Поэзия как источник вдохновения

Текст «Лестницы…» — это поэзия, а не тайное послание. И только поэтому он полон магии, алхимии и прочего волшебного колдовства. Роберту Планту удалось создать нечто неповторимое, исполненное символов, метафор и кажущихся аллюзий. Впрочем, почему только Планту? Джимми Пейдж вначале придумал музыкальную основу, которая, условно говоря, стала обитаемой планетой, где разворачиваются описанные в тексте события.

Но о поэзии. У Пруста в одном из романов цикла «В поисках утраченного времени» есть эпизод, когда две юные деревенские служанки находят тетрадку стихов главного героя и спрашивают у него, что это. «Стихи», – отвечает тот. «А мы думали, загадки», – искренне удивляются девушки. В этом ключ к факту наличия множества толкований «Лестницы в небо».

Метафорически говоря, она, как и любая настоящая поэзия, не вода из источника вдохновения. Она сама – источник вдохновения. И каждый, кто пытается объяснить её тайные смыслы, подтексты и намеки, на самом деле, в меру своего таланта, сочиняет новое стихотворение или поэтическое эссе о «Лестнице…»

То, что написано далее – тоже одна из множества возможных импровизаций на тему великой «Лестницы.» На этом и будем стоять.

От девушки до Девы

«Лестница в небо» — достаточно густонаселенная реальность. Вначале речь идёт о некоей леди, падкой на внешний блеск и настолько уверенной в себе, что для неё как бы не существует закрытых дверей. И ей кажется, что так она покупает себе «лестницу в небо».

Затем появляется второй герой – мудрая птичка на дереве, которая поёт о том, что иногда все наши мысли – заблуждение. Ей следует реплика рассказчика: «Ooh, it makes me wonder» — то есть, «Как интересно и непонятно…» В этот момент рассказчик тоже становится (уже третьим) героем песни, потому что у него возникает отношение к происходящему в его же рассказе.

И тогда он смотрит на запад и ощущает душевное смятение, и ему грезится лес и дым над лесом. И появляется четвёртый персонаж – волынщик или трубач (the piper), который – тут очень важно – «will lead us to reason» —  выведет нас к смыслу. Кого «нас»? Очевидно, что тех, кто его слушает. Таким образом, рассказчик объединяет себя и слушателей и делает число героев неопределенно большим.

Но и это ещё не всё. Будет новый день – продолжает рассказчик: «and the forest will echo the laughter» (лес отзовётся эхом смеха). Вот ещё один герой песни – лес со всеми его обитателям. А их много, судя по тому, что Плант поклонник Толкина, в лесу которого проживают и энты, и эльфы, и люди — в общем, в этот момент в песню входят жители миров, которых не счесть.

Но и это ещё не конец. Далее в песне возникает майская королева, занимающаяся своей весенней уборкой – то есть появляется языческая природа. И, как венец всего, — ещё одна леди, «who shines white light» — самый конкретный образ песни. Это Дева Мария. Та, которая знает, как превратить всё в истинное сокровище. Она и венчает эту перепись населения песни. И их жизни, не только материальной, но и духовной — ещё одного ристалища, где продолжается вечный бой добра со злом, ибо тут есть души и есть тени, которые соперничают с ними.

Что объединяет мир «Лестницы…»?

В тексте Планта есть несколько метафор, вокруг которых сосредотачивается сосуществование всех персонажей. Во-первых, это, конечно, сама «Лестница в небо». Трепетная лестница, которая лежит на шёпоте ветра – как вкусно сказано! Ясно, что под «небом» имеется ввиду рай в разнообразных его пониманиях. И туда (каждый в своём разумении) стремятся все, включая мудрую певчую птичку.

Во-вторых, метафора золота, раскрывающаяся как обобщение всего драгоценного, что есть у каждого из нас. Причём речь о настоящей цене, а не о кажущемся внешнем блеске.

В-третьих, волынщик или трубач, который нас куда–то зовёт. Его же слышит каждый, иначе бы мы никуда не стремились, не мечтали, а просто бы сели и сошли с ума от ужаса неизбежной смерти. Тут явно речь о надежде.

И вера тут тоже есть – и её воплощение Дева Мария… И любовь, иначе, чего бы рассказчик обращался к чужой ему леди?

А подытоживает и ещё раз скрепляет весь этот реально фантазийный космос хотя и не новая, но всегда свежая мысль то том, что «all are one and one is all» — то есть, все мы – человечество и не спрашивай, по ком звонит колокол…

О чём история?

«Лестница в небо» – наглядный пример интерактивного постмодернистского текста. Формально тут рассказывается о том, как некий влюбленный пытается убедить девушку, что именно его любовь — то, что она ищет. А по пути он в этом же убеждает себя. И чем дальше со всем этим разбирается, тем более населенным становится мир, созданный его любовью. Под конец – с явлением Девы Марии — над ним действительно раскрывается небо, и вся лестница обретает смысл.

Но кроме нарратива, тут наличествует ещё веер или лучше — лабиринт отсылов в различные области мировой культуры, которые создают глубину и объем и превращают мир песни в модель Творения, где герои уже могут действовать и без непосредственного участия автора. И в песне, и за её пределами.

Творец и творение

Интересно, что сам Роберт Плант поначалу не очень понимал, какой шедевр он сочинил вместе с Пейджем, называл эту песню «свадебной» и даже отказывался включать её в программу концертов. Это похоже на историю немецкого физика Макса Планка, хотя тот так до конца и не понял, что придумал, точнее, не смог это принять. А Плант, похоже, уже понял.

Вообще, сочинить шедевр – это и для гения чудо. Гениальных творений искусства много меньше, чем талантливых авторов. И «Лестница в небо» – как раз одно из таких чудес. Её создателям повезло, что она сочинилась у них. Ну и нам, конечно, тоже.

Наш партнёр: Студия гитарной аранжировки  Guitarproduction Studio

А главное – оно приносит счастье. Все слышали о том, что в музыкальном строе семь нот, в радуге семь цветов, и Бог создал мир за семь дней. Поэтому нужно семь раз отмерить, прежде чем отрезать и так далее.

Семь – это действительно про счастье?

Народ не обманешь.То есть в текущий момент, конечно, дурануть можно, чем и пользуются  политики всех эпох, но в дальней исторической перспективе правда всё равно выплывает наружу. Фольклор и поговорки про число семь вовсе не указывают на то, что оно такое уж экстремально счастливое. «Семеро одного не ждут», «Семеро с ложкой, один с сошкой», «Для дурной собаки семь верст не крюк»  – ха-ха!  «У семи нянек дите без глазу»,  «Семь деревень, а лошадка одна» — всё это точно не о счастье.

Семь дней Творения мира. Или не семь?

Смотрим в Библию. Там ясно написано, что Бог создал человека и благословил его и женщину ему дал, и пищу, и флору с фауной, и власть над ними. И завершается это всё словами: «И увидел Бог всё, что Он создал, и что это хорошо весьма. И был вечер, и было утро: день шестой».

А в день седьмой Бог отдыхал. «И благословил Бог седьмой день, и освятил его, ибо в оный почил от всех дел Своих, которые Бог творил и созидал.»

Ага, а вот оно в чём дело. Даже Бог не любит работать и благословляет именно день ничегонеделания. Даже Он, великий и всемогущий, по велению которого случается всё, что Он задумал, а задумывает Он только гениальное ведь – так вот даже Он не любит работать. Потому что ни один из рабочих дней Создатель Всего не благословил. А мы же по его образу и подобию…

Любопытство, конечно, подмывает спросить, а чем занимался Бог на восьмой день и далее. Но мы не спросим, ибо не нашего это ума дело, а перейдём к вопросу радуги, в которой якобы семь цветов.

