Самира Янушкова – украинская художница, известная на весь мир своими акварелями. Вразрез с классическим пониманием работы в данной технике, Самира использует в качестве основы для произведений бумагу из хлопка. А краски из ценных пигментов только подчеркивают отношение художницы к своей работе.

В своем творчестве Самира обращается к жанру пейзажа и портрета, однако почетное место среди ее работ занимают натюрморты и бытовые зарисовки, выхваченные из повседневности взглядом человека, который больше всего любит жизнь и наслаждается каждым мгновением. Чеснок, яблоки или старый бидон, в акварелях Самиры все они воспеты с невыразимой нежностью и любовью.

Когда-то эти вещи были частью детского мира, их озаряло солнце и улыбки близких людей. Прошло время, исчезло гудение пчел и аромат домашней еды, кого-то из близких больше нет рядом. Но осталась любовь. Настоящая, безграничная способная возродить цвет, звук и аромат. Способная вернуть время и оживить воспоминания.

«Мой дом – это моя планета, моя страна, мой народ. Когда понимаешь это, тогда осознанно начинаешь любить свою культуру, традиции, язык, всю страну, оберегать и сохранять все, что с ней связано. Любовь начинается с простого домашнего яблока и разрастается до украинских казаков, истории и культуры. А солнце помогает – оно для всех, одно, наше», – говорит художница.

Работы Самиры – воплощенные в цвете чувства и эмоции. И каждый найдет в них свое собственное убежище от жизненных невзгод, свои двери к теплым детским воспоминаниям.

Самира Янушкова (род. 1981, Одесса). Закончила Днепровский театрально-художественный колледж (2003; специализация – декоративно-прикладное искусство) и Днепровский национальный университет имени Олеся Гончара (2008; кафедра украинской филологии и искусствоведения). Дипломированный акварелист. С 2018 – активный участник выставок, арт-ярмарок и фестивалей художников акварелистов областного, всеукраинского и международного уровня. Среди них – Международная выставка акварели (Украина, 2018), 1-й международный фестиваль акварели IWS Czech Republic (2018), Art Zurich (2019) и Our Wonderful World (2020). Участник IFAM Global, «Мир современной акварели» (2021). Заняла первое место в онлайн-конкурсе «Golden brush» «Love. Peace & Tolerance through Art» на Международном акварельном фестивале от Международного акварельного сообщества Турции (IWS Turkey) в Измире. Победитель всеукраинских и международных конкурсов, обладатель около десяти Специальных наград в Международных выставках-конкурсах. Член Международной ассоциации акварелистов IWS (с 2020). Член Национального союза художников Украины (с 2021). Вошла в список 100 лучших художников США (2021). Работы Самиры экспонируются во многих странах мира: Украине, России, Франции, Италии, США, Швейцарии, Малайзии, Вьетнаме, Турции, Индонезии, Болгарии, Финляндии, Мьянме, Румынии, Японии, Чехии.

Выставка Самиры Янушковой «Цвета солнца» пройдет в арт-галерее «Мануфактура» с 26 февраля по 28 апреля 2022 года.

Вход свободный!

Адрес: Обуховское шоссе, 2
Время работы: ежедневно с 11.00 до 19.00
Информация по тел.: +38 (044) 200-9747
E-mail: pr.art.manufactura@gmail.com

От его работ веет умиротворенностью и покоем. Основным героем его полотен является природа. Но это сегодня. А начиналось всё совсем иначе:

«Я помню, как лежал в больнице, когда мне было пять лет, и, чтобы облегчить скуку длительного пребывания (которая казалась бесконечной, я помню), я проводил время за рисованием. На мои работы было много положительных отзывов из школы и от родителей, которые увидели во мне талант. Эти отзывы сыграли роль искры, которая зажгла огонь, горящий во мне и поныне….» — рассказывает о своём приходе в живопись Ричард Торн.

По его словам, вначале он рисовал  «как сумасшедший» всё, что мог представить: пиратов, галеоны, рыбацкие лодки, военные самолёты, танки, линкоры и прочее. Любимым спортом молодого Ричарда был спидвей. Он сделал сотни рисунков мотоциклистов, каждую неделю пропадая на соревнованиях вместе с одноклассниками.

А параллельно появилось серьёзное увлечение музыкой.

