в нашем материале:  В Сумах открылась выставка с элементами мягкого эпатажа

И тем не менее, её творчество популярно и востребовано. Работы Ирины Гаршиной находятся во многих частных коллекциях как в Украине, так и за рубежом. А главное, она каждый день работает с удовольствием и вдохновением, а это следствие внутреннего запроса и запаса уже случившегося внутри, но ещё невысказанного. Каждый настоящий художник переносит на полотна неисчерпаемые картины мира, уже существующего в его фантазии, постоянно дополняя его новыми нюансами и деталями. Собственно говоря, этим и заполнена сегодняшняя повседневность художницы Ирины Гаршиной.

Название номинации — «Через  тернии к звёздам» — исчерпывающе характеризует творческую биографию Ирины Гаршиной. Жить в провинции и заниматься искусством, которое более востребовано в столицах и заграницах, крайне сложно. Но если у творца есть внутренний стержень и собственный художественный мир, то все препятствия, моменты официального непризнания и бытовые сложности уходят на второй план. Остаётся только чистое творчество, которое прекрасно и бездонно, как звёздное небо.

Все лауреаты арт-медиа проекта «Культурный остров 2019» здесь — В Сумах назвали лауреатов арт-проекта, посвященного творческой жизни Сумщины

Приглашаем на церемонию чествования новых лауреатов арт-медиа проекта «Культурный остров». Она состоится 3 апреля 2019 года в ТЮЗе, подробности читай здесь https://creativpodiya.com/posts/60715

Фото из личного архива

В этой публикации мы расскажем о лауреате в номинации «Народный театр» Виталии Трикозе.

Виталий Трикоз – режиссёр народного драматического театра КУ РДК (Ахтырка)

Родился и живёт в городе Ахтырка. Учился в местном ПТУ  на тракториста. Однажды попробовал выступить на лицейском конкурсе юмора в Доме Молодёжи.  Выступление понравилось и выступающему и публике. Сразу же после конкурса зашёл в Дом Культуры, поинтересоваться, есть ли там  драмкружок.  Оказалось,  что есть и так Виталий Трикоз стал актёром детского драматического театра под руководством Татьяны Ивановны Акименко. Первой ролью во взрослом Народном театре был Юш в спектакле «Женитьба Бальзаминова».  Так пришла любовь к искусству театра, которая  во многом определила дальнейшую судьбу.

После службы в армии работал сантехником, а в свободное время  постоянно играл в Народном театре, молодежном театре «Чудаки» и драмтеатре. Там увидел и почувствовал на себе  работу двух замечательных режиссёров: Татьяны Акименко и Татьяны Лысенко. Вскоре закончил заочно режиссерский факультет Сумского училища культуры им Д.Бортнянского.

Первой самостоятельной режиссёрской работой  Виталия Трикоза стал спектакль «Фараоны» по пьесе классика современной украинской драматургии Алексея Коломийца. Спектакль оказался успешным, премьера  на сцене ахтырского РДК прошла с аншлагом. Затем были спектакли:   «Деревья умирают стоя» по пьесе  Алехандро Касона и «Инкогнито», по мотивам произведения Н.В. Гоголя » Ревизор».

Сегодня  режиссура стала для Виталия Трикоза основной профессией. Параллельно с работой он учится заочно  в Харьковской государственной академии культуры. Учеба в академии дает ему те навыки и умения, которые помогают ещё  больше раскрыться как творческому человеку.

Актёры его воистину народного театра — это люди разных  возрастов и профессий — от домохозяек до учителей и инженеров. После репетиций, труппа вместе с режиссёром нередко собирается, чтобы поговорить — общение дает вдохновение на дальнейшую работу. Вместе обсуждаются будущие  спектакли, ребята высказывают свои идеи, которые часто воплощаются на сцене.

Несмотря  на активное присутствие в жизни современного человека телевидения и интернета, искусство театра продолжает быть актуальным. По словам Виталия Трикоза, театр сегодня нужен  людям для духовного развития. Он помогает зрителю посмотреть на себя со стороны и увидеть бытовые (и не только) проблемы, на которые в обыденной жизни человек внимание не обращает.

Название номинации — «Народный театр» — отражает суть жизненной реализации  Виталия Трикоза. Он режиссёр во всех смыслах народного театра, где играют люди, которых  с искусством Мельпомены связывает только любовь — искренняя и бескорыстная. Он и сам такой – молодой, но уже опытный,  прошедший АТО, сознательно выбравший нынешнюю профессию и постоянно  совершенствующийся в ней, ищущий, черпающий  вдохновение в окружающей жизни, настроенный на творческое сотрудничество со своими актёрами и зрителями  и растущий  вместе с ними.

Все лауреаты арт-медиа проекта «Культурный остров 2019» здесь — В Сумах назвали лауреатов арт-проекта, посвященного творческой жизни Сумщины

Приглашаем на церемонию чествования новых лауреатов арт-медиа проекта «Культурный остров». Она состоится 3 апреля 2019 года в ТЮЗе, подробности читай здесь https://creativpodiya.com/posts/60715

Фото из личного архива

В этом материале мы расскажем о лауреате в номинации « Сердце хора» Галине Паненко.

Галина Паненко — отличник образования Украины, руководитель образцового вокально-хорового коллектива «Мозаика» КУ Сумской Дворец детей и юношества.

Родилась в городе Новошахтинск, Ростовской области.  С детских лет вместе с родителями жила в Сумах. Окончила музыкальную школу по классу фортепиано, а затем музыкально-педагогический факультет СумГПУ и магистратуру СОИППО. Работала учителем музыки в сумской средней школе № 17. Затем преподавала в педагогическом университете методику музыкального воспитания, где стала организатором олимпиад среди будущих учителей музыки. В этот же период занималась вокально-хоровой работой в сумской средней школе № 24.

