А главное – оно приносит счастье. Все слышали о том, что в музыкальном строе семь нот, в радуге семь цветов, и Бог создал мир за семь дней. Поэтому нужно семь раз отмерить, прежде чем отрезать и так далее.

Семь – это действительно про счастье?

Народ не обманешь.То есть в текущий момент, конечно, дурануть можно, чем и пользуются  политики всех эпох, но в дальней исторической перспективе правда всё равно выплывает наружу. Фольклор и поговорки про число семь вовсе не указывают на то, что оно такое уж экстремально счастливое. «Семеро одного не ждут», «Семеро с ложкой, один с сошкой», «Для дурной собаки семь верст не крюк»  – ха-ха!  «У семи нянек дите без глазу»,  «Семь деревень, а лошадка одна» — всё это точно не о счастье.

Семь дней Творения мира. Или не семь?

Смотрим в Библию. Там ясно написано, что Бог создал человека и благословил его и женщину ему дал, и пищу, и флору с фауной, и власть над ними. И завершается это всё словами: «И увидел Бог всё, что Он создал, и что это хорошо весьма. И был вечер, и было утро: день шестой».

А в день седьмой Бог отдыхал. «И благословил Бог седьмой день, и освятил его, ибо в оный почил от всех дел Своих, которые Бог творил и созидал.»

Ага, а вот оно в чём дело. Даже Бог не любит работать и благословляет именно день ничегонеделания. Даже Он, великий и всемогущий, по велению которого случается всё, что Он задумал, а задумывает Он только гениальное ведь – так вот даже Он не любит работать. Потому что ни один из рабочих дней Создатель Всего не благословил. А мы же по его образу и подобию…

Любопытство, конечно, подмывает спросить, а чем занимался Бог на восьмой день и далее. Но мы не спросим, ибо не нашего это ума дело, а перейдём к вопросу радуги, в которой якобы семь цветов.

В радуге семь цветов? А миллион?

В  публикации — Этот странный синий цвет — подробно рассказывается о том, как Ньютон, впервые разложив белый свет с помощью трёхгранной стеклянной призмы на спектр, увидел только 5 цветов. А потом добавил ещё парочку, чтобы было именно 7.  Просто так. Из соображений исключительной симпатии к этому числу. А мы теперь смотрим на радугу и честно радуемся семи цветам, хотя учёные давно доказали, что на самом деле наш глаз различает миллион оттенков – и они там в радуге все есть. А мозг их видеть не хочет. Потому что Ньютон, видите ли, решил, что наш мозг будет различать в спектре только семь. На самом деле, это поразительно, как мы в оптике зависимы от убеждения. Но может быть в музыке всё иначе?

Где ты, восьмая нота?

Известно, что ноты придумал где-то в начале XI века итальянский монах Гвидо Аретинский, он же Гвидо д’Ареццо. Значение этого ноу-хау сравнимо с созданием алфавита, ибо до того момента все тогдашние моцарты и меркьюри с джимми пейджами передавали потомкам свои творения только с голоса на голос. И в итоге до нас так и не дошли. Иными словами, возможность записывать музыку открыла перед человечеством новые врата и стала одной из величайших культурных революций в истории.

Но вот что интересно. Гвидо д’Ареццо придумал не семи, а шестиступенный звукоряд и, соответственно, нотную грамоту, в которой всю музыку можно было записывать с помощью 6 (шести!) нот. Седьмая нота «си» появилась только около 1574 года в Нидерландах. Её ввёл некий Х.Вальрант, чем поначалу весьма смешил своих певчих, которые привыкли к гексахорду и не понимали смысла введения ещё одной ноты. Может и наши потомки так будут смеяться поначалу, когда кто-то умный придумает восьмую ноту и совершит очередную революцию в музыке. А ведь, пора. А то мелодии кончаются и всё меньше нового под Луной.

Простая арифметика показывает, что люди более пяти веков (!) жили, творили и не знали ноты си! Данте не знал, Петрарка был не в курсе, Микеланджело и Леонардо да Винчи тоже не ведали!  А вот Бах и Гендель уже знали. От них фактически и пошла современная музыка.

Время летит. Сейчас уже опять не обязательно записывать ноты. Можно просто разместить видео на YouTube и показать там наглядно на какие клавиши или струны жать, чтобы воспроизвести ваше сочинение. А  ещё можно просто записать его на диктофон под гитару и отослать нашим партнёрам из студии гитарной аранжировки Guitarproduction Studio

И они за соответствующий гонорар сделают вам в качестве сопровождения такое звучание одной или нескольких гитар, что оно превратит ваше творение в настоящее фирменное произведение искусства. И не обязательно это будет сделано за 7 дней. Скорее всего, раньше.

Семь чувств. И ещё несколько

Есть, опять же миф, что у человека семь чувств: зрение, слух, вкус, обоняние, осязание, эквибриоцепция (чувство равновесия) и интуиция – это вообще нечто туманное. Ок. А термоцепция — чувство тепла (или его отсутствия) на коже и ноцицепция — восприятие боли?

В общем, если покопаться в нас, то чувств найдётся множество – одно чувство любви чего стоит. А само чувство того, что ты живой? А голова почему болит, когда магнитные бури? Это от какого чувства? Короче говоря, и тут число семь явно притянуто за уши.

Какое же оно – число счастья?

Ответ простой. Число счастья – это дата рождения любимого человека. И с этим набором цифр можно делать что угодно – складывать их, делить, множить или просто считать как есть – они всё равно остаются самыми главными числами счастья в нашей жизни.

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

Ещё недавно в истории человечества такой цвет, как синий, просто не существовал. Нет слова, определяющего этот цвет, в таких древних языках, как греческий, китайский, японский, иврит. Мало того, что нет слова, есть свидетельства, что древние люди не видели этот цвет вовсе. 

Как мы узнали, что синего цвета не хватает?

Всё началось с древних произведений. В «Одиссее» Гомер сравнивает цвет моря с цветом тёмного вина, но почему не упоминает синий или зелёный?

В 1858 году учёный Уильям Гладстон (William Gladstone) заметил, что это не единственное странное описание цвета в этом произведении. Гомер описывает также детали одежды, вооружения, брони, черты лица, животных, и цвета, которые он присваивает многим вещам, крайне странные. Например, железо и овцы фиолетовые, а мёд зелёный.

Гладстон решил подсчитать, сколько раз встречается упоминание цветов в «Одиссее». Чёрный приблизительно 200 раз, белый около 100, красный 15 раз, а жёлтый и зелёный менее 10 раз.

Тогда он стал изучать другие древнегреческие произведения и заметил интересную закономерность: нигде не упоминался синий цвет. Нет даже намёка на него. Такое ощущение, что греки жили в тёмном и мутном мире, лишённом ярких цветов. Были только белый, чёрный и цвет металла с редкими вкраплениями красного и жёлтого.

Гладстон предположил, что это была какая-то общая черта, присущая только грекам, но филолог Лазарус Гейгер (Lazarus Geiger) продолжил его работу и пришёл к выводу, что это справедливо и для других древних культур.

Он изучил исландские саги, Коран, древнекитайские истории и древнееврейскую версию Библии. Вот, например, что он написал об индуистских ведических гимнах:

Эти гимны состоят из более 10 тысяч строк, где множество раз встречается описание небес. Едва ли что-нибудь описывается чаще, чем небеса. Солнце, закаты, день и ночь, тучи и молнии и много чего ещё. Но есть одна вещь, о которой невозможно узнать из этих описаний. Это то, что небо синего цвета.

Первый появился  «красный»

В древности не было синего цвета, он не отличался от зелёных и тёмных оттенков.

Тогда Гейгер стал копать дальше и выяснять, когда же появился синий цвет. И выявил ещё одну интересную закономерность. В каждом языке сначала были определения для тёмных и светлых оттенков, далее появлялось слово «красный» — цвет крови и вина, а только потом жёлтый и зелёный. И в самом конце, через много лет, наконец-то появился синий.

Единственная древняя культура, которая различала синий цвет, — египетская. У египтян даже была краска синего цвета.

Если так задуматься, то синего цвета не так много в природе. Есть, конечно, небо. Но действительно ли оно синее? Как следует из работ Гейгера, даже священные писания, которые часто описывают небеса, необязательно видят его таковым.

 Такого древние точно не видели: В Сумах открылась выставка флюоресцирующих картин

Один исследователь, Гай Дойчер (Guy Deutscher), автор книги «Сквозь зеркало языка», провёл любопытный эксперимент. Он знал, что один из первых вопросов, который задают многие дети, это «Почему небо голубое?». Так он растил дочь, стараясь при этом не описывать ей цвет неба, и однажды обратился к ней с вопросом, какой цвет она видит, когда смотрит на небо.

Девочка не могла ответить. Небо было для неё сначала бесцветным. Далее она решила, что оно белое. И только спустя некоторое время пришла к выводу, что оно синее.

Синий цвет был для неё не первым, который она увидела. Он был последним. 

Могут ли люди видеть цвета, которым ещё нет определения?

Ответ на этот вопрос дать сложно, потому что мы не знаем, что происходило в голове у Гомера, когда он описывал море цвета тёмного вина и фиолетовых овец. Но мы знаем, что древние греки и представители других древних культур имели такое же биологическое строение и способность воспринимать цвета, как и мы с вами.

Но действительно ли вы можете видеть то, чему ещё нет описания?

Учёный Джули Давидофф (Jules Davidoff) специально ездил в Намибию, чтобы выяснить это. Там он провёл эксперимент в местном племени химба, которое говорит на языке, где нет определения синему цвету и нет различий между голубым и зелёным.

Он показал им круг с 11 зелёными квадратами и одним голубым. Члены племени не смогли показать, какой из них отличается.

Но химба имеют в запасе больше слов, описывающих зелёный цвет, чем мы. Когда они смотрели на круг из зелёных квадратиков, где один немного отличался оттенком, они сразу же указывали на него.

А вы сможете?Для большинства из нас это сложно. Вот он, другой квадратик.

Джули Давидофф сделал вывод, что без слова, определяющего цвет, без способа его идентификации, нам очень сложно заметить какое-то различие, хотя наши глаза физически их воспринимают.

Итак, прежде чем синий цвет стал общепринятой нормой, люди могли видеть его, но не понимали, что они видят.

Получается, что новые цвета постепенно появляются в нашем мире. Не фактически (они уже существуют в природе), просто с течением времени люди развивают способность видеть и различать их.

Интересно, видите ли вы сейчас что-нибудь, что другие пока не видят? И действительно ли это что-то существует?
Читайте ещё о тайнах синего цвета  Мексиканский Андрей Рублёв, или Несколько удивительных фактов о синем цвете

 В юности сентиментальный Гитлер зарабатывал на жизнь этюдами и рисунками достопримечательностей Вены. Во время Первой мировой, тот же сентиментальный и мечтательный ефрейтор, в окопах, между боями чиркал пейзажи Фландрии. В роковом 33-м уличный художник и бывший ефрейтор Гитлер занял пост рейхсканцлера.