Родился Ричард Торн в Девоне (Devon) в 1952 году. Его юность совпала с временами расцвета блюза и молодого рока. С 12 лет он уже играл на гитаре в школьных группах и затем в художественном колледже. Их репертуар составляли, как сейчас говорят, кавера песен таких легендарных исполнителей, как  John Mayall’s, Bluesbreakers, The Animals, The Kinks, The Beatles, the Who, BBKing, Eric Gale, Clapton, Hendrix и других. К слову, Ричард Торн левша, как и Пол Маккартни.

Вернувшись в родной город, и так и не закончив курс в художественном колледже из-за увлечения музыкой, Ричард продолжал занятия ею и, в итоге, пришел к джазу.

Больше о джазе: Шарль Делоне. Джазовый эксперт и мифотворец

«Я написал мелодии почти во всех диапазонах от блюза до фанка и R & B. А потом меня увлёк латинский джаз. Я собрал джаз-трио «Ragged Fish «, которое со временем переросло в квартет, и мы начали играть хорошо известные латинские и босса-мелодии. Потом стали сочинять сами. К сожалению, из-за финансовых проблем и малого числа концертов группа потеряла импульс. В настоящий момент я продолжаю писать и записывать свои мелодии, и с нетерпением жду возобновления проекта на каком-то новом этапе….» — так описывает свою музыкальную карьеру Ричард Торн.

Иными словами, вначале было много драйва и ритма. Откуда же взялись акварельные пейзажи?

Как утверждает сам художник и музыкант, ему повезло и судьба сделала за него выбор сама.

«Я был достаточно удачлив, потому что Torquay Gallery взялась покупать большую часть моих работ. Одна из моих картин была подарена ​​принцессе Майкл Кентской, когда она выразила заинтересованность в ней на  Devon County show. Это было благом для моей карьеры и побудило продолжить работу дальше. А несколько лет спустя мне посчастливилось встретить Алистара Уолтона, который стал моим покровителем, коллекционером и другом. Он познакомил меня с Джоном Робертсоном в Bourne Gallery в Райгейте, где прошло много моих выставок», —  говорит Ричард Торн.

Таким образом, гитарист, который в 19 лет жил в Лондоне  «между голодом и гедонизмом», а также между музыкой и живописью, к 30-ти годам обрёл свою творческую стезю и ступил на путь акварелиста.

Ещё  про культуру Англии: Топ 15 знаменитых литературных героев, которых придумали англичане

И  всё  же почему именно пейзажи? И тут уместно привести ещё одно детское воспоминание художника: «Поездки на выходные с семьей в Дартмур (национальный парк Великобритании) и по различным селениям страны (как правило, в поисках паба)  дали мне много ландшафтных впечатлений. Эти, впитанные в детстве образы скал и потоков, привели меня к пониманию моей сроднённости с природой и ландшафтом…»Может быть, благодаря столь бурной молодости и разделённости между музами двух искусств, Ричард Торн и стал не классическим акварелистом, а экспериментатором и новатором.

О сложной и оригинальной технике, используемой им, читайте и смотрите много работ Ричарда Торна в материале: Ослепительный Richard Thorn

Экспозицию составили 19 работ, выполненных в жанре акварели, которые были созданы в период с 2011 по 2017 годы.

Кроме мастерства и самобытной авторской техники, творения Александры Трегубовой впечатляют удивительной, похожей на музыкальную, балансировкой на грани яви и фантазии. Их одновременно можно считать абстракциями и видеть в них конкретные образы — фрагменты цветущего сада или части натюрморта, например. Как говорит сама художница, она рисует по памяти, отсюда и такое переплетение деталей реальности с антуражем миров, созданных воображением автора.

Перед каждой из акварелей Александры Трегубовой можно стоять долго и, чем дольше время контакта, тем глубже и богаче раскрывается тайна каждой картины, тем больше удаётся увидеть в ней настроенному на сотворчество зрителю.

А ещё работы Александры Трегубовой будто бы заряжены светлой позитивной энергетикой, по крайней мере,  глядя на них, испытываешь ощущение, что практически любую хочется повесить дома, то есть безбоязненно и с удовольствием пустить её энергетику в своё интимное частное жизненное пространство.

Вернисаж выставки в галерее прошёл в присутствии многочисленных зрителей: искусствоведов, художников и представителей творческой интеллигенции города.