В радуге семь цветов? А миллион?

В  публикации — Этот странный синий цвет — подробно рассказывается о том, как Ньютон, впервые разложив белый свет с помощью трёхгранной стеклянной призмы на спектр, увидел только 5 цветов. А потом добавил ещё парочку, чтобы было именно 7.  Просто так. Из соображений исключительной симпатии к этому числу. А мы теперь смотрим на радугу и честно радуемся семи цветам, хотя учёные давно доказали, что на самом деле наш глаз различает миллион оттенков – и они там в радуге все есть. А мозг их видеть не хочет. Потому что Ньютон, видите ли, решил, что наш мозг будет различать в спектре только семь. На самом деле, это поразительно, как мы в оптике зависимы от убеждения. Но может быть в музыке всё иначе?

Где ты, восьмая нота?

Известно, что ноты придумал где-то в начале XI века итальянский монах Гвидо Аретинский, он же Гвидо д’Ареццо. Значение этого ноу-хау сравнимо с созданием алфавита, ибо до того момента все тогдашние моцарты и меркьюри с джимми пейджами передавали потомкам свои творения только с голоса на голос. И в итоге до нас так и не дошли. Иными словами, возможность записывать музыку открыла перед человечеством новые врата и стала одной из величайших культурных революций в истории.

Но вот что интересно. Гвидо д’Ареццо придумал не семи, а шестиступенный звукоряд и, соответственно, нотную грамоту, в которой всю музыку можно было записывать с помощью 6 (шести!) нот. Седьмая нота «си» появилась только около 1574 года в Нидерландах. Её ввёл некий Х.Вальрант, чем поначалу весьма смешил своих певчих, которые привыкли к гексахорду и не понимали смысла введения ещё одной ноты. Может и наши потомки так будут смеяться поначалу, когда кто-то умный придумает восьмую ноту и совершит очередную революцию в музыке. А ведь, пора. А то мелодии кончаются и всё меньше нового под Луной.

Простая арифметика показывает, что люди более пяти веков (!) жили, творили и не знали ноты си! Данте не знал, Петрарка был не в курсе, Микеланджело и Леонардо да Винчи тоже не ведали!  А вот Бах и Гендель уже знали. От них фактически и пошла современная музыка.

Время летит. Сейчас уже опять не обязательно записывать ноты. Можно просто разместить видео на YouTube и показать там наглядно на какие клавиши или струны жать, чтобы воспроизвести ваше сочинение. А  ещё можно просто записать его на диктофон под гитару и отослать нашим партнёрам из студии гитарной аранжировки Guitarproduction Studio

И они за соответствующий гонорар сделают вам в качестве сопровождения такое звучание одной или нескольких гитар, что оно превратит ваше творение в настоящее фирменное произведение искусства. И не обязательно это будет сделано за 7 дней. Скорее всего, раньше.

Семь чувств. И ещё несколько

Есть, опять же миф, что у человека семь чувств: зрение, слух, вкус, обоняние, осязание, эквибриоцепция (чувство равновесия) и интуиция – это вообще нечто туманное. Ок. А термоцепция — чувство тепла (или его отсутствия) на коже и ноцицепция — восприятие боли?

В общем, если покопаться в нас, то чувств найдётся множество – одно чувство любви чего стоит. А само чувство того, что ты живой? А голова почему болит, когда магнитные бури? Это от какого чувства? Короче говоря, и тут число семь явно притянуто за уши.

Какое же оно – число счастья?

Ответ простой. Число счастья – это дата рождения любимого человека. И с этим набором цифр можно делать что угодно – складывать их, делить, множить или просто считать как есть – они всё равно остаются самыми главными числами счастья в нашей жизни.

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

В ней с идеальной гармоничностью сплелись в одно популярные вокальные жанры – опера, баллада и рок. Всё, что касается музыки, тут безупречно и восхитительно.

А что насчёт текста? Ведь это же интересно, какое содержание, какие мысли и чувства ежедневно впускают в себя сотни тысяч, если не миллионы фанатов этой, наверное, самой прослушиваемой рок-композиции?

Почему рапсодия богемская?

«Богемия» — название Чехии, когда она была в составе Австро-Венгрии. Отсюда пошло знаменитое чешское «богемское стекло». Интересно, что у Стивенсона в повести «Клуб самоубийц» Флоризель, который в нашем кино стал принцем Бакардии, был принцем Богемии.

В Богемии в Средние века проживало много цыган — прирожденных певцов, танцоров и артистов, одновременно не отличающихся законопослушностью. Их артистическое поприще породило термин «богема» — буквально «цыганщина». Со временем к богеме стали причислять разнообразную творческую интеллигенцию, живущую на гонорары и вообще не так, как все обычные люди.

Герой песни Меркьюри, как и богемские ромы, явно имеет проблемы с законом — он убил человека: «Mama, just killed a man».

С другой стороны, сама композиция представляет собой классический постмодерн, потому что пронизана разнообразными отсылами, линками и аллюзиями на всяческие исторические и культурные феномены. Примерно так общается между собой богема, к которой, безусловно, принадлежал и автор песни, художник по образованию.

 Кого убили в Богемской рапсодии?

Лирический герой прямо заявляет, что он убил человека и даже описывает, как и с помощью чего он это сделал: «Put a gun against his head/ Pulled my trigger, now he’s dead» — пустил пулю в лоб, проще говоря.

Однако последующий искусственный нонсенс в «оперной» части даёт основания полагать, что правы и те, кто считает, что герой просто решил начать новую жизнь и «убил» в себе себя прежнего. И это признание является одной из частей того бреда, наркотического видения или причудливого сна, в котором в дальнейшем появляется череда абсолютно неожиданных для второй половины XX века персонажей.

 Скарамуш и фанданго

«I see a little silhouette of a man/ Scaramouch, scaramouch will you do the fandango!» — кто такой Скарамуш и почему его просят «сделать» фанданго?

Скарамучча — персонаж-маска итальянской комедии дель арте. Во Франции его зовут Скарамуш. Фанданго — древняя андалузская народная песня, которая аккомпанирует одноименному парному танцу в форме любовной пантомимы.

Скарамуш и фанданго не только создают характерное для карнавала ощущение смешения масок и красок, но и переносят слушателя в XVII век и, таким образом, делают повествование безвременным, а точнее – всевременным – у героя же там есть механическое оружие — a gun, из которого он убил человека. Или себя прежнего.

Вообще, в том, что шута просят спеть любовную песню, есть что-то гамлетовское.

Литературный след

Меркьюри, скорее всего, видел фильм «Скарамуш» 1963 года или другие экранизации одноименного романа Рафаэля Сабатини (1921 год). Его герои — актёры театра масок. Им приходилось быть интеллектуалами, много читать и учить наизусть, потому что театр был импровизационным, а к хорошей импровизации всегда нужно готовиться. А кроме того, в пути на них могли напасть разбойники — поэтому и в драках эти ребята знали толк. Скарамуш в трактовке Сабатини только на сцене комедиант, а в жизни — бесстрашный герой-любовник.