За Адольфа голосовали самые разные  слои населения. Широкая социальная база Гитлера создавалась за счет тех, у кого после поражения Германии была выбита почва из под ног, кто чувствовал себя обманутым, кто потерял имущество и жизненную перспективу. Он сумел использовать психологическую и социальную неустроенность толпы, показывая ей путь к спасению униженного отечества, обещая различным слоям и группам населения всё, что они хотели: монархистам —  монархию, рабочим – хлеб и работу, промышленникам — военные заказы и пр. Националистические лозунги фашистов привлекли немцев больше, чем призывы к терпению и разуму других партий.

В то время в Германии жили широко известные во всём мире художники – экспрессионисты и авангардисты. Например, Василий Кандинский и Пауль Клее. Все картины великих мастеров были изъяты из залов музеев. Сами художники спешно покидали Германию…

 Национал-социалисты, осознавая значимость силы воздействия изоискусства на умы, взялись за дело правое — пропагандировать  своё-насущное.

И, конечно, немцы- художники искренне и сентиментально писали  просто войну и просто солдат. Массовые убийства, сожжённые деревни, уничтожение несовершенных наций и пр., послужившие поводом для проведения многочисленных судебных процессов в послевоенное время, разумеется, не служили источником вдохновения для немецких художников.

 В том же 1933 году, после прихода национал-социалистов, кроме художников аполитичных, была вынуждена покинуть Прусскую Академию искусств  и руководитель художественной мастерской графики, профессор Кете Кольвиц — известная миру немецкая пацифистка.

Вскоре негласно запретили выставлять её новую серию литографий «Смерть» и велели убрать из залов страны все остальные работы. Переезд Кольвиц в замок Морицбург,  по приглашению принца Эрнста Генриха Саксонского, спасает художницу от режима. 22 апреля, 1945 года, на 77 году жизни, художник и скульптор Кете скончалась, не дожив до победы несколько дней.

  Конечно же, здесь не проводится никакой аналогии с фашизмом, но, в связи с сегодняшними событиями, творческим людям  иногда приходится выслушивать в свой адрес упрёки в аполитичности, инфантильности и бездействии.  Да,все виды искусств влияют на сознание обывателя и, в этой связи, возникают вопросы: что делать и как быть честным сегодня художнику, чтобы не навредить?  И что честнее: писать чудный вид из окна и слушать как падает снег, или слушать оратора на площади Независимости и делать исторические зарисовки с активистов?

Живопись Третьего рейха

01. Х.О. Хойер. «В начале было слово»

Э. Эбер. Это — штурмовой отряд. 1938.

Р.Г. Айсенменгер. Австрия возвращается домой. 1938.

Т. Ригер. Мальчик из Гитлерюгенда. 1941

Х. Шмиц-Веденбрюк. Народ в борьбе.

Л. Шмуцлер. Деревенские девушки, возвращающийся с полей.

… и не только солдат… и не только тыл..

З. Хилц. Деревенская Венера. 1939.

О. Мартин-Аморбах. Баварская Венера. 1935.

П. Падва. Выступает фюрер. 1939.

А здесь словно не они на нас а мы на них…

А. Рейх. Сбор вещей для фронта. Зимняя помощь. 1942.

К. Берген. Поход в Атлантику. 1941

К. Берген. Возвращение из похода. 1941

В. Чех. Гренадер. 1943

В. Чех. Друзья. 1940

Р. Шрайбер. Против Англии. 1942

П. Падва. 10 мая 1940 года. 1942

Ф. Стагер. Патруль СС

Э.фон Гендель-Мазетти. Артиллерия на фронте. 1942

А вот, как трогательно…

Ф. Гебхардт- Вестербухберг. На охране Европы. 1942

А. Рейх. Большая жертва. 1943.

И ещё более трогательно… красивая работа…

Х.А. Бёхлер. Возвращение домой. 1940.

И достаточно немного  работ Кете Кольвиц примерно

того же времени…

В париже. Зарисовка цветным мелом

«Помогите голодной  России», 1921 г.

Родители

Хлеба!

Жив?

Встреча

Автопортрет

От: Ира Проценко

Его полотна экспрессивны, энергетичны и сексуальны. Одной из причин и тайн возникновения такого эффекта является то, что Паоло пишет свои картины без использования основного инструмента художников – кисти.

Но вначале несколько слов о самом художнике.

Паоло Троило родился в 1972 году в Таранто. Живёт и работает в Милане. Изучал архитектуру и современную литературу в университете Флоренции, а затем в Риме в Европейском институте дизайна.

С 1997 до 2009 года работал в нескольких авторитетных международных рекламных агентствах, сначала в качестве арт-директора, а затем, как креативный директор.

Выигрывал самые престижные международные награды в отрасли, а в 2007 году вместе с Алессандро Сабини был назван лучшим итальянским креативщиком.

Один из самых авторитетных мировых рекламистов месье Жак Сегела сказал о нём так:

«Я люблю этого парня. Он знает, что деньги не имеют никаких идей. Только идеи делать деньги «.

Параллельно со своей успешной бизнес-карьерой, Паоло Троило самостоятельно учился рисовать. Всё начиналось ещё в 4 года с рисования карандашом, а закончилось тем, что художник, по мере раскрытия дара, пришёл к тому, что стал рисовать пальцами.

И в апреле 2005 года начал карьеру в качестве профессионального художника. Весьма успешного художника. Его работы выставлялись в Сан-Франциско, Майами, Стамбул, Париж, Мадрид, Милан, Рим, Флоренция, Берлин, Базель, Сингапуре и Тель-Авиве.

Пишет свои картины он, макая пальцы в баночки с акриловыми красками и отдавая предпочтение монохромной гамме. По его словам, цвет — это иллюзия. А белый и чёрный — это открывающаяся дверь…

Можно предположить, что именно наличие личного контакта художника с полотном, обуславливает то, что последнему передаётся часть энергетики талантливого автора и человека, которую зрители воспринимают уже идущей от изображений на  картинах. Среди отличительных свойств картин Паоло Троило стоит назвать и успешное балансирование между понятностью и загадочностью, фантазией и реальностью настоящей мужской красоты.

С подборкой работ Паоло приглашаем вас познакомиться, перейдя к материалу Крик души через красоту мужского тела в работах Paolo Troilo

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

Художник намеренно подчёркивает свою тягу к гипертрофированно пышным телам. Всё, что он изображает — люди, животные, деревья, фрукты, предметы интерьера — имеет крупные и в то же время утончённые парящие формы, будто существует в мире с иными законами гравитации и эстетики.

Веласкес

Критики пишут, что тучные, пребывающие в блаженном полусне персонажи и предметы картин колумбийца, ассоциативно перекликаются с героями мистических романов его соотечественника Маркеса.

Такие же объёмные и одновременно воздушные формы имеют и оригинальные скульптуры колумбийца. Благодаря скульптурам, многие города приглашают его украсить и придать своими творениями масштабности их городским торжествам. Справедливости ради, надо сказать, что кроме таланта Фернандо Ботеро ещё и сопутствовала удача. В 1992 году Жак Ширак, бывший тогда мэром Парижа, выбрал его на роль главного фигуранта эксклюзивной выставки на Елисейских полях.

С тех пор полотна Фернандо Ботеро высоко ценятся на рынке произведений искусства. К примеру, «Завтрак на траве» — аллюзия колумбийца на известную картину Эдуарда Мане — был продан на аукционе Sotheby’s за $1 млн.

Впрочем,  в случае Фернандо Ботеро удача не ошиблась с выбором. Разбогатев, он не стал бизнесменом от живописи, а, напротив, регулярно удивляет мир своей  щедростью. В частности, он подарил Музею изобразительных искусств Боготы коллекцию живописи, оцениваемую в $60 млн. А своему родному Медельину автор передал 18 скульптур и почти сотню картин, составивших основу экспозиции Площади Искусств.

Можно много рассуждать об истоках и мотивациях творчества Фернандо Ботеро. Однако, на наш взгляд, лучшим комментарием к его необычной манере является цитата с сайта совсем другого по стилю живописца, который на 34 года младше колумбийца, но близок ему по замечательной особости своего художественного мира — красноярца Александра Левченко (здесь его картины и стихи):

— «Почему я рисую так, а не иначе?

— «Я так вижу»— ответ неправильный: ни один нормальный человек так без галлюциногенов или алкоголя не видит. И с алкоголем тоже. И в снах такое нормальным людям не снится. Если брать картинку, и сравнивать с тем, что происходит — вот ветки, вот мужик курит… Ну и где такой мужик на ветках?
И тогда мне придется признать, что я ненормальный. А я что — ненормальный — в таком признаваться?

Поэтому я скажу — я так рисую, потому что мне так нравится рисовать. Это, по крайней мере, честно».

Вот так просто без  пафоса и  апломба…. Возвращаясь к Фернандо Ботеро, подчеркнём, что доброта и по-детски восторженное отношение к миру должны прежде всего существовать в душе и только в этом случае они могут иметь шанс быть перенесенными на полотно.

Работы колумбийского мастера смотрите в материале: Фернандо Ботеро. Натюрморты

До недавнего времени в биографии известного коллекционера Оскара Германовича Гансена было больше вопросов, чем ответов. Однако снятие табу на «запрещенные» в советское время имена позволило опубликовать свои исследования научным сотрудникам Киевских музеев, в чьи собрания (в силу тех или иных причин) попали уникальные произведения искусства и старины из когда-то знаменитого частного музея О. Гансена. Так, стали известны точная дата и место его рождения: 18 февраля 1881, Петербург; уточнены подробности создания 3-го Государственного музея на основе коллекции Оскара Германовича. А сейчас сотрудники Сумского художественного музея, готовя выставку из своих фондов, в основе которых – «сумская часть» собрания О. Гансена,  пришли к выводу, что хранят личную печать коллекционера.

Переезд в Киев из Петербурга в 1907 году семьи О. Гансена был связан с переводом сюда конторы правления Товарищества Велико-Бобрикского сахарного завода (бывшая Харьковская губерния, теперь – Сумская область), в котором мать Оскара – Елена Августовна Виттерлейм – была директором-распорядителем. К тому времени она вышла замуж за инженера путей сообщения Иоакима Адольфовича Сумовского, а он не возражал против усыновления ее сына, оставив за ним имя отца. Отчим О. Гансена – состоятельный человек – стал первым директором основанного в столице в 1898 году акционерного общества Белгород-Сумской железной дороги,  одним из акционеров которого был  крупный промышленник из Сум Павел Иванович Харитоненко (имея в районе

Бывшая усадьба Суханова в Сумах

строительства железной дороги свои сахарные заводы, он щедро финансировал работы на участке Басы – Готня). Поэтому не удивительно, что Сумовские  выбрали своим местом жительства Сумы, поселившись в роскошном  особняке на Петропавловской улице, выстроенном еще в ХIХ веке потомственными купцами Сухановыми (предположительно, по проекту архитектора  М. Ловцова), куда впоследствии будет переправлена часть собрания Оскара Гансена…

1907 год оказался для Гансена знаковым. Став студентом юридического факультета Киевского университета Св. Владимира (до того учился на экономическом отделении Петербургского политехнического института, а с августа 1904  – на юридическом факультете Петербургского университета), он включился в общественную деятельность, начал активно собирать предметы искусства и старины. Именно это увлечение стало делом его жизни.