С 2010 года работает руководителем хорового коллектива «Мозаика» при Сумском ДДЮ. За это время образцовый вокально-хоровой коллектив стал лауреатом множества городских, областных, всеукраинских и международных конкурсов, которые проходили в Сумах, Харькове, Одессе, Чернигове, Днепре, Львове, Ужгороде, Полтаве, Горишних Плавнях, Киеве, Скадовске, Ивано-Франковске и Миргороде.

В 2014-м году впервые состоялся и прошёл с огромным, не детским успехом большой концерт «Мозаики» в сумской филармонии. Читайте о нём в публикации: В сумской филармонии пели ангелы

Кроме музыкального дара, необходимо отметить и незаурядный организационный и креативный талант Галины Паненко. Она умеет не только учить, но также вдохновлять и мотивировать. Уже три года по её инициативе  в Сумах проводится фестиваль детских вокальных коллективов. Начавшись как городской, в этом году он станет всеукраинским. Видя очевидные успехи и увлечённость детей, в работу коллектива активно включаются родители, не только оказывая важную материальную помощь, но и даже участвуя в концертах.

Сегодня  в «Мозаике» учатся искусству хорового пения молодые люди от 5 до 20 лет.  За это время различными поколениями «мозайчат» разучено и спето около 600 (!!!) песен.

В репертуаре хора, наряду с песнями на украинском языке, присутствуют композиции на английском, французском, итальянском, латыни и других языках.

Первое и главное впечатление, которое испытывает каждый, кто слышит пение воспитанников Галины Паненко – это ощущение приобщения к лучшим достижениям мировой культуры. Она во всём – от вокального мастерства, порой удивительного для детей такого возраста, до поведения на сцене.

Метафорическое название номинации – «Сердце хора» — точно отображает суть той роли, которую играет Галина Паненко в руководимом ею коллективе. Хор — это прекрасный опыт согласия и социального сотрудничества. Пение в хоре  развивает эстетическое начало. Оно полезно для здоровья и развития интеллекта. Не зря же у древних греков слово «необразованный» было синонимом выражения «не умеющий петь в хоре». Хороший хор похож на единый организм, где каждая часть выполняет свою важную функцию ради достижения всеобщей гармонии.  А руководитель хора – это и есть его сердце. Пока оно бьётся – хор звучит.

И жизнь продолжается. Разучиваются новые песни, записываются диски и даже снимаются клипы.

Все лауреаты арт-медиа проекта «Культурный остров 2019» здесь — В Сумах назвали лауреатов арт-проекта, посвященного творческой жизни Сумщины

Приглашаем на церемонию чествования новых лауреатов арт-медиа проекта «Культурный остров». Она состоится 3 апреля 2019 года в ТЮЗе, подробности читай здесь https://creativpodiya.com/posts/60715

Фото: Юлия Дудник

В сегодняшней публикации мы представляем лауреата в номинации «Символ эпохи» Александру Сокол.

Александра Сокол родилась на хуторе Мелешковка Недригайловского района Сумской области. Школьные годы провела в городе Ромны, где активно участвовала в различных кружках, в том числе хоровом и театральном.

В 1967 году, после завершения учёбы в Харьковском институте культуры, поступила в сумской театр им. М. Щепкина, где служила до 2001 года. С самого начала карьеры сыграла несколько острохарактерных ролей, что было замечено и оценено театральной критикой самого высокого уровня. Мастерски владеет искусством перевоплощения, что является элементом «высшего пилотажа» в актёрской профессии. В 1980 году в 36 лет получила звание заслуженной артистки УССР за блестящее исполнение роли 80-летней  старушки в спектакле «Восемь любящих женщин» по пьесе Робера Тома. В 1999 году  Александре Сокол было присвоено звание народной артистки Украины.

После 2001 года и по сей день служит в сумском Театре для детей и юношества, успешно объединяя в работе актёрство и режиссуру. Всего, за свою актёрскую карьеру, сыграла более 150 ролей в различных спектаклях.

Александра Сокол относится к достаточно редкой для провинции категории актёров-интеллектуалов. Она постоянно работает над собой, много читает и через чтение серьёзной художественной литературы — прозы и поэзии — наполняется той мощной творческой энергетикой, которая  вместе с её замечательным природным даром делает её работы столь запоминающимися и многоплановыми.

А ещё Александра Михайловна — прекрасная рассказчица. Большая, ставшая судьбой, жизнь в театре  наполнила её огромным количеством разнообразных театральных историй, баек и легенд. И не только театральных, ведь театр, при всей своей элитарности, существует не отдельно, а живёт и изменяется вместе с обществом. Читайте об этом подробнее в нашем материале: Александра Сокол. «Легенда о Щепке».

Название номинации  — «Символ эпохи» — является буквальной характеристикой человеческого и профессионального значения Александры Сокол для творческой среды Сумского региона. В любые – сложные и простые времена она была и остаётся примером верности своему делу, бескомпромиссности, честности и любви к зрителям.

Отдельным талантом Александры Сокол является пение. Незаурядные вокальные данные, в сочетании с актёрским мастерством, делают изысканным и неповторимым исполнение ею романсов и песен, написанных на стихи из ряда «высокой поэзии».

Все лауреаты арт-медиа проекта «Культурный остров 2019» здесь — В Сумах назвали лауреатов арт-проекта, посвященного творческой жизни Сумщины

Приглашаем на церемонию чествования новых лауреатов арт-медиа проекта «Культурный остров». Она состоится 3 апреля 2019 года в ТЮЗе, подробности читай здесь https://creativpodiya.com/posts/60715

Фото: Наталия Говорухина