А вот читал ли автор песни фантасмагорическую повесть Александра Грина «Фанданго» — вопрос. Действие там происходит в том же 1921 году. Главный герой — классический представитель нищей постреволюционной богемы в голодном зимнем Петербурге попадает в волшебную переделку, которая приводит его на встречу с цыганами и испанцами. В результате он оказывается на каких-то полчаса в южном приморском Зурбагане — городе-грёзе, а когда возвращается, обнаруживает, что он уже женат и что на дворе 1923 год. И всё это было бы сном, но в кармане у него 200 золотых пиастров. Всё действие разворачивается под аккомпанемент фанданго, которое насвистывает герой повести.

Цыгане, испанцы, богема, фанданго — какие совпадения, не правда ли? Более того, у Меркьюри тоже после оперной части появляется строфа, обращенная к любимой:
«So you think you can stop me and spit in my eye
So you think you can love me and leave me to die
Oh baby — can’t do this to me baby
Just gotta get out — just gotta get right outta here»

Как так? Откуда взялась бэби, если песня начиналась с обращения к маме? А потом было: «Я бедный парнишка, меня никто не любит…» — «I’m just a poor boy and nobody loves me». В общем, всё как у Грина.

Галилео и Фигаро

Далее в тексте возникают Галилей и Фигаро. «Gallileo, Figaro – magnifico!»

Скорее всего, речь о знаменитом учёном Галилео Галилее, которому приписывается легендарная фраза: «И всё-таки она вертится!» — в смысле Земля вращается вокруг Солнца, а не наоборот, как утверждала святая инквизиция. Восклицание Галилея стало метафорой протеста. Галилей жил в конце XVI начале XVII веков.

В этом же времени разворачивается действие «Севильского цирюльника», в котором появляется ловкач Фигаро — испанец из Севильи. Крылатое выражение: «Фигаро здесь, Фигаро там» — это как раз о нём, а о человеке, который умеет «крутиться», то есть вертеться. Вот тут и встречаются Галилей и Фигаро. Бунтарь и плут. Мagnifico! – великолепный, если с итальянского. Кто из них? Надо понимать, оба.

Бисмилла

Дальше — больше. В следующем, почти древнегреческом, диалоге героя и хора неожиданно возникает исламский вектор:

«Bismillah! No — we will not let you go — let him go.
Bismillah! We will not let you go — let him go.
Bismillah! We will not let you go — let me go.»

«Бисмилла» – сокращенная форма от полной фразы «Бисмилляхи Рахмани Рахим». В переводе с арабского означает: «Во имя Аллаха Милостивого и Милосердного».

В Испании к XVII столетию уже, конечно, пару веков как стало совсем ослабевать арабское влияние. Но кто сказал, что  действие происходит в конкретном XVII веке? Нет, наш герой живёт вне времени. Где? А где угодно. Может и в Богемии, раз автор так назвал песню. Тем более, что далее в тексте появляется уже вполне католический Везельвул, который снарядил против героя демонов: «Beelzebub has a devil put aside for me».
Чему герой крайне удивлён: «Oh mama mia, mama mia, mama mia let me go»!
В английском языке Mmma ma! — является идиомой, означающей именно крайнее удивление. Интересно, почему он удивлён? Может у него были какие-то договоры с лукавым, как у доктора Фауста?

Опера и поэзия

Без оперного куска текст БР был бы обычным рокерским текстом. Ну может быть с очень личным моментом  — «Sends shivers down my spine, вody’s aching all the time» – «мурашки бегут по спине и всё тело болит» — как-то не совсем «по-пацански» это звучит, а ведь в остальном наш цыганский парень вполне крут. Похоже, что тут у Фредди проявились первые признаки будущего страшного диагноза. Хотя до него оставалось ещё более десяти  лет.

Но вернёмся к опере. В принципе ясно, что Меркьюри вначале писал музыку. А потом просто подбирал под каждый эпизод слова, которые бы максимально близко передавали —  тембрально и интонационно её индивидуальное звучание.

Ну а так как это опера, то слова должны были быть из испанских и итальянских реалий. В общем-то, автор сочинял и сочинил бред, который получился таким же гениальным и интернациональным, как он сам.

А гениальный бред – это уже поэзия. И именно оперный кусок превращает текст «Богемской рапсодии» в нечто символически-метафорическое, заставляющее слушателя искать и находить в себе дополнительные ассоциации, коннотации и трактовки.

Anyway the wind blows…

А что же объединяет всё это эклектическое собрание? А собирает его в одно ветер, который дует сквозь всю песню, как дождь льёт у Маркеса все «Сто лет одиночества» и где тоже, как у Грина, периодически появляются цыгане с чудесами.

Постскриптум

В порядке заключения. Известно, что оперный фрагмент «рапсодии» спели три «квиновских» вокалиста — Фредди Меркьюри, Брайан Мэй (низы) и Роджер Тэйлор (верха). А чтобы получился мощный хор, записи накладывали друг на друга 180 раз. Оперная часть никогда не исполнялась вживую – это просто было невозможно сделать без кардинальных потерь в качестве.

Поэтому «Богемская рапсодия» являет собой ещё и шедевр звукозаписи и наглядное доказательство того, что в студии рокеры могут создать такое…

Наш партнёр: Студия гитарной аранжировки  Guitarproduction Studio

Стихотворение

Лорка говорил: «Перевод разрушает дух языка». И хотя существует несколько вариантов переложения «вальса» на русский язык, мы дадим просто построчный перевод. В этом случае теряется только ритм оригинала. И то временно, потому что в конце будет видео, где эти стихи звучат на испанском. Зато так мы сохраним авторские метафоры, на которых всё и построено.

В Вене десять девушек,
плечо, где смерть рыдает
и лес чучел голубей.

Есть фрагмент утра
в музее мороза.
Есть салон на тысячу окон.

Ай-ай-ай-ай!
Возьми этот вальс с закрытым ртом.
Этот вальс, этот вальс, этот вальс
О себе, о смерти и бренди,
что опускает хвост в море.

Я люблю тебя, я люблю тебя, я люблю тебя,
С креслом и мертвой книгой,
вниз по меланхолическому коридору,
на темном чердаке лилии,
в нашей постели на Луне
и в танце, о котором мечтает черепаха.

Ай-ай-ай-ай!
Возьмите этот вальс со сломанной талией.
В Вене четыре зеркала,
где твои уста и эхо играют
Смерть для фортепиано
это раскрашивает мальчиков в синий цвет.

На крыше нищие.
Есть свежие гирлянды слез.
Ай-ай-ай-ай!
Возьмите этот вальс, который умирает у меня на руках.
Потому что я люблю тебя, люблю тебя, любовь моя,

на чердаке, где играют дети,
мечтать о старых огнях Венгрии
за слухи о теплом дне,
наблюдая за овцами и снежными лилиями
темной тишиной твоего лба.

Ай-ай-ай-ай!
Возьмите этот вальс «Я люблю тебя всегда».
В Вене я буду танцевать с тобой
в костюме, который
исток реки.
Посмотри, какой у меня берег гиацинтов!
Я оставлю рот между твоими ногами
моя душа в фотографиях и лилиях,
и в темных волнах твоей прогулки

Я хочу, моя любовь, моя любовь, чтобы уйти,
скрипка и могила, ленты вальса.

История создания

25 июня 1929 года уже знаменитый поэт Федерико Гарсиа Лорка прибывает на борту «RMS Olympic» — близнеца «Титаника» — в Нью-Йорк. Формальный повод – изучение английского языка и чтение публичных лекций.

За плечами у него конфликт с друзьями — Луисом Бунюэлем и Сальвадором Дали, которые в этом же году выпустили в прокат в Париже жутко талантливый (именно так) 16-минутный сюрреалистический  шедевр «Андалузский пёс».