Дом с наядами на Подвальной, 14-а, где в кв. № 5 жил Гансен с 1911 года, выглядит сейчас так , и называется Ярославов вал.

Материальное положение семьи и его личное позволяло Оскару Германовичу заниматься коллекционированием. После смерти отчима ему в наследство досталось 1/5 акций Велико-Бобрикского сахарного завода. Кроме того, он имел счета в Петербургских и Варшавском банках. Как потомственный почетный гражданин и действительный член Товарищества домовладельцев города Киева и его окрестностей, Оскар Гансен владел домами и земельными участками в Киеве – по Виноградной, 18; Столыпинской, 35; Фундуклеевской, 68; 3-й дачной линии. Без сомнения, Оскар Гансен принадлежал к тем кругам торгово-промышленного капитала, лучшие представители которых осознали необходимость собирательской и меценатской  деятельности. И для него это было не только надежным вложением капитала, но и своеобразной страстью, подлинной любовью к искусству, природным даром распознавать настоящее, ценное. В 1911 году он снял квартиру в новом доме, возведенном Леонидом Родзянко в модном в то время стиле модерн (совместный проект архитекторов М. Клуга и В. Городецкого) по улице Большая Подвальная, 14-а, кв. 5 (ныне – ул. Ярославов Вал), где разместил свою уникальную коллекцию и поселился сам. К счастью, сохранились фотографии интерьеров квартиры Гансена, которые он успел сделать накануне Первой мировой, дающие нам представление о «музейном подходе» к коллекционированию, о знаниях, вкусах  и приоритетах ее собирателя.

В целом собрание О. Гансена свидетельствует о его стремлении создать гармоничный образ эпохи, подчеркнуть стилистическое единство разных видов искусства. В интерьерах его частного музея живопись сочетается с графикой, скульптурой, мебелью и так называемыми «художественными предметами» – фарфором, фаянсом, стеклом, бронзой, тканями. Кроме этого, в сферу его собирательских интересов входили военные атрибуты – оружие, мундиры, награды.

икона «Воскресение»

По коллекциям его монет, медалей и печатей можно было изучать мировую историю, хотя предпочтение коллекционер отдавал отечественной и польской.

Не удивительно, что «вечный студент» стремился к контактам с современным ему миром музеев и крупных коллекционеров. Он сблизился  со многими известными деятелями украинской культуры и искусства начала ХХ столетия. В число его знакомых входили: создатель и первый директор Киевского художественно-промышленного и научного музея Николай Биляшивский, легендарный директор  Львовского Национального музея Илларион Свенцицкий, искусствоведы Дмитрий Щербакивский, Федор Эрнст, историки Михаил Грушевский, Николай Макаренко, видные художники – братья Василий и Федор Кричевские, Георгий Нарбут, Сергей Светославский, Вильгельм Котарбинский и многие другие, кто впоследствии станет помогать ему в сохранении коллекции или войдет как экспонент в его собрание.

Складывались его коллекции скрупулезно, а местами сбора были такие центры искусства, как Петербург, Киев, Москва, Львов, Варшава, с их выставками современного искусства, антикварными салонами и лавками. К сожалению, пока ничего не известно об участии его в крупных аукционах. Зато в книге Вадима Павловского «Василь Григорович Кричевський. Життя і творчість», изданной в 1974 году Украинской Свободной Академией Наук США, упоминается о совместных экспедициях в провинции с целью собирательства украинских килимов (в фондах Сумского художественного музея хранится более 50-ти их экземпляров).

Киево-Межигорский фаянс — писанка

Заметим, что 1911 год упоминается в архивных документах, касающихся Оскара Гансена, довольно часто. Прежде всего, он подводит итоги своего собирательства. В специальном выпуске журнала «Искусство, живопись, графика, художественная печать» (№ 6-7 за 1911 год), посвященном его коллекции киево-межигорского фаянса, признанной единственной в мире по уникальности и количеству экземпляров (более 1000 единиц), помимо заказной статьи Евгения Кузьмина «Межигорский фаянс», публикуется статья «Межигорские клейма» самого Гансена. В ней он квалифицированно дополняет искусствоведа относительно специфики маркировки изделий на фабрике в разные годы ее существования. При этом автор приводит в качестве примеров  не только марки, встречающиеся в его собственном собрании, но и «в некоторых других коллекциях». Профессиональный научный подход к делу чувствуется во всем.

            Далее, в 1911 году Гансен-меценат впервые отмечен в музейных отчетах как даритель ценных предметов (церковная вышивка золотными нитями, образцы подрясников, гутного стекла, фаянса, фарфора). В этом же году  он передал в подарок Львовскому промышленному музею деревянную скрыню ХVІ столетия, декорированную аллегорическими орнаментальными мотивами. Директор музея в письме-благодарности заверял Гансена в том, что это творение искусства будет находиться в постоянной экспозиции, а на этикетке будет указано имя дарителя. Известна также переписка коллекционера

аллегорическая фигурка «Зима»

с этим музеем, в которой  обсуждались вопросы пополнения музейного собрания и возможности приобретения О. Гансеном экспонатов для музея. Имея деловые контакты с Галицией, собиратель ни на миг не забывал о своем долге перед искусством. Cкладывалось ощущение, что его жизнь протекала беззаботно, была наполнена приятными встречами и впечатлениями.        Именно в этот период Оскар Германович мог познакомиться с австрийским скульптором, галичанином по происхождению, Петером Терещуком (Peter Tereszczuk, 1875 –1963), популярность которого как мастера бронзовой пластики возрастала,  и заказать ему статуэтку-печать с личным вензелем — монограммой «ОН» (от «Oscar Hansen», как маркировал он книги своей огромной библиотеки; латиницей же выписано его  имя на экслибрисе работы Георгия Нарбута).

Выпускник Венской школы искусств и ремесел (Vienna Arts and Crafts School), П. Терещук успешно сотрудничал с венским литейщиком Ульрихом Ульманом, который прославился, как один из лучших производителей малотиражной авторской скульптуры. Предпочтение мастер отдавал изображениям женщин и детей, а известность ему принесли композиции, выполненные из бронзы и слоновой кости, но скульптор работал и с другими материалами. Диапазон его деятельности необычайно широк – это портретная скульптура, кабинетная скульптура малых форм, письменные аксессуары, настольные лампы, бра, различные бытовые предметы (коробочки, пепельницы, лоточки, декоративные вазочки, звонки и прочие дорогие мелочи).

личная печать коллекционера О.Гансена

Уникальное украшение письменного стола – печать со скульптурной рукоятью в виде женской головки, покоящейся, как бюст, на пьедестале  с подписью известного скульптора на обороте – мог себе позволить успешный и состоятельный человек, каковым и был Оскар Германович Гансен. Однако печальный вид женщины в покрывале и надпись «LA BERGERE» (с франц. – «пастушка, жрица») над рельефным пасущимся  агнцем,  читаемые на лицевой стороне пьедестала-подставки в виде усеченной пирамиды, хранят в себе некую тайну человека, пережившего горе. Эта тайна пока не раскрыта. Страстный собиратель образцов сфрагистики, Оскар Гансен вряд ли мог предположить, что его личная печать, несущая отпечаток скорби, окажется в коллекции собранных им матриц периода последнего польского короля Станислава Августа Понятовского и патриотических восстаний ХVIII–XIX веков, вызванных разделами Речи Посполитой. Как не мог предположить, что его слова окажутся пророческими: «…кроме материальной стоимости, музейное собрание мое имеет художественно-научную ценность, каковая… есть плоды моего неустанного труда по изысканию и изучению памятников старины, и составляет огромный багаж знаний, совершенно безвозмездно отданный потомству…».

До начала большой «Мировой скорби» остается еще несколько лет мирной жизни, которые коллекционер, меценат и библиофил с упоением посвятит любимому делу, а затем начнутся заботы совершенно иного характера. Архивные сведения об Оскаре Гансене обрываются 1919 годом – временем создания 3-го Государственного музея на базе «киевской части» его собрания и в его же собственной квартире. Последующие же разделы и перераспределения Гансеновских коллекций начнутся в 1920-е годы уже в отсутствие их собирателя, дальнейшая судьба которого пока неизвестна…

Стиль работ Альбина Бруновского можно определить как сюрреалистический маньеризм, одновременно сочетающий в себе, казалось бы, столь противоположные вещи, как высокая духовность и подчёркнутая эротичность. И всё это на фоне великолепной метафоричности, отточенной техники и характерного для маньеризма изобилия деталей

Альбин Бруновский родом из юго-западной Словакии. От его города Зобор до Вены было ближе, чем до Братиславы. Местные жители зарабатывали тем, что возили в австрийскую столицу на продажу овощи, в изобилии растущие на плодородных землях их родного края. Позже, вспоминая свои детские впечатления, Альбин Бруновский шутил, что он «вырос в овощах».

Искусству рисования будущий знаменитый художник учился в Братиславе. Сначала в Художественно-промышленном училище (1951—1956), а затем в Институте изобразительных искусств (1956—1961), где постигал тайны графики и иллюстрации у Винцента Гложника.

Свою первую международную награду, с которой началась его всемирная известность, Бруновский получил в 1964 на биеннале графики в Лугано за офорт «Музыка».

В дальнейшем выставки работ Альбина Бруновского с успехом проходили во многих городах мира. Среди них: Вена, Женева, Загреб, Белград, Париж, Краков, Каир, Чикаго, Лодзь, Рим, Варшава, Таллин, Москва, Будапешт, Бухарест, Токио, Прага, Венеция, Дюссельдорф, Дортмунд, Оберхаузен…

В конце 60-х годов Бруновский большое внимание уделял резьбе по камню и литографии. На этом этапе главной целью его художественных поисков была игра со светом. Его работы того времени создают впечатление внутренней освещённости, свет их играет почти «биологическую роль, способствуя преодолению противоречий между живой и неживой материей».

Ранее мы писали: Грузинский график создаёт рисунки, которые не может повторить никто 

Среди техник, в которых работал Альбин Броновский были: офорт, чёрно-белая и цветная литография, экслибрис, иллюстрация и живопись на дереве.

Особо отметим его живопись на дереве. Здесь Бруновский, используя характерную для графики технику, рисует акварелью, темперой, масляной лазурью, пастелью, отдавая предпочтение редким  породами дерева, при этом сохраняя его природную красоту и подчёркивая фактуру так, что даже дефекты — трещины, изгибы, следы сучков  — становятся эмоциональными или структурными элементами его  композиций.