В качестве креативной ведущей события, удачно создававшей тёплую дружескую атмосферу общения выступила куратор выставки, студентка 2-го курса специальности «Менеджмент социокультурной деятельности» Юлия Салай.

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

Фото: Лариса Ильченко

Он родился в 1967 в городе Омске, окончил Крымское Художественное училище, бросил ВГИК, два года отучившись по курсу «Анимация». А с 1991 года занимается только творчеством, работает только акварелью и живет на два города — Москву и Севастополь.
Работы Аруша Воцмуша, выполненные в сложнейшей технике акварели, отличаются безупречным цветовым решением, виртуозным соединением фактуры и линии. Сюжеты картин наполнены тонкой иронией и игрой.

«Есть такое слово — „конфликт“: когда ты видишь нечто удивительное, заставляющее твои внутренние колесики поворачиваться в правильную сторону. Хороший конфликт, „с мурашками“ — это интересно. А мурашки могут быть от чего угодно: от холодной воды, от праздника, от того, что вдруг нечто почувствовал как в детстве — когда впервые удивился и внутри тебя заиграло… Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я, в первую очередь, получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо». Аруш Воцмуш

В съемные комнаты.

Восьмой день, воскресение.

Кресло, подброшенное ногой

Летучая рыба. Со шлепком

Ливерпульские жуки, Венеция

Хорошая компания

Ты все делаешь правильно

Баю-баюшки-баю, не ложися на краю

Узнали

Чебуреки и джаз!

Что, тетенька, подвел тебя дяденька?

Великан на колесиках

Водомерка

Жарко в шубе

Да, это Они

Дерево с абрикосовой корой

Какая ты романтичная, да и я пожалуй тоже — обращение второй рыбки к первой

Лучше не будет, а лучше не надо

Ляпота

На волне

Она снова влюбилась как дура

Рубль на эскимо

А мне хорошо.

Даже не мечтай

Развалился каменный снеговик

Экзю Пери, резиновый Слон и дети Маленького Принца

Оливковое дно

Слышится песня

Шухермастер

Идём купать слонов!

Я иду спать, а все — на работу

Мост над куполами

Сегодня на «Муссоне» снова выходной

Ершик проглотил, таки, Компас

Штормовое предупреждение

Жара в городе

Рыбалка на Бали

Улица с заманчивыми предложениями

Адольф Гитлер начал рисовать в 1908 году с переездом в Вену. Он был дважды отчислен от учебы в Венской академии искусств, но имел влиятельную поддержку в лице арт-дилера Сэмюэля Моргенстерн. Моргенстерн удалось продать этот и еще несколько произведений Гитлера в еврейских художественных кругах Вены.

 Ранее мы писали: «А царь-то — ненастоящий!»

Адольфу Гитлеру пришлось закончить с творчеством в 1913 г., когда он попал в Мюнхен. А Моргенстерн во время Второй мировой войны был депортирован в гетто в Лодзи, где и умер в 1943…

Источник: artukraine.com.ua

Цього разу свою експозицію художник присвятив світлій пам’яті дружини, художниці Галині Олександрівні Михайличенко (1947-2011). І саме тому він написав три різні за настроєм та психологічним станом її портрети.

 Народився майбутній художник в м. Чирчику Ташкентської області (Узбекистан). Закінчив живописне відділення Ташкентського республіканського художнього училища ім. П.П. Бенькова (1968), потім навчався у Ташкентському театрально-художньому інституті ім. О.М. Островського (1974). З 1993 р. живе і працює в Сумах як сценограф, аквареліст та станковий живописець. Лауреат Державної премії Узбекистану ім. Хамзи. Член Спілки художників з 1980 р. Учасник обласних, республіканських, всесоюзних і зарубіжних виставок. За роки перебування в Україні ним було представлено вісімнадцять персональних виставок, насамперед у Сумах, Києві та Санкт-Петербурзі.    

 Сумщина відіграла особливу роль у творчій реалізації Віктора Костянтиновича. Як уже зазначалося, паралельно з основною роботою театрального сценографа В. Михайличенко присвятив свою творчість акварелі. Якщо театр для художника став головною  професією, то акварель – покликом його душі. Так, кольорові начерки певного мотиву перетворюються у закінчені композиції-картини, яких може бути по кілька варіантів, і кожен – неповторний. Бо акварельні малюнки можна тільки переписати на новому аркуші, на відміну від олійних фарб.