Если верить создателям другого шикарного фильма — «Отголоски прошлого» (Little Ashes), снятого режиссёром Полом Моррисоном в 2008 году – Лорка воспринял название «Андалузского пса» как нечто среднее между издёвкой и инвективой в свой адрес.

Также создатели «Отголосков прошлого» настаивают на том, что у Лорки с Дали были неудачные любовные отношения, о чём им в конце жизни якобы поведал лично сам художник.

Несчастная любовь, обида и успех обидчиков в Париже — всё это сублимировалось в резкое изменение творческого стиля Лорки. Сборник «Поэт в Нью-Йорке», куда входит и «Вальс»(один из двух, кстати) — это собрание несвойственных ранее автору «Цыганских романсеро» сюрреалистических текстов, основанных на парадоксальном сочетании метафор.

«Маленький венский вальс» во всей красе иллюстрирует термин «сюрреалистическая поэзия». В нём Лорка как бы говорит друзьям-врагам: «Ах, вы играете в фантазии? Так посмотрите, как я умею это делать!» И да. Он умеет. Гений ведь.

Венок метафор в ритме вальса

«Вальс» начинает ряд строчек с надломом. Есть десять девушек, но лишь одно плечо, где рыдает смерть, есть лес голубей, но они все ненастоящие. И на окнах рисунки холодные долгого мороза. Ведь  музей — это собрание древностей…

А далее в этот надломленный зыбкий мир приходит любовь, на которой всё и держится до последнего слова. Я люблю тебя…на темном чердаке лилии, в нашей постели на Луне и в танце, о котором мечтает черепаха…» —  ах, что тут ещё скажешь.

Чуть ниже следует загадочная строчка «Смерть для фортепиано, это раскрашивает мальчиков в синий цвет.» Стихи писались в Америке, где синий и голубой — blue – и он же «грустный». Впрочем, для испанцев в синем такой коннотации нет. Для них он скорее цвет духовности, потому что похож на цвет неба или цвет чистоты. Или символ чего-то возвышено нематериального, вроде музыки.

А Лорка великолепно играл на фортепиано, как, к слову, и его русский современник-соплеменник Борис Пастернак. Между этими фигурами есть некая мистическая связь, хотя Пастернака тоталитарный режим убил много позже, чем Лорку. И таким образом, в мире случился «Доктор Живаго». Может он и спас своего автора. Точнее, дал ему время себя написать.

И женщины. Конечно, женщины. Пример Дали, в частности, его пожизненная страсть к Гале, показал, что если мужчине встречается настоящая женщина, то он забывает о всех своих нервных траболах на иной стороне любви.

Но Лорке не повезло. Ему не встретилась та, в которой бы воплотилась вся возвышенная любовь к женщине, живущая в его стихах. Зато повезло его стихам. И тут мы переходим к эротическому финалу «вальса».

Страсть и лилии

Лилия в Испании символ чистоты. Она встречается в этом достаточно небольшом тексте три раза. В последний  — когда поэт говорит любимой, что он станет рекой с берегами в гиацинтах и его душа будет в лилиях. То есть его душа будет чиста и возвышена. Это очень важно понимать, читая строчку, которую стыдливо игнорируют русские переводчики «Вальса». «Я оставлю рот между твоими ногами», — говорит Лорка. Этого нет в русских переводах. А значит, когда мы читаем перевод «вальса», сделанный, например, А.Гелескулом, то это совсем не Лорка. Это просто стихи переводчика, а нам не повезло оказаться среди тех почти 600 млн. испаноговорящих землян, имеющих счастье читать настоящего Лорку.

Дабы не стало совсем сладко, обратим внимание, что слово «тёмный» тоже встречается в тексте три раза. Так что  тут точно речь не о дантовской победе света над страстью. Стихи Лорки больше похожи на качели, где пооочерёдно берут верх любовь и отчаяние.

Финал про скрипку, могилу и ленты вальса – это, скорее всего, моделирование последних кадров, мелькающих перед глазами уходящего. А вот каким образом само действие оказалось в Вене, да и ещё и ностальгирующей по Австро-Венгрии, остаётся тайной. Или прихотью воображения. Ведь сам Лорка в Вене никогда не бывал.

Кстати, даже умница Леонард Коэн в своём вольном переводе написал «Мой рот на росе твоих бедер» — будто бы Лорка не догадался так написать, если бы хотел. Но у Лорки это чуть ли не единственная прямая строчка, и в её чистые небеса ведёт вся эта лестница, сплетенная из аллюзий и метафор.

Леонард Коэн и фламенко

В 1986 году Коэн участвовал в создании трибьют-альбома «Poetas en Nueva York». Составители попросили его в числе таких музыкантов, как Луис Ллах, Пако и Пепе де Люсия, Джордж Мустаки и Анджело Брандуарди, написать музыку на стихи Лорки.

Так родилась песня «Take This Waltz». По словам Коэна, адаптация стихотворения к песне обошлась ему в 150 листов бумаги и кончилась депрессией. Оно и понятно. Коэн с 15-ти лет был поклонником Лорки и даже назвал в честь поэта свою младшую дочь. А первым его учителем на гитаре ещё в Монреале был испанец, открывший Коэну некоторые секреты фламенко. Естественно, что канадскому певцу хотелось максимально приблизиться к оригиналу. Но другой язык…

Тем не менее песня стала всемирно известной. В 2011 году Леонард Коэн получил премию принца Астурийского в области литературы. Выступая на церемонии награждения, он отметил, что обрел свой «голос» благодаря поэзии поэта Федерико Гарсиа Лорки. А благодаря неизвестному испанцу-гитаристу из Монреаля выучил «те шесть аккордов и то маленькое фламенко», которые стали основой всех его песен и всей его музыки.

А вы замечали, что в музыке Коэна есть элементы фламенко? В 1992 году на это обратил внимание звёздный испанский певец, исполнитель канте фламенко — традиционного андалузского пения с цыганскими корнями Энрике Моренте.

Вскоре они встретились с Коэном под куполом отеля Palace в Мадриде, выпили за Федерико Гарсиа Лорку, который был постоянным посетителем бара отеля, и в результате Моренте записал «Маленький венский вальс» на музыку Леонардо Коэна.

Мелодию придумал гитарист группы Дональд Фелдер. Автор слов – вокалист и барабанщик Дональд Хенли. Также в создании шедевра поучаствовал гитарист и клавишник Гленн Фрай. Ну и справедливости ради не забудем лидера группы Jethro Tull Иэна Андерсона, чья композиция «We Used to Know» поразительно похожа музыкально на «Отель…». Зато в смысле содержания хит «орлов» вполне уникален, хотя и пронизан огромным количеством аллюзий и ссылок на другие произведения. В этом обзоре мы поговорим как раз о тексте, который вполне можно назвать поэзией.

Но прежде — несколько важных слов о бэкграунде и атмосфере, в которой создавался «Отель». Это важно учитывать, если не для понимания истинного смысла (потому что тут как раз всё построено на игре в двусмысленности), то, по крайней мере, для того, чтобы иметь возможность оценить красоту авторского жонглирования словами и образами.

Фаулз, О’Брайен и магия Лос-Анджелеса

По словам самих музыкантов, они хотели придумать некую странную, почти кинематографическую историю, похожую на ту театрализованную мистику, которая происходила с героем культового романа Фаулза «Волхв» Николасом Эрфе на острове Фраксос. Роман вышел в 1965 году. Даты в нашем разговоре важны и не случайны.