Если попытаться коротко определить творческую тему Альбина Бруновского – то это человек, живущий на фоне прекрасного божьего Творения, осознающий и чувствующий неразрывную связь с ним и его Создателем и страдающий от вечной неполноты душевной и физической реализации этой связи.

Много работ художника смотрите в материале: Фантазии Альбина Бруновского

Более того, на неё практически не влияют химические растворители, щёлочи и кислоты, например азотная кислота. Образцы живописи, выполненные с использованием краски Maya Blue, и поныне встречаются в Мексике и на Кубе.

Наиболее известным является цикл картин для францисканской церкви в посёлке Текамачалко (Tecamachalco) – сегодня это мексиканский Штат Пуэбла. Работы были созданы в середине 16-го века (1562 год) индейским художником Хуаном Герсоном. Выполнены они на ткани, приклеенной к кладке, расположены на сводах церкви и являют собой яркий пример сочетания индейской и европейской техники, которое иногда называют индо-христианским искусством (Arte Indocristiano).

Возможно, они были созданы Хуаном Герсоном на основе черно-белых гравюр, взятых из средневекового молитвенника.

О самом художнике сегодня известно крайне мало. Ясно только, что он знал способ изготовления бирюзово-голубой краски Maya Blue, то есть был посвящён в тайны живописцев-майя, народа имевшего, к слову, свою веру.

В то же время индейский художник, допущенный к росписи христианской церкви, безусловно, находился под влиянием европейской культуры, с которой познакомился через монахов-францисканцев.

Эта ситуация двойственного мышления вызывает в памяти образ русского иконописца Андрея Рублёва (1360-1428), жившего во времена, когда Русь ещё не была полностью христианской и многие сакральные традиции славянского язычества являлись органичной частью быта и мировосприятия. Атмосфера того времени великолепно воссоздаётся в фильме Андрея Тарковского, посвящённом судьбе и творчеству знаменитого иконописца.

Обратим внимание на любопытный момент. Образному мышлению славян–язычников был присущ антропоморфизм, то есть перенесение человеческих черт и качеств на окружающий мир. В более широком смысле, вселенная славянами воспринималась как нечто целое, полное человеческих, а следовательно, и божественных присутствий в различных стихиях, бытовых вещах и элементах живой и неживой природы.

А теперь посмотрим на знаменитую рублёвскую «Святую Троицу»,  где в центр композиции помещена чаша, а ангелы с обоих боков своими фигурами повторяют её очертания. Достаточно смело для строгих традиций христианской иконописи…

Но вернёмся к Maya Blue. В наши дни секрет индейской краски, утерянный на несколько веков, разгадан французскими исследователям из Института Нееля (Франция) под руководством доктора Катерины Дижоэ с помощью методов рентгеноструктурного и термогравиметрического анализа.

Оказалось, что всё дело в глине палыгорскит, с которой смешивался органический краситель (индиго). Её строение отличается той особенность, что сквозь весь её объём проходит множество микроскопических каналов, заполненных мелкими капельками воды. При термическом воздействии вода покидает каналы, и её место занимают молекулы красителя. После охлаждение материала каналы вновь сужаются, и краситель остаётся замкнутым внутри глины.

Сейчас ведутся эксперименты по окрашиванию палыгорскита в другие цвета.

А мы ещё скажем несколько слов о синем цвете. Как это ни удивительно, но единственная древняя культура, которая различала синий цвет, — египетская. У египтян даже была краска синего цвета. А остальные европейские народы, даже древние греки, синий цвет не различали довольно долго.

Читайте об этом подробнее в материале: Учёные выяснили, что древние не знали какого цвета небо

В общем-то древних немного жаль, ведь сегодня синий цвет мы видим везде и именно он считается одним из самых позитивных в спектре. Он в достаточно большом количестве присутствует даже в «Святой Троице» Андрея Рублёва.

Синему цвету посвящено целое стихотворение. Вряд ли ещё какой цвет может этим похвастаться. Написал его грузинский поэт Николоз Бараташвили, а перевёл на русский язык Борис Пастернак.

Цвет небесный, синий цвет
Полюбил я с малых лет.
В детстве он мне означал
Синеву иных начал.

И теперь, когда достиг
Я вершины дней своих,
В жертву остальным цветам
Голубого не отдам.

Он прекрасен без прикрас —
Это цвет любимых глаз,
Это взгляд бездонный твой,
Опалённый синевой,

Это цвет моей мечты,
Это краска высоты.
В этот голубой раствор
Погружён земной простор.

Это лёгкий переход
В неизвестность от забот
И от плачущих родных
На похоронах твоих.

Это синий негустой
Иней над моей плитой,
Это сизый зимний дым
Мглы над именем моим.

В этих стихах вся жизнь человека….

А ещё, оказывается, в XV—XVI вв. богатого и успешного художника определяли по количеству оттенков синего цвета на его картинах.

Читайте об этом и смотрите картины в материале Ляпис-лазурь: и всем было счастье.

Он одновременно теплый и раздражающий, ассоциируется со страстью и любовью, а также с гневом и опасностью. Воздействие красного цвета может увеличить частоту сердечных сокращений человека и привести к перевозбуждению. А может и утомить. Психологи рекомендуют использовать его в умеренных количествах, и тогда красный цвет повышает физическую силу, работоспособ­ность, способствует устранению депрессии и стимулирует иммунную систему.

Иногда перед ответственными выступлениями спортсмены носят очки с красными стёклами — это помогает мобилизации организма для достижения высоких результатов.

Интересно, что люди с возрастом стараются одеваться не слишком ярко. Кроме всего прочего, это ещё связанно с подсознательным желанием покоя и умиротворенности. Однако немножко красного и в этом случае не помешает — он будет мотивировать к активным действиям и пробуждать волю к жизни.

Красный цвет известен как цвет революций, войн и вообще агрессии. Не зря он в своё время был цветом государственных флагов империй, в том числе с 1933 года по 1945 год — государственным флагом Третьего Рейха. Ну и СССР тоже. Впрочем, и самая нейтральная из всех стран мира – Швейцария тоже живёт под красным флагом с белым крестом по центру. Любопытное, кстати, соседство — пылкий красный и снежный белый – лёд и пламень… Мы к нему ещё вернёмся чуть ниже.

Кстати, по теме: Этот странный белый цвет

А ещё красный, как и другие цвета, стал частью устойчивых словосочетаний, идиом и эвфемизмов, никак напрямую с цветом вроде бы не связанных.

Красная шапочка

Сюжет сказки о встрече девочки с волком существовал в европейской культуре со времен раннего средневековья и был связан с верой в разнообразных оборотней. Однако только Шарль Перро додумался одеть девочку в красную шапочку. Просто чтобы оживить её штрихами реальности – такие шапочки действительно носили в то время юные селянки во Франции. К слову, он же первым обул Золушку в хрустальные туфельки. В предыдущих версиях сказки Золушка ездила на бал в башмачках из менее изысканных материалов — деревянных, кожаных, меховых или сафьяновых.

Шарль Перро был сначала поэт, а потом уже сказочник. А поэт умеет играть деталями. И хотя далее «красная шапочка» никак в сюжете не обыгрывается, но именно её наличие сделало девочку живой. А сказку – вечной.

Красный нос

Красный нос обычно воспринимается как атрибут клоуна. Это связано с образом шутовского персонажа скоморошьих представлений Фарноса – прототипа всем известного кукольного Петрушки. Фарносами в народе называли купцов-евреев. Обязательной чертой внешности кукольного Фарноса был красный горбатый нос.

В наше время существует «День красного носа» — весенний праздник юмора, проводящийся в Великобритании раз в 2 года. В знак поддержки обездоленных люди приобретают миллионы красных клоунских носов, и повсюду проходят тысячи благотворительных акций.

Красный нос также считается непременной принадлежностью пьяницы. Дело в том, что алкоголь расширяет капилляры. При частом употреблении спиртного капилляры утрачивают эластичность и уже не сужаются, формируя соответствующий цвет носа.

В этой связи, пожалуйста, не верьте вымыслам, что у Деда Мороза красный нос. На самом деле у него красная только одежда, да красна девица рядом — Снегурочка, в смысле. А нос и щёки у аутентичного ДМ просто слегка розовые от холода.

Ещё о цветах: Этот странный синий цвет

Красный крест

Красный крест на белом фоне – эмблема международной волонтёрской организации, имеющей целью помогать всем страждущим. Основана она в 1863 году «Комитетом пяти» швейцарских граждан. Её принципы были также провозглашены в Швейцарии и носят название Женевской конвенции. Логотип вначале представлял собой чисто дизайнерскую инверсию швейцарского флага. Когда к движению подключились исламские страны, в логотипе к красному кресту добавился красный полумесяц.

Улица красных фонарей

Как следует из Оксфордского словаря английского языка первый раз название «квартал красных фонарей» было использовано газетой Sandusky Register из города Сандаски, штат Огайо в 1894 году. Связано оно с традицией ставить красные фонари в окна домов, где оказываются услуги интимного характера. Особенно это было популярно и работало лучше всяких рекламных объявлений в портовых городах, где всегда много истосковавшихся по женской ласке моряков.

О странностях зелёного цвета читайте тут

Красная нить

Во времена парусного флота на голландских и английских королевских кораблях в верёвки и канаты вплетались красные нити, чтобы можно было, даже по небольшому фрагменту, понять, откуда снасти. Впервые словосочетание «проходить красной нитью», то есть присутствовать на всех этапах повествования, в качестве аллегории применил Гёте в романе «Wahlverwandtschaften» (1809).

Красный гигант

Красный гигант – один из этапов эволюции звёзд. Учёные дают примерно 5 миллиардов лет до полного исчерпания запасов водорода в ядре Солнца. Затем начнётся превращение гелия в углерод. В результате, Солнце превратится в красного гиганта, его размеры вырастут в двести, а то и более раз и достигнут земной орбиты. Меркурий и Венера исчезнут в огненной пучине. А Земля разогреется до температуры, при которой биологическая жизнь на ней станет невозможна.

А вода на Земле испарится ещё раньше, приблизительно через 1,1 миллиарда лет по причине одновременного увеличения яркости Солнца и постоянного рассеяния молекул атмосферы в космосе. Но сильно беспокоиться по этому поводу не стоит. Человечество обязательно что-то себе придумает для жизни – кардинально новое и пока непредставимое для нас, как был абсолютно непредставим для мудрых древних греков интернет.

Красный конь

Купание красного коня — картина художника Кузьмы Петрова-Водкина. Написана в 1912 году. Находится в Третьяковской галерее. Наряду с «Чёрным квадратом» Малевича считается одной из вершин концептуального искусства. По утверждению автора, цвет коня он выбрал, изучая новгородские иконы, в частности — «Чудо архангела Михаила». На картине нет полутонов, краски контрастны и как бы сталкиваются в противоборстве, что характерно для иконописи. Многие считают картину гениальным предвидением наступления «красного» XX века.