Художник пише так, ніби співає свої пісні-роздуми. Він не приховує своє щире захоплення від побаченого, що сприймається з глибоким відчуттям вдячності перед природою («Дощ пройшов», «Рибалка на Пслі»). Велика кількість написаних творів не зупиняє митця, який стверджує, що він ще не вичерпав усі свої художні можливості.

Його акварелі можна розподілити на мотиви з водоймами («Озерце після дощу», «Човен серед верб»), дорогами, містками («Віддзеркалення», «Відлига»), порами року. Один і той же пейзажний вид повторюється у різних варіантах у будь-яку годину дня. Виокремити по красі чи емоційному відчутті ці аркуші неможливо, бо кожний представляє глибокий психологічний образ природи.

Творам Михайличенка притаманна вільна широка манера, що поєднується з деталізацією та перспективною глибиною («Осінь на Сеймі», «Осіння алея»). Творчий діапазон коливається від етюдності нескладних, скромних мотивів – до художньої завершеності розлогих панорам ландшафту («Весна»). У ліричних пейзажах («Калина», «Квітень») відчутні ноти настроєвого відношення до природи. Виразна скупість кольору органічно поєднується з логікою просторових рішень. Акварельні натюрморти («Хризантеми у вазі», «Бузок в ганку») позначені і майстерністю виконання,  і глибоким розумінням природи, виявленням у ній загальнозначимого.

Вернісаж експозиції  —  7 жовтня о 15.00.  Виставка працює щодня, крім п’ятниці  з 10.00 до 16.00

«Негода» Олександра Трегубова

Акварельні мелодії Олександри Трегубової

У виставковій залі Сумської організації Національної спілки художників України представлено виставку «Акваторія кольору Олександри Трегубової» присвячену до Міжнародного дня художника (понад п’ятдесят творів).

Олександра Іванівна Трегубова – є членом Національної спілки художників України, наслідком успішної творчої діяльності (нажаль пізньої), стали її персональні виставки, першою з яких була у 1997 році.

А путівку у складний і прекрасний світ мистецтва вона отримала в Сумській художній студії під керівництвом М.Д. Бончевського, а потім – відомого живописця та графіка В.О. Смирнова. Після закінчення Харківського художньо-промислового інституту, повернулась до Сум, де живе і працює й до сьогодні.

За фахом вона художник-дизайнер, все своє життя працювала в Сумському рекламному комбінаті з дизайну друкованої продукції, яку виконувала професійно і творчо. Олександру Трегубову сумчани знають по багатьом її персональним  виставкам та участі у різноманітних виставках сумських митців. Її роботи привертають увагу завдяки незвично образному погляду на речі, високим ставленням до об’єкту зображення і культури виконання, які варті значних презентацій і є гордістю нашого краю.

Високопрофесійні роботи художниці уособлюють глибокі знання і досконале володіння різноманітними художніми техніками, насамперед, графіки, з якими вона увесь час експериментує: це – акварель, вугіль, туш, олівець та ін. У чорно-білій графіці втілена духовна спадщина естетичних ідеалів митців-шестидесятників і нонконформістів.

Художниця досить вибаглива до себе і своєї творчості, вона пише більше серцем, ніж розумом на папері чи полотні і ніби „грає” кольором, залишаючи відчуття яскравого сонця, подиху вітру, прохолоди вранішнього світла і надвечір’я. Її роботи мають особливий духовний стан, які виникають на папері чи полотні немов вірші або красива музика. Лінія та пляма в її творах поєднані в абсолютній гармонії („Яблука на снігу”, „Симфонія кольору”). Поступово від фігуративних прозорих натюрмортів та пейзажів художниця перейшла до складних духовно-метафізичних композицій, які перегукуються з традиціями авангардного мистецтва початку ХХ ст.