В 1966-м был опубликован роман Фланна О’Брайена «Третий полицейский». Фишка этого мистического творения в том, что там по ходу сюжета рассказчик умирает, но читателю об этом не сообщают, и он только в конце догадывается, что с какого-то момента общался с мёртвым и выслушивал рассказы уже о загробной жизни персонажа.

Важно также отметить, что в песне Eagles события разворачиваются на полуострове Калифорния, где граница США и Мексики. Песня так и называлась вначале «Мексиканское рэгги». Хотя, конечно, практически весь образный ряд  – аллюзия на Лос-Анджелес и Голливуд.

Дон Хенли в интервью журналу Rolling Stone говорил: «Мы все были детьми среднего класса со Среднего Запада. Hotel California был нашей интерпретацией светской жизни в Лос-Анджелесе». Для большинства простых американских ребят блеск Лос-Анджелоса был аналогом огней рая.

 Клуб 27

Именно в Лос-Анджелесе в номере отеля «Лэндмарк Мотор» 4 октября 1970 года умерла от передозировки наркотиками несравненная Дженис Джоплин. Трагедия случилось через 16 дней после того, как в номере отеля «Samarkand» в Лондоне был найден мёртвым величайший гитарист всех времён и народов Джими Хендрикс. Менее чем через год в Париже ушёл из жизни ещё один культовый рок-музыкант — Джим Моррисон. Годом раньше утонул в собственном бассейне Брайан Джонс из группы The Rolling Stones. Им всем было по 27 лет.

Так возник клуб 27, куда потом вошли Курт Кобейн, Эми Уайнхаус и Александр Башлачёв.

В этом печальном списке нет ещё американского гитариста и пианиста Грэма Парсонса, которого забрали на небеса наркотики за полтора месяца до его 27-летия. Бытует мнение, что композиция «Отель Калифорния» посвящена ему.

Все эти люди не просто великолепные музыканты. Они ещё и творцы неповторимого духа эпохи хиппи – времени культа неограниченной свободы в творчестве, любви и праве распоряжаться собой. Без понимания влияния их жизней на ментальный и духовный мир создателей «Отеля…» многие шикарные каламбуры, оттенки и коннотации просто будут нечитаемы.

Ну и к тексту. Будет немножко лонгридно. Ну так и песня же длится 6,5 минут. И в ней очень много вкусного.

Эпизод первый

Действие начинается на безлюдном шоссе в мексиканской пустыне. По рассказам, там растут только кактусы и конопля — «colitis», и запах последней реально дурманит путешественника.

On a dark desert highway, cool wind in my hair
Warm smell of colitas, rising up through the air.

Ему то ли грезится, то ли он на самом деле видит мерцающий свет отеля и решает там остановиться. Впрочем, может, он просто засыпает и действие переходит в сон.

Up ahead in the distance, I saw a shimmering light
My head grew heavy and my sight grew dim
I had to stop for the night

Отметим последнее слово – ночь. Дело происходит ночью. Иначе бы зачем зажигать огни в отеле? Да и в начале было сказано: «On a dark desert highway…»

Эпизод второй

В дверях отеля стоит некая леди —  «There she stood in the doorway.» Слышится звон церковного колокола – «I heard the mission bell.» Ну вроде нормально пока — отель, скорее всего, расположен в посёлке и там вполне может быть церковь, звон колоколов которой слышен рассказчику. Хотя стоп! Ночь ведь. И чего бы в это время звонить в церкви? И тут герою приходит мысль – «Это может быть рай, а может и ад.»  — «And I was thinking to myself , «This could be Heaven or this could be Hell»»

Нет. Никакой мистики пока. Мысль возникает в другой связи – об этом инстинктивно задумывается любой мужчина, когда встречает женщину, которая как-то на него обращает внимание. А эта обращает. Зажигает свечу и ведёт его по коридору в номер.  – «Then she lit up a candle and she showed me the way.»  Со свечой всё нормально – деревенский отель, рядом океан, в непогоду тут вполне могли отрубить электричество.

Но внезапно неизвестные голоса начинают вещать: Добро, мол, пожаловать в «Отель Калифорния», это такое прекрасное место и тут столько комнат в любое время года….

There were voices down the corridor
I thought I heard them say
Welcome to the Hotel California
Such a lovely place (Such a lovely place)
Such a lovely face
Plenty of room at the Hotel California
Any time of year (Any time of year)
You can find it here

А может и не было никаких голосов и ему просто показалось, там ведь поётся: «I thought I heard them say.»

Эпизод третий

Голоса без людей, конечно, немножко напрягают. Но героя пока гораздо больше занимает необычная леди.

«Her mind is Tiffany-twisted, she got the Mercedes bends»

Тут нам авторы подают воистину деликатесную игру слов. «Tiffany-twisted». «Twist» — «изгиб» в одном из значений. «Bends» тоже «изгибы». Короче, такая она вся в изгибах от ума до фигуры, в смысле формы у неё, как у «Мерседеса». А ум драгоценный, как ювелирные изделия Tiffany.

Хотя можно же прочитать и «fany-twisted» — «причудливый». Тогда получается каламбур в стиле Кэролла. Мы же помним, что задача сочинителей состояла в том, чтобы создать для нас ловушки-двусмысленности. А наша – их обнаружить и порадоваться своей догадливости.

Поэтому, оценив креативность выражения «Mercedes bends», который есть аллюзия на «Mercedes Benz», мы вспоминаем, что это название песни Дженис Джоплин и её последняя прижизненная запись. Таким образом, нам открывается личность таинственной леди, у которой много симпатичных мальчиков в друзьях. Конечно, критики могут съязвить, что у Дженис не такая уже и фирмовая была фигура. Но так мы же тут об её возвышенной эйдической сущности, а не о конкретных бытовых эманациях земной Джоплин.

She got a lot of pretty, pretty boys she calls friends.
How they dance in the courtyard, sweet summer sweat.

«Ах, как они танцуют во дворе, сладкий летний пот!» – жалко, что Дон Хенли не написал тут: «сладкий апельсиновый пот» — «sweet orange sweat» Было бы так же жарко, сладко и попсово, зато при сокращении до первых букв получилось бы SOS и это бы добавило мистики. Ну этот так. Просто шутка в поддержку авторской игры словами.

«Одни танцуют, чтобы вспомнить, другие, чтобы забыть.» — «Some dance to remember, some dance to forget.»

Что они хотят вспомнить и забыть? Похоже, что земную жизнь и все они призраки. И их леди тоже призрак. Душа компании Дженис Джоплин. К слову, в романе «Третий полицейский» душу героя, которая не признается, что он уже в загробном мире, зовут Джо. И вот тут начинается скольжение на грани реальности и грёзы.

Эпизод четвёртый

Рассказчик понимает, что ему надо выпить и зовёт метрдотеля.
So I called up the Captain,
«Please bring me my wine.»

И опять игра словами. «Captain» — это и метрдотель, и капитан. Чего? Корабля призраков? Вполне вероятно, что герой песни попал не в отель, а на корабль — полуостров ведь и океан рядом, и в голове дурман от запаха «colitis»…

Но Captain на его просьбу отвечает —  «He said, «We haven’t had that spirit here since nineteen sixty nine.»»

Блестящий системообразующий каламбур. В принципе, им и раскрывается вся тайна композиции. «Spirit» — это и спиртной напиток, и дух. Хотя в вине спирта нет, но идея читается прекрасно: Нет, мол, больше духа славных 60-х…

И снова те же голоса уже как бы издалека:

And still those voices are calling from far away
Wake you up in the middle of the night
Just to hear them say
Welcome to the Hotel California
Such a lovely place (Such a lovely place)
Such a lovely face
They livin’ it up at the Hotel California
И вроде они очень рады герою —

What a nice surprise (what a nice surprise)
И вдруг требование:  Bring your alibis!