The Lady in Red

«Леди в красном» — мировой хит ирландского автора-исполнителя Криса де Бурга. Композиция посвящена жене сочинителя Диане. По словам де Бурга, песня вдохновлена памятью об их первой встрече и мыслями о том, что мужчины зачастую не могут даже вспомнить, во что их жёны были одеты в момент первой встречи.

Мы не случайно завершили обзор на проникновенном объяснении в любви прекрасной женщине. На Руси издревле красный и прекрасный были синонимами. И в этом главный символический смысл красного, как, впрочем, и любого другого цвета.

Читайте подробнее: Этот странный жёлтый цвет

Разгадки многих устоявшихся образов черного:  Этот странный чёрный цвет

А впрочем, каждый цвет — это загадка, которую интересно разгадывать.

События разворачивались в очень сложное для понимания современниками время — 30-е — 40-е годы прошлого столетия. Однако одни каким-то образом умудрялись тогда чувствовать и понимать правду. А другие — даже очень умные — ошибались. Или болели затмением сознания.

Начнём издалека, со времён античности. Со школьной скамьи многие знают имя римского императора Диоклетиана, который провёл остаток жизни, удалившись от государственных дел и занимаясь выращивание капусты.

В XX веке его судьбу повторил ещё один обладатель «голубой» крови, Эрнст Генрих Саксонский (1896 – 1971г.г.) — немецкий принц, младший сын последнего короля Саксонии Фридриха Августа III.

А вспомнили мы о наследном принце, который, правда, никогда не правил, в отличие от Диоклетиана, по той причине, что в своё время он сильно помог знаменитой немецкой художнице, графику и скульптору Кете Кольвиц (1867-1945 г.г).

Кете Кольвиц Автопортрет

В 30-е годы прошлого века Кете Кольвиц отказалась сотрудничать с гитлеровцами, но не уехала из Германии, находясь при их власти под постоянной угрозой ареста. В этом она сходна с Карлом Ясперсом, философом, считающимся одним из основателей экзистенциализма, который также отказался сотрудничать с нацистами, что, в итоге, послужило причиной его разрыва с давним другом и коллегой Мартином Хайдеггером. К Ясперсу и Хайдеггеру мы ещё вернёмся, а пока поговорим о Кете.

Перечислим несколько  обстоятельств, сформировавших её итоговое мировоззрение.

Кете Кольвиц родилась и выросла в необычной семье. Её отец, Карл Шмидт, был радикальным социал-демократом, получив юридическое образование, он не стал судьёй, а выбрал профессию строителя-каменщика, так как его политические взгляды противоречили реалиям тогдашней Пруссии. Муж Кете, Карл Кольвиц, и его друзья увлекались, как и ее брат Конрад, идеями социализма.

После начала Первой Мировой войны, через два дня пребывания на фронте, умер Петер, сын художницы. В память о нём Кете Кольвиц решила создать памятник, который в ходе работы приобретал всё более философский и общий характер и, в итоге, был посвящён сначала добровольцам и, наконец, вообще молодежи, обманутой и бесцельно принесенной в жертву.

Она ещё не знала, что в 1940 году на фронте Второй Мировой погибнет её внук, но уже тогда стала противницей любой войны.

Кете Кольвиц с 1919 года носила звание профессора Прусской академии искусств, которую была вынуждена оставить в 1933 году, после прихода к власти нацистов. В это же время Академию покинул и Генрих Манн, старший брат Томаса Манна, совместно с Альбертом Эйнштейном подписавший несколько воззваний с призывом к образованию коалиции социал-демократов и коммунистов против нацистов.

С того времени для Кете Кольвиц начались трудные времена. Её, всемирно известную художницу, правда, не арестовали, но практически лишили возможности работать и выставляться.

Замок Морицбург

В 1944 году по приглашению принца Эрнста Генриха Саксонского, который был давним поклонником её творчества, художница переехала в замок Морицбург под Дрезденом.Эрнст Генрих Саксонский был политическим противником нацистов. Поэтому после захвата Гитлером абсолютной власти в стране, он был вынужден удалиться в замок Морицбург, знаменитый тем, что он находится на искусственном острове, созданном за счёт увеличения окрестных прудов. Многие любители кино видели это красивейшее сооружение в чешско-немецком фильме «Три орешка для Золушки».

Впрочем, полностью отказаться от общения с нацистами принцу не удалось. Совсем недавно СМИ сообщили, что в подвалах замка его нынешний владелец, ресторатор Сильвио Штельцер, обнаружил сотни ящиков с коньяком и шампанским,  а также деликатесными сырами, колбасами, сливочным маслом, кофе, печеньем, шоколадом и сигаретами. Всё это было завезено и оставлено по указанию Гитлера в 1944 году и записано в регистрационные книги принца.

При приближении Красной Армии Эрнст Генрих Саксонский покинул замок и после пары лет скитаний по свету, в 1947 году купил недвижимость в графстве Уэстмит (Ирландия), где и поселился вместе с семьёй.

Довольно быстро освоившись, принц, в конце жизни, стал успешным фермером, напомнив, таким образом, о судьбе Диоклетиана.

Коротко о дальнейшей жизни некоторых фигурантов нашей истории.

Карл Ясперс после победы над нацизмом стал играть значительную роль в общественной жизни нового немецкого общества, как один из немногих интеллектуалов, не замешанных в связях с гитлеровцами. А вот его бывший товарищ Мартин Хайдеггер вынужден был жить в опале, без права преподавания. Хотя факт того, что он был величайшим философом XX века и тогда никем не оспаривался. И всё потому, что в 1933 году Хайдеггер на год стал ректором Фрайбургского университета.

Увы, великому мыслителю постигавшему суть Бытия, не хватило земного чутья, чтобы вовремя постичь суть нацизма. А понять её можно было только чутьём, потому что жили немцы в то время в условиях тотальной пропаганды, которая выставляла немецкий народ спасителем цивилизованного человечества.

Мы не случайно коснулись темы зависимости от пропаганды. Сегодня люди в Украине и России живут именно так, под сильнейшим прессом преднамеренно неправдивой информации.

А знаете, что является первым признаком того, что страна заболела? — Единодушие верхов и низов, власти и народа, богатых и бедных. 

Об этом и о дальнейшей судьбе Кете Кольвиц читайте в материале Сентиментальный Адольф и суровая Кете. Там же можно посмотреть её работы.

И сегодня ещё среди коллекционеров произведений искусства высоко ценятся его офорты.

Но всемирную известность и почётное звание единственного в своём роде художника Гураму Доленджашвили принесли рисунки обычным графитным карандашом на обычной белой бумаге. Обычный карандаш, обычная бумага, только вот рисунки получаются вовсе необычные.

Выполнены они в несвойственной для графиков тонально-живописной (а не линейно-штриховой) технике, с помощью лёгких, едва заметных касаний карандаша, оставляющих бумажному листу возможность просвечивать сквозь рисунок. В результате, рисунки приобретают особую насыщенную светом палитру, которая воспринимается как цветовая, хотя на самом деле это просто разнообразные оттенки и комбинации в различных пропорциях чёрного и белого цвета.

Все нюансы – мельчайшие штрихи, линии и точки, составляющие изображение, можно рассмотреть только через лупу. Гурам Доленджашвили так их и рисует с помощью лупы, долго, бывает что годами. Причём делает он это с увлечением, порой, не отрываясь по 16-18 часов от работы и месяцами не выходя из дому.

Однако это вовсе мне значит, что его рисунки можно повторить при помощи аналогичного старания и  использования оптического прибора. Тут самую важную роль играет художественная интуиция и удивительная (как у микрохирурга) чувствительность пальцев художника, позволяющая ему точно определять координату и размер каждого касания, в ситуации, когда всё решают миллиметры.

По словам художника, для лю­бо­го ри­сун­ка необ­хо­ди­мо вре­мя, чем боль­ше зна­ний, тем дли­тель­нее про­цесс: «В ака­де­мии ри­со­ва­нию об­на­жен­ной на­ту­ры в 1-ом се­местр от­во­дится 16 ча­сов; во 2-ом — 18 ча­сов. Тре­тий се­местр — 20 ча­сов. Каж­дый день два часа ри­со­ва­ли. Кто не уме­ет ри­со­вать, для того труд­но 16 ча­сов ра­бо­тать над ри­сун­ком.»

Природа – главный  источник вдохновения и предмет интереса Гурама Доленджашвили: «За сравнительно короткий срок мне довелось немало испытать. Я много раз  промокал до нитки от пота, дождя и ледяных морских волн, однажды даже тонул, другой раз, казалось, безнадёжно заблудился, но зато судьба подарила мне такие экзотические зрелища и захватывающие впечатления, какие выпадают на долю лишь счастливых людей. Я ходил на моржей с эскимосами, взбирался на тушу кашалота, побывал в самой гуще птичьего базара, бродил по китовому кладбищу, слышал лай тысяч песцов… И всегда поражался теми картинами природы, которые открывались передо мной. Как могла быть создана такая красота?!» —  так он поясняет свою страсть к изображению пейзажей. Загадка красоты природы его удивляет, а страсть и влечение в нас вызывает только то, что удивляет…

Отдельно отметим женскую тему в работах грузинского графика. Женщина в понимании Гурама Доленджашвили прекрасна, как природа, и является её важной и неразрывной частью. У него нет никаких иных чувств по отношению к женщине, кроме восхищения её красотой и преклонения перед космическим началом её совершенства.

Много работ Гурама Доленджашвили и ещё информацию о нём вы найдёте в материале Гурам. Имеретинская тишина

]]> https://creativpodiya.com/posts/45831/feed 5 https://creativpodiya.com/posts/63978 https://creativpodiya.com/posts/63978#respond Thu, 15 May 2025 07:55:56 +0000 https://creativpodiya.com/?p=63978 Иван Кавалеридзе – украинский Микеланджело. Так его назвали в ЮНЕСКО, внеся дату 100-летнего юбилея выдающегося  украинского скульптора, драматурга и режиссёра в официальный календарь этой организации.

Кавалеридзе прожил удивительную, полную противоречий и непредсказуемых поворотов жизнь, достойную романа-эпопеи. Мы приведём всего несколько фактов его биографии, и каждый из них стоит отдельной книги. Ведь это же был не обычный человек. Это был творящий, деятельный гений, вокруг которого происходило множество значимых событий.

Смешение кровей

Иван Кавалеридзе

Иван Кавалеридзе родился 1 апреля 1887 года в простой многодетной крестьянской  семье Килины Лукивны Кухаренко и Петра Васильевича Кавалеридзе на хуторе Ладанский (сегодня село Новопетрівка) Роменского района Сумской области. Его грузинский дед Васо Кхваридзе был выходцем из княжеского рода, оказавшимся в Украине после Кавказской войны. Здесь его неудобная для местных фамилия Кхваридзе, превратилась в Кавалеридзе. А вот дядя будущего гения, Сергей Мазараки, был потомком греческого рода.