«Натюрморт з вишнями» Олександра Трегубова

«Зимова фантазія» Олександра Трегубова

Пошуки виразних форм віднайшли втілення і в олійних творах, у несподівано новій для художниці техніці. В них є все: і художній смак, і знання матеріалу, і духовна гармонія. Її твори відрізняються надзвичайною вишуканістю. Багато значить для художниці певна тональність роботам („День варення”, „У парку”), що створюють відповідний до задуму настрій. За своєю духовною суттю вони є позачасовими відображеннями мотивів природи, з особливим художнім „генетичним кодом”, у якого не можна запозичити чи навчитись. Її мистецтво наповнене складною високою поезією краси, де втілені кращі традиції авангардних течій. Відштовхуючись від реалій фізичного плану, художниця відтворює свої понадсвідомі почуття. В кожному творі присутній неповторний миттєвий подих, свого роду портрет душі художниці, люблячої, привітної і щирої.

Більше робіт Олександри Трегубової можно побачіти тут

і на виставці (вул. Петропавлівська, 47), яка працює до 8 жовтня 2014

Искусству необходимо добиваться внимания зрителя.

Музыканту, чтобы заставить слушателей сопереживать своей музыке, надо усадить их в удобные кресла и договориться, что у него есть час-два времени, когда слушатели никуда не спешат. То же самое — с поэзией и живописью. Картины, как и стихи, понимаются не сразу. Но если отыскать время для установления контакта с произведением искусства, постоять, посмотреть, то в душе обязательно случится отклик. Произведение искусства – это иной мир, в который зрители на время переезжают из мира обыденного. Причём переезжают полностью, как автор во время создания, то есть хоть на миг, —  но со всеми чувствами, смыслами  и фантазиями. А без переезда — ничего не поймёшь и не почувствуешь.  

Даже с человеком так бывает — знакомишься с ним быстро, а потом долго понимаешь — какой он там, под внешней оболочкой. В принципе, любой может раскрыться и в нём отыщется нечто интересное, но чтобы с ним побыть рядом, надо за что-то зацепиться. Так и с произведением искусства. Оно или цепляет сразу, или отталкивает. Оба варианта хороши. Главное —  чтобы не оставляло равнодушным.

Вот примерно такие мысли витали в воздухе на открытии выставки акварелей художницы из Ивано-Франковска Татьяны Павлык «Криниця для спраглих», которая на период с 11 декабря по 12 января расположилась в одном из залов Сумской городской галереи. К слову, в Сумы со своей экспозицией Татьяна Павлык приехала сразу после выставки в Киеве.

Первое и непрекращающееся до конца пребывания в выставочном зале впечатление —  эти картины, эти огромные, живые, как говорили многие, акварели «цепляют» и не отпускают, заставляют в себя всматриваться, зовут  в свои миры, к своим событиям и тайнам. И ты начинаешь ходить от одной к другой, и вдруг выясняется, что они не похожи друг на друга. Ну, кроме явных серий. Художница во время своего вступительного слова сказала, что на выставке представлены работы разных лет. И это заметно. Картины отличаются по технике исполнения и тому, как автор  видит мир. Зрителей на открытие собралось  много,  причём большинство — с улыбками и радостью и очень многие – с восхищением. И автор такая же  — она сказала, что приехала, потому что ей важно дарить, отдавать, практически повторив  прозвучавшую тут же за день до этого мысль Ады Роговцевой.

Среди публики было много фотохудожников — Татьяна Павлык ведь не только член Национального союза художников Украины с 1999 года, но с 2005 года ещё и член Национального союза фотохудожников, хотя, это очень разные искусства и если фотографии ближе поэзия, то живописи – музыка. Но вот ей как–то удаётся сочетать.  

И мы все: художники, фотохудожники, поэты, музыканты долго ходили по залу, всматривались в  эти акварели, которые действительно не отпускают, и каждый находил там что–то своё. Выставка ещё развешена так мастерски, что вроде бы ты несколько раз уже прошёл мимо этого места и  ничего, а потом  — раз и как бы ниоткуда выплывает очаровывающая тебя картина, и ты удивляешься —  как я раньше её не заметил? Думаю, что тут дело не только в размещении, а ещё и в том, что зритель постепенно привыкает к языку художника и начинает видеть больше, как лучше понимает окружающих  иностранец после долгого пребывания в иноязычной стране.

Продолжая этот субъективный репортаж, который, разумеется, не претендует на искусствоведческий анализ (а вот на эмоциональный и творческий —  как раз претендует), скажем, что в какой-то момент показалось, содержание  картин — не главное — зритель вилит на них  не то, что изображено, а особое сочетание красок и линий, объединённых в некий тайный и увлекательный сюжет, смысл которого хочется разгадывать, вглядываясь в картину. Примерно такое же ощущение возникает, когда наблюдаешь лёжа на спине где-то в поле, за влекомыми ветром облаками, которые всё время перестраиваются, создавая различные изображения.