—  Какое алиби? Вы о чём? Это же отель, а не тюрьма? Или…

Эпизод четвёртый

«Зеркала на потолке» — явно эротический намёк, «розовое шампанское со льдом» – оказывается, в отеле есть вино. Духа нет, а вино есть…
Mirrors on the ceiling
The pink champagne on ice…
И Дженис (?), говорит, что мы тут все заключенные по собственной воле – «And she said «We are all just prisoners here, of our own device». Ага, вот зачем было нужно алиби. Чтобы не стать таким, как они.

И вдруг резкая смена кадра:

And in the master’s chambers
They gathered for the feast

«Сhambers» — камеры или палаты? Какого хозяина? Кто тут главный? Кто собрал всех на пир?

They stab it with their steely knives
But they just can’t kill the beast.

«Они колют его стальными ножами, но не могут убить зверя» — здесь должно стать совсем страшно и вдруг следует очередной, в этот раз демонстративно оффтопный каламбур, вроде подмигивания – мол, всё игра. «Steely knives» — это реплика в сторону группы Steely Dan, с которой у Eagles был общий менеджер Ирвинг Азофф, ответ на слова из их песни “Everything You Did”: “Turn up the Eagles, the neighbors are listening» on their song” — “Поставь Eagles, пусть соседи слушают”.

Эпизод пятый, завершающий

Герой, впрочем, воспринимает происходящее без улыбки –  он видит, как люди (?) с ножами безрезультатно пытаются убить некоего зверя. Ясно, что речь о пагубном образе жизни, из которого так и не удалось выскочить членам Клуба 27 и многим их последователям. Но у героя надежда ещё есть, и он начинает убегать.

Last thing I remember
I was running for the door
I had to find the passage back to the place I was before

Увы: «Relax,» said the night man. «We are programmed to receive. » — «Расслабься», — говорит ему  сторож – «Сюда вход есть, а выхода нет. Ты можешь отсюда выписаться, а уйти не можешь.»  Это как? А непонятно. Но звучит красиво.

В финале сочинители используют известный театральный и кинематографический трюк, суть которого состоит в том, что если не знаешь, чем закончить действие – заверши его вычурной метафорой или игрой слов. А там пусть зрители сами решают в меру своего душевного комфорта, умер герой или нет.

Мы предлагаем считать, что с героем всё ОК – иначе, кто бы нам рассказал всю эту увлекательную историю?

А раз всё обошлось, то она, да ещё и изложенная под столь обворожительную музыку, превращается в чудную ностальгическую конструкцию, воссоздающую неповторимую атмосферу легендарных 60-х прошлого века.

Наш партнёр: Студия гитарной аранжировки  Guitarproduction Studio

В  принципе, можно утверждать, что это разные профессии. Хотя как студийные гитаристы, например, начинали: основатель Led  Zeppelin великий Джимми Пейдж, Глен Кэмпбелл — американский актёр, певец и телеведущий и Стив Люкатер из группы Toto, участвовавший в записях Дайаны Росс, Майкла Джексона и Пола Маккартни, и множества других знаменитостей.

Почему для записи лучше приглашать студийного гитариста

1.  Студийный гитарист — командный игрок. Он работает на заказчика, понимает, что записывает чужую музыку и знает, что его  задача – максимально эффектно и вкусно её подать, самому оставаясь в тени. Он видит свою миссию в создании идеального фона для голоса. Концертный же — артист, он привык конкурировать с вокалистом и часто даже подсознательно пытается выйти на первый план.

2. Студийный гитарист постоянно приспосабливается к разным стилям и индивидуальным фишкам заказчиков. Поэтому он более гибкий и разносторонний, чем гитарист, постоянно играющий в одной команде.

3. Студийный гитарист нормально работает с критикой, она для него — как жалобы пациента для доктора:

—  Не так? Ок, сейчас исправим.
А вот концертный – он же привык к аплодисментам.
— Что значит,  заказчику не нравится? А публике нравится – глянь, как они мне хлопают….

4. На записи студийный гитарист с огромной долей вероятности выдаст более чистый звук, чем это сделает концертный. Студийный просто привык реагировать на те нюансы, которые на сцене незаметны. И кстати, студийный гитарист идеально держит ритм, что очень важно для дальнейшей оркестровки.

5. Профессиональный студийщик, как правило, знает некие тайные фишки звукозаписи, позволяющие ему играть технически сложные вещи, которые в живом звуке под силу только баснословно дорого оплачиваемым мировым виртуозам.

Ну и для подтверждения теории практикой предлагаем вам визитную карточку студии  профессиональной гитарной аранжировки Визитная карточка: Guitarproduction Studio

В этом материале мы, в основном, поговорим о тексте. Хорошая песня начинается с текста. Хотя бывает, конечно, и наоборот, когда пишут слова «на  рыбу», то есть на готовую мелодию. Принципиально это ничего не меняет. В любом случае без текста, который «цепляет» хита у нас не получится. И тут нельзя просто открыть книгу или интернет-страницу какого-то поэта и написать песню на его стихи. У песенных текстов есть свои особенности. Причём они одинаковые для всех жанров — от бардовской песни до рока и даже рэпа.

Самое главное – дать возможность слушателю после прослушивания вспомнить, о чём была песня. Именно для этого в песне есть припев, который повторяется много раз, следуя за куплетом. Например —  «Я свободен….» или  «Я не здамся без бою», или «Мalade…», или «Come Together…».

Вместо припева для аналогичных целей запоминания часто используют рефрен, то есть некую повторяющуюся фразу или слово, которое может стоять в конце каждого куплета «Я тебя никогда не забуду, я тебя никогда не увижу» или в начале  — «Tombe la neige».

К слову, на абсолютно аналогичном принципе работает реклама, которая путём многократного повторения вбивает в головы потенциальных потребителей слоганы вроде «Не дай себе засохнуть»

Текст между припевами или рефренами в хите, как правило, тоже не совсем такой, как в обычном стихотворении. Хотя конечно, присутствие поэзии в нём желательно. Но при этом важно, чтобы каждая строка одновременно и укладывалась в общий контекст, и несла самостоятельный смысл. Потому что если изложение одной мысли будет занимать весь катрен, то слушателю будет сложно удержать нить смысла. Например, вот куплет из знаменитой песни группы Наутилус Помпилиус «Я хочу быть с тобой»:

Твое имя давно стало другим.
Глаза навсегда потеряли свой цвет.
Пьяный врач мне сказал — тебя больше нет.
Пожарный выдал мне справку,
Что дом твой сгорел

Тут практически все строки, кроме последней, несут отдельный смысл. И при этом держаться в общем контексте повествования. Кстати, обратите внимание и на то, как мы вспомнили эту песню — по хорошо запоминающемуся припеву, который одновременно и рефрен – « Я хочу быть с тобой».

В целом, как при работе над текстом, так и над музыкой важно ориентироваться на одну важную фишку нашей психики – нам нравится то, в чём есть вместе с новым и нечто нам знакомое. Для этой цели используют не только словесные повторения, но и повторяющиеся музыкальные ходы и рифы.