Скульптурное отделение и Фёдор Шаляпин

Именно дядя обратил внимание на страсть юного Ивана к лепке и привёз его в Киев. Там, после окончания учёбы в гимназии, Иван поступил в художественное училище, учиться на скульптора. Хотя мечтал стать архитектором. Но занятия на факультете архитектуры стоили 100 рублей в год. Это было неподъёмной суммой для семьи, для которой даже в 10 раз меньшая плата на отделении скульптуры оставалась слишком высокой, чтобы Ивану не пришлось подрабатывать.

И он устроился статистом в Киевский оперный театр, где познакомился и подружился с Фёдором Шаляпиным. И даже создал его бюст. И навсегда влюбился в искусство театра.

Ленин и Аронсон

В 1909 году Иван Кавалеридзе учился в Петербуржской академии художеств. А затем в Париже, где совершенствовал мастерство в частной студии Наума Аронсона. Там он якобы в 1910 году встречался с будущим «вождём мирового пролетариата». По крайней мере, такова легенда, продолжение которой мы приведём чуть позже. В Париже Кавалеридзе также посещал мастерскую Огюста Родена и плодотворно общался с её хозяином.

Памятник княгине Ольге и другие

В 1911 году в возрасте 24 года Иван Кавалеридзе в Киеве выигрывает конкурс на лучший проект и совместно с Петром Сниткиным и архитектором Валерьяном Рыковым создаёт знаменитый памятник княгине Ольге, Апостолу Андрею, Кириллу и Мефодию на Михайловской площади. В 1919 году памятник был разрушен и восстановлен уже в 1996 году.

 Кинематограф

Ивана Кавалеридзе называют одним из родоначальников украинского исторического кино и ставят в один ряд с Довженко, Пудовкиным и Ейзенштейном.

Начав на киностудии как художник-оформитель, Иван Петрович быстро постиг секреты мастерства и снял несколько авангардных фильмов, первый из которых «Злива» был встречен восторженными похвалами.

Вот как пишет об этом в своих воспоминаниях сам Кавалеридзе:

«Советом студии картина «Ливень» была расхвалена: «…Визнати роботу т.т. Кавалеридзе та Калюжного «Злива» за видатне явище в українській кінематографії».

Комиссия ВУФКУ тоже отметила, что картина необычная: «…художнім оформленням і своєрідним підходом до розв’язання теми, є нове явище в кінематографії…». «Визнати за доцільне фільм надіслати за кордон».

Фильм послали в Англию. Вскоре московское руководство киноискусством получило ответ: «Ливень» Кавалеридзе-Калюжного кажется мне новой страницей в истории кинематографической техники. Может быть, такой же важной страницей, которая была открыта «Потемкиным» и т.д.

Морис Добб, Приват-доцент Кембриджского Университета, Член Совета УОРКЕР ФИЛЬМ СОСАЕТИ ЛОНДОН»

Ознакомившись со столь позитивным откликом, советские власти почему-то приняли решение… уничтожить все копии фильма «Злива». Сегодня о нём мы можем только читать.

Далее были уже напрямую раскритикованные властями «Прометей» и «Коліївщина» — слишком мало, мол, соцреализма. Ещё бы. «Коліївщина» снималась в разгар Голодомора и речь в ней о восстании казаков…

После чего Кавалеридзе перевели на съёмки идеологически безопасных киноопер. Там он опять же выступил как новатор, и один из первых в мире в «Наталке Полтавке» (1936) и «Запорожце за Дунаем» (1937) использовал синхронную фонограмму, когда роль играл один человек, а его арии пел другой. В «Запорожце» исполнитель главной роли артист Лесь Сердюк пел, например, голосом Ивана Козловского.

Во всей этой истории с кино уже начало проявляться отношение советских властей к Кавалеридзе. Все знали, что ему симпатизировал Сталин, равно как и то, что его считали гением за границей. Видимо поэтому маэстро не расстреляли и не сослали, как других. Даже после событий Второй Мировой войны.

Кавалеридзе в оккупации   

Начало войны Иван Кавалеридзе вместе со съёмочной группой встретил в Карпатах, где шла работа над фильмом про Олексу Довбуша. Вернулся он уже в оккупированный нацистами Киев. И принял приглашение работать в Киевской городской управе, начальником управления культуры.

Тут нужно отметить несколько моментов. Ивану Петровичу тогда было уже 54 года – не совсем тот возраст, чтобы ползком перебираться за линию фронта к своим. Да и «свои» они для него были весьма относительно, после всех-то запретов и гонений. Кроме того, власть гитлеровцев была не первой, при которой жил Кавалеридзе – царь, три украинских державы, Советы —  всё это случилось при нём и шло мимо пока он творил. К тому же и УНР, и Гетьманат Скоропадского держались как раз на немецких штыках.

И наконец, сотрудничество с немцами давало шанс помогать действительно своим. И по рассказам, он спас многих, не только деятелей культуры, но и членов еврейских семей, от Бабьего Яра.

Городская управа — это было вроде как украинское самоуправление при немецкой оккупационной власти.

Отделом образования в ней руководил доцент КПИ Иван Солодовник. Союз художников и архитекторов возглавлял профессор Федор Кричевский, Союз писателей — Олена Телига.  Всё это происходило под эгидой ОУН и кончилось плохо. Уже в 1942 году городскую управу перевели под полный контроль комендатуры, а её главу Владимира Багазия, а также Олену Телигу вместе с мужем расстреляли как украинских националистов в Бабьем Яру.

А в Харькове в то же время была замучена фашистами советская партизанка, дочь Ивана Кавалеридзе от второго брака Нина.

Кавалеридзе в городской управе, впрочем, проработал всего несколько месяцев, после чего уволился и выживал в Киеве, торгуя своими работами на рынке. Тут с ним произошла история, ставшая продолжением легенды, о которой мы упоминали выше. Вроде бы на скульптора вышел некий немецкий офицер и предложил создать бюст Гитлера, мол, раз Ленина лепили, то и фюрера сможете. На что Иван Петрович ответил, что он не сумеет вылепить Гитлера, потому что никогда его не видел. А Ленина – видел. В Париже. У Аронсона.

Кстати, есть версия, что немецкий офицер был советским контрразведчиком и Кавалеридзе просто проверяли.

Довженко и Хайдеггер

Судьба Ивана Кавалеридзе  прямо или опосредовано связана со многими  великими мира сего. В этом смысле вспоминается параллель с ещё одним гением – немецким философом Мартином Хайдеггером, который тоже некоторое время пытался сотрудничать с нацистами ради дела. Завершилось это для обоих достаточно мягкой опалой. Сказался их мировой авторитет. А в случае Кавалеридзе, видимо, ещё и личная симпатия Сталина, называвшего его «настоящим грузином, который нигде не пропадёт».

К слову, Сталин любил и другого украинского гения кино — Александра Довженко. Ну «любил» в той мере и виде, естественно, в какой вообще способен любить тиран. Так любят цветы, когда сначала ими любуются и даже поливают в естественных условиях, а потом срывают и ставят в вазу.

Мы не случайно упомянули тут Довженко. Во-первых, они с Кавалеридзе творили практически в одно время и оба были национальными украинскими художниками, а во-вторых, мы чуть ниже вспомним ещё об одной трагической и лирической рифмовке их судеб.

Сковорода, Гурченко и Хрущёв

После войны Иван Петрович был выселен из служебной квартиры и это было всё наказание от Советской власти. А ещё ему до хрущевской оттепели не давали заниматься кино. И только в 1959-м позволили снять фильм о Григории Сковороде.

Сковорода был одной из любимых исторических фигур Кавалеридзе. В 1922 году в Лохвице им был воздвигнут памятник выдающемуся украинскому философу, а затем ещё его 10 вариаций в других городах и весях. Знаменательно, что последней прижизненной работой мастера стал в 1977 году, возведенный на Контрактовой площади в Киеве, памятник Григорию Сковороде.

В 1961 году Кавалеридзе создал экранизацию жуткой в плане натурализма описания ужасов дореволюционной крестьянской действительности повести Панаса Мирного «Повія», в которой блистательно сыграла главную роль юная Людмила Гурченко.

Но радость творчества длилась недолго. В 1962 году после посещения Никитой Хрущевым выставки художников-авангардистов начались очередные гонения, которые завершилась тем, что в Сумах рьяными «исполнителями воли партии» был уничтожен конструктивистский памятник Тарасу Шевченко — один из шедевров скульптора Кавалеридзе.

Памятник Т.Г. Шевченко в Сумах. Автор И. Кавалеридзе

Интересно, что Хрущёв потом отошёл от нервов и помирился с художниками. Но памятник, сгоряча обвиненный вспыльчивым генсеком в «кавказском сепаратизме», уже было не вернуть. Сейчас на его месте стоит Тарас Шевченко в полный рост авторства Якова Красножона.

Однако получить представление о том, как выглядело творение Кавалеридзе можно и сегодня. Практически аналогичный сумскому монумент Иван Петрович возвёл в Полтаве. Он расположен в Петровском парке напротив краеведческого музея.

Завершая разговор о скульптуре, отметим, справедливости ради, что Кавалеридзе, наряду с памятниками знаменитым персонажам украинской национальной истории, не менее талантливо создавал шедевры с изображением большевистских вождей. Например, революционеру Артёму в Бахмуте. А что, ведь они же тоже были люди, двигавшие историю.

Роменский самодеятельный театр

Во времена Украинской державы гетмана Павла Скоропадского Иван Кавалеридзе работал в Ромнах Сумской области в отделе народного образования. В Ромнах, в конце октября 1918 года, он создал первый памятник Тарасу Шевченко, где Кобзарь в полный рост.

Также он преподавал рисование в местных школах и вел городской драмкружок, ставший в 1925 году базой Роменского передвижного рабоче-крестьянского театра.

Это был уникальный театр. Только представьте себе, в нём играли: звезда украинского кинематографа Степан Шкурат («Митька помирает, ухи просит» – помните в фильме «Чапаев»?), Василий Яременко (будущий народный артист СССР),  бывшая тогда уже в летах прима украинской театральной сцены Анна Затыркевич-Карпинская …

Не удивительно, что театр стал центром культурной жизни Ромен. Вокруг него объединились художники, музыканты — вся тогдашняя творческая общественность города.

Самодеятельный театр под управлением Кавалеридзе имел такой успех, что его даже приглашали на гастроли. И билеты на их спектакли было не достать. Репертуар основывался на украинской классике.

Ромны – не просто так провинциальный город. Вот пара имён выходцев оттуда — Исаак Шварц, Абрам Иоффе… И всё же это было феноменально…

Награды и женщины. Начало

В 1968 году Ивану Петровичу было присвоено звание Народного артиста УССР. Ему уже перевалило за 80. Далее были сценарии, ещё памятники, мемуары, президиумы и почётная старость.

И обожание женщин. Кавалеридзе умел по-грузински галантно обходиться с дамами и до последних дней имел у них большой успех.

А вот с женами ему сначала не очень везло. Первая супруга – роменская мещанка Виктория бросила начинающего скульптора и ушла к бухгалтеру. С двумя детьми, между прочим. Вторая – тоже роменчанка, актриса Нина Калиновская после несчастного случая практически перестала выходить из дома.