 Однако одна картина оказалась понятной сразу и навсегда. И хотя художница утверждала, что ей дороги все, но выставку она назвала именно по имени этой картины. А автор этого репортажа вдруг вспомнил и удивился, глядя на эту «криницю для спраглих», тому, что у него есть песенка, уже много лет назад написанная с группой Н.ТРИ. Кажется, что сочинитель её видел перед глазами именно эту картину, а Татьяна Павлык слышала именно эту песню. Но эти встречи случились не на Земле, а в том творческом  космосе, где возле того самого колодца для жаждущих и происходят настоящие встречи, о которых мы тут только вспоминаем… 

Якби я міг знати, навіщо я тут,

Я навіть у скруті не кинув би ноші.

Мене б не морочили речі та гроші,

Якби я міг знати навіщо я тут.

Я йшов повз фортеці, кремлі та рейхстаги,

Читав про героїв та їхні звитяги,

Я жив там де кожен сусіда пасе.

І хто мені скаже: Навіщо це все?

І хто мені скаже, де є та криниця,

З якої п’ють разом зоря та жар-птиця,

Де знають і радість мою і біду

І дуже надіються, що я прийду.

Якби моя спрага від Бога була,

Я вийшов би в поле і пив би блакиті,

І дякував кожній росині та миті,

Якби моя спрага від Бога була

Я бачив, як ходять світ за очі люди,

Шукаючи те, що є скрізь та усюди.

Блукають проспектами, мчать по шосе.

Та хто мені скаже: Навіщо це все?

І хто мені скаже, де є та криниця,

З якої п’ють разом зоря та жар-птиця,

Де знають і радість мою і біду

І дуже надіються, що я прийду.

Якби я кохану насправді любив,

Я пестив би всі її примхи та вади, 

І ми б навіть голі дали собі ради,

Якби я кохану насправді любив

Я був на весіллях, де п’яні музики

Лабають 7-40, а гості, як дикі — 

То б’ються, то глохнуть від власних пісень…

І хто мені скаже: Навіщо це все?

І хто мені скаже, де є та криниця,

З якої п’ють разом зоря та жар-птиця,

Де знають і радість мою і біду

І дуже надіються, що я прийду

Бо в чистому небі є щедра криниця,

Де тихої правди живая водиця,

Де знають і радість мою і біду

І всі сподіваються, що я прийду.

Песня «Якби я міг знати»

Сегодня, в дни холодные, и, можно сказать, в дни смуты, я решила отложить замысловатый и тяжеловесный Арт на недалёкое завтра, а порадовать свой и ваш глаз незатейливыми сюжетами  в исполнении английского художника-акварелиста  Ричарда Торна (Richard Thorn).  Своё творчество Ричард посвятил родному краю — Девону(Devon)- графство в юго-западной Англии, где он родился в 1952году и где живёт в настоящее время.  В этих  местах множество гаваней и  живописных бухт, особенно на южном берегу, развито рыболовство и кораблестроение.

Ричард, с пятилетнего возраста рисовал окружающий мир простым карандашом, а естественным продолжением  этого увлечения было появление у ребёнка акварельных красок, и тогда детский мир взорвался всеми цветами радуги и солнечным светом.

Ричард Торн быстро овладеет динамичной техникой, необычайно насыщенной цветовой палитрой и особым даром-передавать сияние дня, фотографическую ослепительность солнечных бликов, подсветку рефлексов. Во имя результата, мастер зачастую использует темперные белила. Все эти качества отличают Ричарда от большинства британских художников, последователей традиционной техники акварели. Да и наши мастера акварели вправе возмутиться: акварель и белила не совместимы. Но как же легко и непринуждённо  художнику удаётся оживить свои работы солнцем и ветром, используя разные приёмы! Благодаря своей способности – зажечь свет, Рихард Торн получил широкую известность, его картины пользуются успехом по всей стране. От себя отмечу: писать с натуры море –это особое удовольствие для художника. А море, оно и в юго-западной Англии – море.

От: Ира Проценко