В завершение снова вспомним опыт маркетологов – в современном, сытом всем, в том числе и продуктами творчества, мире огромное значение имеет упаковка товара. В нашем случае — аранжировка. Для качественной аранжировки даже маститые авторы обращаются к профессионалам. Вот вам на этот случай визитка  профессиональной студии гитарной аранжировки  —  Визитная карточка: Guitarproduction Studio

Постоянная Планка

Её ввёл в 1900 году немецкий физик-теоретик Макс Планк, когда он занимался поисками формулы, описывающей спектральную плотность излучения абсолютно чёрного тела. Чтобы формула работала, Планк предложил чисто теоретическую, на его взгляд, модель, в которой электромагнитные волны излучаются и поглощаются квантами. А потом до последних дней жизни доказывал, что на самом деле так не может быть. Даже в то время, когда фактически изобретённая им квантовая физика уже окончательно завоевала мир.

Колесо

Самые древние археологические находки – это  игрушечные тележки. Но от игрушки до настоящей тележки, на которой можно перевезти груз, лежал огромные путь совершенствования столярных и слесарных инструментов. А главный фокус в том, что аналога колеса в природе нет. Как люди додумались насаживать колёса на оси? Очень похоже, что это была просто цепь маленьких открытий, и у колеса нет одного изобретателя. То есть колесо можно считать феноменальным изобретением коллективного человеческого разума.

Лягушки  и устрицы как деликатесы

Устриц употребляли в пищу ещё древние греки. Лягушек — французская беднота. Но как блюдо они получили распространение в монастырях, где во время поста их можно было есть, потому что они «ни рыба, ни мясо». А потом их природные запасы стали сокращаться, а значит, блюда из них стали считаться элитными, то есть деликатесными. Сейчас для разведения тех и других существуют специальные фермы.

Сегодня без употребления в пищу этих животных человечество может вполне обойтись. Но это же такое счастье – кушать дефицит. Именно поэтому мы и включили устриц с лягушками в список величайших открытий – ведь их едят не для утоления голода и даже не для наслаждения вкусом, а исключительно понтов ради. И открытие тут состоит не в том, что это съедобно. А в том, что эти продукты можно продавать дорого, абсолютно неадекватно истинной цене, вытекающей из реальных потребностей человека.

Джаз

Джаз родился в США и был, очевидно, также результатом коллективного творчества. Существует множество легенд, описывающих рождение джаза. Но в целом, всё выглядело примерно так. Где-то в Новом Орлеане, Сент-Луисе, Канзас-Сити или Мемфисе появился некий уникально одаренный афроамериканский Моцарт, который с лёту ловил любую музыку, но нот не знал. Поэтому играл со слуха и через некоторое время просто начинал импровизировать на тему исполняемого произведения. Но делал это так талантливо, что в результате рождалось нечто новое. А так как записать сыгранное он не умел, то каждый раз его импровизация была иной. А ещё в нём жил природный африканский ритм, который вместе с европейской гармонией и стал первым джазом. Эту музыку подхватили его талантливые соконтинентники, которые ещё генетически не забыли общие движи под барабан на исторической родине. Ну а потом пришли коммерсанты и сумели это продать.

Нельзя сказать, что именно афроамериканцы первыми додумались играть импровизационную музыку – подобная практика является неотъемлемой частью музыки барокко, где композиторы изначально оставляют пространство для импровизации исполнителя. Но столько свободы и ритма, конечно, могло быть только в африканской культуре.

Электрогитара

Всё началось с увеличения инструментального состава джаз-банд. Чем больше было громких инструментов — духовых или фортепиано, тем острее возникала нужда в подзвучке тихих —  банджо или гитары. Так возникла идея приделать к корпусу гитары звукосниматель. Первые электрогитары для широкого потребления произвела в 1931 году Electro String Company, которую образовали Пол Барт, Жорж Бошам и Адольф Рикенбакер. Они были изготовлены из алюминия и получили от музыкантов прозвище «frying pans» («сковородки»).

Эти инструменты, будучи присоединенными к ламповым усилителям, давали искаженный звук. Вначале это воспринялось как проблема. А затем из проблемы сделали фишку. Появились фузз-педали и другие примочки, чтобы сдать звук гитары ещё более разнообразным. Сегодня электрогитара, наверное, самый популярный музыкальный инструмент в мире. А то, что вначале было воспринято как дефект, стало первой ласточкой нового времени – эпохи рока и рок-н ролла.

Впрочем, несмотря на всю богатую инженерию процесса, в игре на электрогитаре, как и на любом другом инструменте, главными остаются талант и мастерство. Именно они и котируются выше всего.

И если вам необходима гитарная аранжировка песни — вот вам гитарная студия с прекрасными гитаристами, которые умеют качественно и вкусно работать как с акустическим, так и с электрическим звучанием гитары — Визитная карточка: Guitarproduction Studio

У нас, безусловно, в гонке на звание самых всенародно популярных лидируют баян и гитара.

 Баян

Прародителем баяна называют древний восточный музыкальный инструмент «шэн». Шэн представлял собой корпус с бамбуковыми трубочками по бокам, внутри которых находились медные язычки. В Древнюю Русь шэн завезли татаро-монголы. Потом он прошёл несколько этапов эволюции от гармоники и гармони до современного баяна, который был впервые изготовлен мастером П. Стерлиговым в 1907 и назван в честь сказителя из древнерусского фольклора.

Гитара

Родоначальником гитары, как и всех щипковых струнных, считается обычный охотничий лук. В  древности предки слушали пение одной струны после вылета стрелы, потом додумались добавить к луку резонаторный ящик, ну а дальше возникло множество вариаций от балалайки и домры(3 струны) до арфы (47 струн) и современной версии бандуры (до 70 струн). Любопытно, что в XVI веке один из щипковых струнных инструментов — лютня стал главным сольным инструментом своего времени. С тех пор мастеров, которые изготавливают гитары и вообще струнные, называют лютье.

Баян

В Советском Союзе вначале лидером был баян. Во-первых, потому что у него более мощное оркестровое звучание, и он может быть как сольным, так и аккомпанирующим инструментом. Таким образом, баянист стал незаменимым лицом на любом сельском празднике – «какая ж песня без баяна?», а самые красивые и чубатые хлопцы-передовики в советских фильмах были гармонистами. Кроме того, баян был русской фишкой и хотя, по сути, представлял собой кнопочный аккордеон, но выглядел иначе, а отличаться от Запад в то время было идеологическим трендом.

Гитара

Гитара в наших краях тоже отличалась от классической европейской, имевшей шесть струн. Русская или иначе «цыганская гитара» в конце XIX — начале XX века была семиструнной. В будущих братских республиках были ещё и свои национальные инструменты – кобза и бандура в Украине и балалайка в России. Но гитара объединяла всех. Под неё пели популярные в то время романсы и, конечно, высший купеческий шик — поездка «ночкой лунною» к цыганам — не обходился без семиструнной. В целом, гитара больше была элементом городской культуры, в то время как баян – сельской.

Гитара выходит вперёд

 К концу XX века баян всё же не выдержал конкуренции за звание самого демократичного народного инструмента и постепенно стал дрейфовать в сторону инструментов элитарных, туда, где уже давно обосновались скрипка, флейта и рояль.

Победе гитары способствовало несколько факторов. Во-первых, увеличение городского населения. Играть во дворе среди многоэтажек или в подъезде всё же сподручнее на гитаре.

Во–вторых, игру на гитаре можно практиковать лёжа на диване. А это важно во времена повсеместных остеохондрозов.

В–третьих, на танцах и прочих праздниках всё больше воцарялись музыкальные синтезаторы, которые по оркестровым возможностям во всех смыслах, кроме душевного, опережают баян.