Почти мистическая связь

Отношения Ивана Кавалеридзе с Ниной Калиновской удивительно и странно похожи на отношения его коллеги и во многом творческого соперника Александра Довженко с его первой женой Варварой Крыловой-Довженко. Там тоже была страстная любовь, а потом травма ноги – как и у Нины – и пожизненная инвалидность. И обе они по своей инициативе ушли от звёздных мужей и, любя до конца жизни, жертвенно отпустили их к другим женщинам. Хорошим женщинам, надо сказать. Юлия Солнцева оказалась не только конгениальной Довженко в творческом плане, но и сумела стать ему другом и опорой. Настоящую подругу и любовь встретил и Иван Кавалеридзе. Но не сразу.

Награды и женщины. Продолжение

Вначале, на съёмках в Одессе в его жизнь вошла ещё одна актриса — Валентина Равинская. Развода с Ниной не было, он случился только в 1959 году, но с Равинской был открытый и бурный роман, завершившийся водевилем. Валентина внезапно, прям как та Золушка Брошкина, объявила об уходе к новому любовнику – полковнику, который купил ей туфельки. На том и расстались.

Последней любовью Кавалеридзе стала певица хора Надежда Капельгородская, с которой они встретились в 1933 году на съёмках «Колиївщини». Она ушла к Ивану от мужа и детей. Это была идеальная женская любовь – она стала ему и музой, и другом, и секретарём. Надежда дружила с Ниной и та даже сама инициировала развод с Кавалеридзе в 1959 году для того, чтобы Надежда официально вышла за Ивана замуж и ей осталась квартира. Это было тогда, когда всем показалось, что Кавалеридзе смертельно заболел. Но они его выходили. Вдвоём. Надежда и Нина. Ибо нет лучшего лекарства и большей награды для мужчины, чем женская забота и ласка.

Иван Кавалеридзе

Говоря о материальных наградах, стоит упомянуть орден Красной Звезды, который Кавалеридзе получил в 1935 году. Напомним, что Орден Красной Звезды учреждён для награждения за большие заслуги в деле обороны СССР как в военное, так и в мирное время. Каким образом Иван Кавалеридзе – человек абсолютно мирной профессии удостоился боевой регалии – одна из многих загадок его биографии. Однако орденом этим Иван Петрович гордился и в титрах к своим кинооперам писал «Постановка режиссёра-орденоносца Ивана Кавелеридзе».

Ушёл он из этого мира 3 декабря 1978 года. Но и это ещё было не всё. В 1997 году в Киеве возле Золотых ворот по его проекту поставили монумент Ярославу Мудрому. А с 1993 года на Андреевском спуске открыт для посетителей музей-мастерская И.П. Кавалеридзе.

Эпилог

Подводя итог, скажем, что Иван Кавалеридзе был гением мирового масштаба, который оказался не в той стране и не в то время. А может и не на той планете, потому что, несмотря на своё грузинское происхождение, он был  украинским художником. А в Украине творцам, всегда было непросто. Особенно тем, кто не играл в подковёрные игры, не прогибался под текущие идеологические правды и не гнулся перед властями. А Кавалеридзе был именно таким.

Владимир Нарбут и Серафима Суок

Есть местности, где сама природа способствует появлению на свет одаренных людей. Глуховский район Сумской области, несомненно, относится к таким местам.

В Глухове, тогда казацкой столице Украины, в середине XVIII века родились великие музыканты Дмитрий Бортнянский и Максим Березовский, а также меценат и друг Бетховена Андрей Разумовский.

А в конце XIX века на хуторе Нарбутовка, вблизи уже глубоко провинциального в ту пору Глухова, в семье выпускника физмата Киевского университета представителя древнего литовского дворянского рода Ивана Яковлевича Нарбута родились два брата — Георгий и Владимир Нарбуты, каждому из которых были одновременно отмеряны небесами великий талант и трагическая судьба.

Владимир Нарбут (родился в 1888 году) – талантливейший поэт-новатор, один из «шести истинных акмеистов», товарищ Николая Гумилева, который предрекал ему «одно из самых значительных мест в послесимволической поэзии» (после Анны Андреевны, разумеется). Соратник Городецкого, Ахматовой, Мандельштама, Зенкевича по «Цеху поэтов». Прозаик, критик, журналист и редактор, куратор первых радиопередач, общественный и партийный деятель, «колченогий» из катаевского «алмазного венца» русской литературы, за намеренное использование украинских слов названный «Гоголем русской  поэзии».

Георгий Нарбут

Георгий Нарбут (родился в 1886 году) – выдающийся художник, классик украинского искусства, основоположник украинской графики, кроме всего прочего, знаменитый тем, что был основателем, профессором и первым ректором Украинской академии художеств.

А ещё тем, что он — автор первых украинских государственных знаков времён УНР – банкнот и почтовых марок, разработчик печати и проекта герба Украинской державы. Произведения Георгия Нарбута во многих отношениях остаются образцом для художников, работающих в жанре книжной графики, плакатистов и живописцев-монументалистов.

Владимир Нарбут хромал из-за перенесённой в детстве операции на правой ноге, приведшей к удалению пятки. У него отсутствовала кисть левой руки, которую удалили после того, как его «неудачно» расстреляли бандиты.

Он заикался, говорил  по-русски с намеренно сильным украинским акцентом, его лицо было истоптано оспой… И при  всём этом вот что пишет о Владимире Нарбуте Валентин Катаев:

 «… высокий, казавшийся костлявым, с наголо обритой головой, в громадной лохматой папахе, похожей на черную хризантему, чем-то напоминающий не то смертельно раненного гладиатора, не то падшего ангела с прекрасным демоническим лицом, он появлялся в машинном бюро «Одукросты», вселяя любовный ужас в молоденьких машинисток; при внезапном появлении колченогого они густо краснели, опуская глаза на клавиатуры своих допотопных «ундервудов» с непомерно широкими каретками…»

«Девушек, секретарш и конторщиц его, должно быть, пронизывают любовные токи от одного его взгляда… Может быть, он даже являлся им в грешных снах», —

добавляет Юрий Олеша, описывая  в своём романе «Зависть» «колбасника» Бабичева, в чертах которого легко узнать Владимира Нарбута.

У Олеши были причины не любить Нарбута, который отбил у него жену Серафиму, одну из трёх сестёр Суок. Впрочем, всё скоро уладилось. Юрий Карлович женился на старшей сестре — Ольге Суок, а на средней — Лидии был женат Эдуард Багрицкий.

К слову, именно жёнам Юрия Карловича Серафиме и Ольге обязана своим именем главная героиня повести-сказки Олеши «Три толстяка». Сказка эта про революцию и поэтому там имя «Суок» означает «вся жизнь» на выдуманном Олешей «языке обездоленных».

Георгий Нарбут одинаково хорошо рисовал обеими руками и имел феноменальную зрительную память, позволявшую ему восстановить на бумаге сложный орнамент, увиденный несколько лет назад. Кроме того, он умел нравиться самым разнообразным людям, вызывая симпатию преданностью призванию художника, свежей юношеской удивленностью миром, чистосердечностью и артистизмом, который выражался даже в необычном для многих повседневном поведении.

Приближение столетней годовщины Отечественной  войны 1812 года вызвало в нём страстное увлечение русской культурой начала XIX в. Нарбут обставил свою петербуржскую квартиру в духе того времени, носил «онегинский фрак» и соответственно причёсывался.

А после Февральской революции, когда Георгий Иванович вернулся в Киев, он так же страстно увлёкся казацким прошлым Украины и в общении перешёл на литературную украинскую речь.

Иными словами, братья были очень похожи тем, что сейчас называется «харизмой». Но не только. Они и женаты были оба дважды и, несмотря, на разницу в возрасте, в гимназии учились в одном классе. В 1906 году одновременно получили аттестаты зрелости. Правда, оценки в них были разные. Владимир окончил курс с золотой медалью, а Георгий – в основном на «три».

Затем оба отправились в Петербург учиться в университете. Там они первым делом явились к кумиру Георгия выдающемуся художнику–иллюстратору Ивану Билибину и так очаровали его, что он после первого же знакомства предложил им для проживания комнату в своей квартире.

«Нарбут огромных, необъятных размеров талант. Я считаю его самым выдающимся, наибольшим из русских графиков», —

позже говорил о Георгии И. Билибин.

Через 6 лет вышел сборник стихов Владимира Нарбута «Аллилуйя». Его оформили И.Билибин и Г. Нарбут, используя церковнославянский шрифт из старопечатной псалтыри. Однако выход книги закончился скандалом — автора обвинили в порнографии, тираж изъяли, а сам Владимир Нарбут, спасаясь от уголовного преследования, был вынужден воспользоваться содействием Николая Гумилёва и предпринять вынужденное пятимесячное путешествие в Эфиопию.

И Георгий и Владимир Нарбуты сочетали в себе художественные и административные таланты. Вот ещё один отрывок из книги «Алмазный мой венец» Валентина Катаева.

«Нашей «Одукростой» руководил прибывший вместе с передовыми частями Красной Армии странный человек — колченогий. Среди простых, на вид очень скромных, даже несколько серых руководящих товарищей из губревкома, так называемой партийно-революционной верхушки, колченогий резко выделялся своим видом. Он принадлежал к руководящей партийной головке города и в общественном отношении для нас, молодых беспартийных поэтов, был недосягаем, как звезда. Между нами и им лежала пропасть, которую он сам не склонен был перейти. У него были диктаторские замашки, и свое учреждение он держал в ежовых рукавицах. Но самое удивительное заключалось в том, что он был поэт, причем не какой-нибудь провинциальный дилетант, графоман, а настоящий, известный еще до революции столичный поэт из группы акмеистов, друг Ахматовой, Гумилева и прочих, автор нашумевшей книги стихов «Аллилуйя», которая при старом режиме была сожжена как кощунственная по решению святейшего синода. Это прибавляло к его личности нечто демоническое…» 

В это время Георгий Нарбут был уже первым ректором Украинской академии художеств, созданной в 1917 году при содействии М.Грушевского. Когда началась гражданская война, в Киеве завертелась беспрерывная смена правительств. При Деникине Академию лишили помещения, и она существовала в квартире ректора.

В  1920 году в связи с возрождением издательского дела, Академия получила  просторное помещение на Крещатике и печатные станки для графического факультета. Однако, именно в это время здоровье художника начало резко ухудшаться и 23 мая 1920 года после операции по удалению камней из почек Георгия Ивановича Нарбута не стало. Вся его биография уложилась в 34 года.

Последний прижизненный сборник Владимира Нарбута — «Александра Павловна» вышел в 1922 году. После этого он, в основном, занимался административной и партийной работой, в частности, — председательством в правлении крупнейшего советского издательства «Земля и Фабрика», заведыванием подотделом Агитпропа ЦК ВКП (б), общественной деятельностью в центральном бюро секции работников печати Всеработпроса…

Художник Георгий Нарбут в последние годы был украинским националистом. Поэт Владимир Нарбут – убеждённым большевиком. Но именно Владимир в 1936 году был арестован по обвинению в пропаганде «украинского буржуазного национализма» и в 1938 году (в том же, что и Мандельштам)  расстрелян в лагере НКВД. В тот день ему как раз исполнилось 50…

Далее пути братьев расходятся.