Кроме того, сработали ещё и социальные факторы. На Западе огромной популярности набрала рок-музыка, и гитара стала элементом продвинутого имиджа, как у Битлов, Роллингов, Дипов и Цеппелинов. В этом контексте лидер группы ВВ Скрипка со своим баяном как и Фёдор Чистяков из группы «Ноль» смотрелись как ломающие каноны, что в общем-то и характерно панкам, которых эти уважаемые артисты так замечательно изображали на сцене.

В это же время в Союзе широкое распространение получила бардовская песня. Интересно, что первые барды, родоначальники жанра — Окуджава, Высоцкий, Никитин, Берковский и даже Розенбаум – играли на семиструнках. А вот более молодое, прозападное поколение, уже делившее себя между роком и бардами, окончательно перешло на шестиструнные гитары. В итоге возник феномен «русского рока», в котором нет таких высоких требований к гитаристам, как в западных рок-командах и особых претензий на поэзию – что всегда было свойственно бардам — тоже нет.

Гитара как символ демократии

Сегодня гитара – первый инструмент для приватного музицирования. Достаточно знать пять аккордов – и ты уже можешь спеть Цоя в компании друзей. А если хочется большего, то всегда можно очаровать мир своими записями, выложенными на YouTube.

Хотя для продвижения творчества в широкие массы, всё же лучше обратится к профессиональному гитарному аранжировщику, который, работая дистанционно, создаст красивый и профессиональный аккомпанемент и поможет представить исполнителя в самом выгодном свете.

Где его найти? Вот, пожалуйста, обращайтесь Визитная карточка: Guitarproduction Studio

Мы живём в такое время, когда обёртка часто ценится выше, чем сам продукт. Точнее сказать, обёртка является его неотъемлемой частью. Особенно, если этот продукт творческий. Поэтому, сегодня сочинителю песни мало просто спеть её под гитару на камеру, а затем выложить видео в соц. сеть или разместить на YouTube. Нужно ещё сделать её аранжировку.

И тут есть два пути. Первый – полная оркестровка, включающая в себя звучание целого ряда инструментов — в «живом» или электронном (то есть взятом с музыкального синтезатора) виде. Если такую оркестровку вам делает  профессиональный музыкант, то это всё, как правило, весьма презентабельно звучит, но при этом требует ещё и профессионального вокала.

Вы профессиональный певец? Тогда вопросов нет. А вот в случае, когда вы больше поёте душой, стоит попробовать сделать только гитарную обработку своей песни. При этом сохранится естественность и проникновенность звучания и в то же время появятся объём и изысканность, которые превратят вашу песню в произведение искусства.

Если вы решили пойти по второму пути, то стоит ещё сказать, что гитарная аранжировка песни — особое ремесло. Тут мало быть просто виртуозным гитаристом, который наиграет вам тысячу нот и сто переходных аккордов и не оставит места для звучания вашего вокала. Такие случаи встречаются нередко. Известен даже анекдот-быль о том, как на одном из концертов известного барда ОМ, выступавшего в сопровождении гитариста КТ объявили так: «Выступает гитарист КТ. Аккомпанирует голосом ОМ».

В общем, в случае музыки нужно работать не просто с профессионалом, а со специалистом, который профессионально решает именно ваши задачи и делает всё, для того, чтобы представить в самом выгодном свете не себя, а вас.

Поэтому алгоритм действий прост. Если вы остановились на том, что вам нужна именно гитарная аранжировка вашей песни – обращайтесь, например, сюда, на Guitarproduction Studio.

По вашему желанию на Guitarproduction Studio вам представят образцы работ именно в вашем жанре. То есть вы, прежде чем сделать заказ, сможете оценить качество и музыкальный вкус Ваших партнёров.

Удачного вам творческого сотрудничества!

Термин – профессиональный гитарист, в нашей жизни встречается часто. А вот термин гитарный аранжировщик практически отсутствует… почему? Так происходит, как мне кажется, по той простой причине, что люди часто смешивают эти два понятия – раз человек является профессиональным гитаристом, то он может, с точки зрения гитарной аранжировки, сделать все…И это является ошибкой!

В жизни каждой студии звукозаписи обязательно, хотя бы раз, возникает необходимость воспользоваться услугами гитариста. И, как правило, при выборе кандидатуры большинство работников студии руководствуются следующим принципом – «Давайте пригласим Александра, вы слышали как он на акустике классику лабает, просто виртуозно, плюс он окончил консерваторию…!!!», на что другие говорят «…нет, давайте позовем Сергея, он почти всего Сатриани переиграл и у него за плечами муз.училище по классу эстрадной гитары…!»

В результате все сходятся на какой-то одной кандидатуре, приглашают его на запись и …..Выясняется, что человек виртуозно играющий классику, или владеющий. практически в совершенстве, джазовой импровизацией, не в состоянии сделать правильную (грамотную) гитарную аранжировку, например, в стиле шансон. Возникает вопрос, так что, после этого человека нельзя назвать профессионалом? Ни в коем случае.

Он действительно профессиональный гитарист, великолепно разбирающийся в гитаре на уровне определенного стиля музыки. Однако гитарная аранжировка, требует не только технических навыков, но и определенного музыкального интеллекта.

В споре двух гитаристов претендующих на должность сессионного музыканта в студии, победит не тот, кто с утра до вечера «гоняет» Стива Вая, Бенсона или Паганини, а тот кто умеет выслушивать гитарные партии в различных стилях музыки, анализировать их, и применять в нужное время в нужном месте – этот человек и называется гитарный аранжировщик !

Бесспорно, если понадобится сыграть джазовое соло, то профессиональный джазовый гитарист это сделает техничней, чем гитарный аранжировщик, и классику сыграет лучше человек, за плечами которого консерватория по классу классической гитары. Но в наше время, когда на первый план выходит минимизация гитарных партий (нужно играть мало, но «вкусно»), быть супертехничным, это скорее проблема. Ведь техничный гитарист в каждом отведенном ему промежутке пытается показать все, на что способен. Сколько раз на любой студии можно услышать фразу обращенную к сессионному музыканту – «…играй проще, выкинь весь этот мусор…» Исходя из этого, можно смело утверждать, что для студийной работы гораздо выгоднее держать одного постоянного гитарного аранжировщика, чем с десяток (под каждый стиль музыки) профессиональных гитаристов.

Так кто же такой гитарный аранжировщик? Это гитарист, который тщательно отслеживает гитарные «фишки» в различных стилях музыки и берет их себе на вооружение. Благодаря этим фишкам, он делает вашу работу гармоничной ( ведь согласитесь, не очень приятно, когда ваша аранжировка, полностью выдержана в стиле брит- поп, и вдруг в нее, откуда не возьмись, врывается гитарное соло в стиле Ингви Мальмстина). Это гитарист, который в строго заданном стиле, готов вносить свои творческие идеи, а не просто играть то, что скажут. И наконец, это гитарист, который постоянно стремится развиваться во всех возможных гитарных направлениях, не загоняя себя в рамки одного стиля! .

В этом материале, мы постарались четко обозначить разницу в терминах – «Профессиональный гитарист» и «Гитарный аранжировщик». А так же высказали исключительно свое мнение, по поводу того, с кем выгоднее сотрудничать любой студии звукозаписи. Но так или иначе право выбора все равно остается за вами, уважаемые аранжировщики и звукорежиссеры !

Guitarproduction studio

Евгений Касьяненко

Гитарист, гитарный аранжировщик,  руководитель студии Guitarproduction Studio, композитор,   сооснователь  и автор большинства песен  групп Нечто Третье и   Н.ТРИ