Георгий Нарбут стал гордостью современной украинской культуры. Хотя его имя присутствует и в российских справочниках по искусству, где его называют «русским художником». Георгий Иванович в почёте, его работы, особенно «Абетка», иллюстрации к «Энеиде» И. Котляревского и к басням И.Крылова считаются шедеврами и являются классикой украинской графики, о нём помнят, его биографию изучают, сочинённый им  оригинальный шрифт до сих пор широко тиражируется украинскими художниками.

А поэт Владимир Нарбут… Как русскоязычный автор он вроде бы часть русской культуры, которой теперь в Украине не занимаются. Однако после смерти поэта в России не было издано ни одного сборника его стихотворений. Последним был ещё советский, вышедший в 1990 году в издательстве «Современник». И больше Владимира Нарбута, одного из талантливейших и своеобразных поэтов  XX века не издавали…

Ещё по теме: Графіка Георгія Нарбута в зібранні Сумського художнього музею ім. Н.Онацького

P.S.

***

Одно влеченье: слышать гам,
чуть прерывающий застой,
бродя всю жизнь по хуторам
Григорием Сковородой.

Не хаты и не антресоль
прельстят, а груша у межи,
где крупной зернью ляжет соль
на ломоть выпеченной ржи.

Сверчат кузнечики.
И высь —
сверкающая кисея.
Земля-праматерь!
Мы слились:
твое — мое, я — ты, ты — я.

Мешает ветер пятачки,
тень к древу пятится сама;
перекрестились ремешки,
и на плечах опять сума.

Опять долбит клюка тропу
и сердце, что поет, журча,—
проклюнувшее скорлупу,
баюкаемое курча.

***

СИРИУС

Ангел зимний, ты умер.
Звезда
синей булавкою сердце колет.
Что же, старуха, колоду сдай,
брось туза на бездомную долю.

Знаешь, старуха, мне снился бой:
кто-то огромный, неторопливый
бился в ночи с проворной гурьбой,—
ржали во ржах жеребцы трубой,
в топоте плыли потные гривы…

Гулкие взмахи тяжелых крыл
воздух взвихрили, и — пал я навзничь.
Выкидышем утробной игры
в росах валялся и чаял казни.

Но протянулась из тьмы рука,
вылитая — верь! — из парафина.
Тонкая, розой льнущая, ткань,
опеленав, уложила в длинный
ящик меня. 

Кто будет искать?
Мертвый, живой — я чуял:

потом
пел и кадил надо мною схимник,
пел и кадил, улыбался ртом,—
это не ты ли, мой ангел зимний?

Это не ты ли дал пистолет,
порох и эти круглые пули?..
Песья звезда, миллионы лет
мед собирающая в свой улей!

Ангел, ангел, ты умер.
Звезда,
что тебе я — палач перед плахой?..
В двадцать одно Сыграем-ка.
Сдай,
сдай, ленивая, сивая пряха!

***

УКРОП

Тянет медом от укропа,
поднял морду, воя, цербер.

Из-за века — глаз циклопа:
полнолунье на ущербе.

Под мельницей ворочает
колеса-жернова
мучарь да нежить прочая,
сама едва жива.

А на горке, за овином,
за цыгельной — ветряки.
Ты нарви, нарви, нарви нам,
ведьма, зелья от руки!

Пошастать бы амбарами,
замки травой взломать:
не помирать же старыми,
такую твою мать!

Прется виево отродье;
лезет в гору на циклопа.
Пес скулит на огороде,
Задыхаясь от укропа.

***

Живопись Георгия  Нарбута 

Стихи Владимира Нарбута  

Источник: медиа портал АТС creativpodiya.com

Римская мозаика с изображением черного пса на цепи и надписью «Cave Canem», что в переводе с латыни означает «Бойся собаки», а на современный лад звучит как «Осторожно, злая собака» несомненно, является одной из самых известных в мире. Реалистичное изображение цепного пса словно предупреждает и заставляет быть осторожными в своих намерениях всех, кто переступает порог Домуса Поэта-Трагика в Помпеях.

Эта уникальная мозаика, выполненная с особой точностью и вниманием к деталям, стала одной из наиболее часто копируемых древнеримских мозаик в мире. К сожалению, этот шедевр еще несколько месяцев назад был в плачевном состоянии: портился из-за инфильтрации в материал влаги, грязи и запущенности, находясь в состоянии удручающей деградации.

Ранее мы писали: Воры стали возвращать фрагменты города Помпеи

Сегодня эта мозаика возвращена взглядам посетителей, которые стекаются в Помпеи, несмотря на летнюю жару. Мозайка восстановлена практически до первозданного вида. Есть ещё одна маленькая, но важная деталь  — установлена прозрачная панель, которая защищает ее, но в то же время не скрывает от осмотра.посетителями.

Источник: Italia-ru

Ахтырская Богоматерь ХVIII в.

Он представляет своеобразную иллюстрацию Богородичного канона, который читают на страстной неделе перед Пасхой. Одновременно отражены первая и последняя недели Великого поста, ибо на первой церковь отмечает установленный на седьмом Вселенском соборе день Торжества Православия, символом которого является двуглавый орел, (герб, возникший еще в Византии), а последняя – страстная, изображает само Распятие, перед которым предстоит Дева Мария. Подобный богородичный извод характерен и для других икон подобного типа, одной из которых является «Самарская Божья Матерь». В 1808 году икону привезли запорожские казаки с востока в Самарский Пустынно-Николаевский монастырь, расположенный недалеко от г. Новомосковска, и установили Ее в военной церкви Коша Запорожского. Впервые этот образ, находящийся в Николаевской церкви деревни Новый Кайдак и также почитающийся как чудотворный, упоминается в 1736 г.

Иконография происходит от пророчеств о Ее особенной «уготованости» и «очищенности» от «чрева матери», переданных сирийским богословом ІV в. Ефремом Сириным. Эти предвидения легли в основу композиции слобожанского образа с идеей о начале и конце («альфе и омеге») земного бытия Сына Божьего, непосредственным свидетелем рождения которого была Дева Мария.

Ахтырская Богоматерь ХIХ в.

В прадавние времена к престолу – священному месту храма, который символизировал представление о смерти Христа и Его царской славе – церковнослужители выносили икону Богоматери и деревянный крест с Распятием. Присутствие образа Божьей Матери у трапезы, где происходит освящение Святых Даров в Тело и Кровь Христа, имело глубокое содержание, постоянно напоминало об истинном воплощении Бога и молитвы перед Ним Его Матери  за все человечество. Пророк Исайя в своей книге утверждает, что Мария является пророчицей своего жизненного пути – ибо «Дух Господа сошел на Нее и сила Вышнего осенила Ее» (Ис. 8, 1–4).

Задолго до чудодейственного явления иконы «Богоматери Ахтырской» в тот самый день ( 2 июля) состоялись другие известные события. Так в 458 г. святитель Геннадий перенес «чесную ризу Богоматери» во Влахернский храм ( г. Константинополь), в этот же день были явлены чудотворные образы Феодотьевской (1487 г.) и Пожайской (1674 г.) икон Божьей Матери.

Несмотря на то, что образ Ахтырской Богоматери явился значительно позже – своей чудодейственной силой исцеления людей он получил большое признание и любовь верующих.

По одной из версий эта икона как «дорожная» была завезена на Сумщину военными и среди украинского казачества и гусар Ахтырского полка была особенно почитаема. На военных штандартах она была рядом с образом Спасителя. Из истории известно, что Ахтырка была основана в 1641 г. царем Алексеем Михайловичем, до того она принадлежала Польше и крымским татарам. Данная канонизирована во время Елизаветы Петровны. Тогда в Ахтырке стоял один из пяти слободских полков. Военными и гражданскими делами руководили полковники и старшины, имеющие свою канцелярию. А по делам духовенства ахтырские храмы принадлежали Белгородскому епархиальному управлению.

Ахтырская Богоматерь
Мастерская М. Охраменка 1850-е

В начале ХVІІІ в. в Ахтырке была старая деревянная церковь Покровы Пресвятой Богородицы, в которой служил священник отец Даниил (Полянский) – «муж благоговейный, простой, кроткий и благочестивой жизни». Именно ему довелось стать свидетелем обретения чудотворного образа. Летописи свидетельствуют, что во дворе, заросшем густой травой и дикой ромашкой, во время косьбы он увидел икону, от которой шел яркий свет, и священник «… сотворив на себе крестное знамение, начал читать пришедший ему на память кондак празднеству Рождества Богородицы». Затем он занес икону в дом, а через три года это же сияние повторилось, после чего отец Даниил отнес икону в церковь.

Иконой лечили людей от множества различных болезней, особенно помогала от лихорадки. Она является покровительницей сирот, к ней обращались государственные мужи. По приказу императрицы было записано и проверено 324 случая исцеления людей от тяжких болезней, после чего в 1751 г. Святейший Синод признал икону «Ахтырской Богоматери» чудотворной.

В 1744 г. Ахтырку посетила сама Елизавета Петровна с графиней Марфой Шуваловой специально для того, чтобы почтить образ, радуясь Божьей милости, что икона явилась именно в час ее правления. В благодарность она решила построить храм и «…благоволила жертвовать от своих царских щедрот 2000 рублей». И по инициативе ахтырского полковника Федора Каченовского с «величайшего соизволения» в апреле 1753 г. был заложен Свято-Покровский собор по проекту русского зодчего Д.В. Ухтомского, а открытие и освящение храма произошло в июле 1768 г. белгородским епископом Порфирием (Крайским).

Величественный белокаменный храм. Его правый алтарь посвящен Ахтырскому чудотворному образу Богоматери, левый – во имя Свв. Захария и Елизаветы (родителей Иоанна Крестителя). Свято-Покровский собор является одним из лучших примеров отечественного барокко. На его алтарь графами Шереметьевыми, Паниными и Чернышовыми были сделаны большие пожертвования. Тогда же С.Б. Шереметьев подарил собору новую икону Ахтырской Богоматери с мощами святых в серебряной с позолотой ризе, украшенной драгоценными камнями, которая в 1917 г. была похищена большевиками, а собор на долгие годы превратился в склад. Сама же чудотворная икона была вывезена еще в 1903 г. в Санкт-Петербург.

Ахтырская Богоматерь Конец ХIХ в.

Как-то во сне Богородица попросила священника: «… омый мя и приодей мя ризой”, после чего в 1743 г. икона была «одета» в чеканный барочный оклад с нимбом и короной. Традиция окладов с короной ведет к ХVІ в. и связана с распространением золотно-чеканного ремесла. К этому же времени относятся и рельефно-левкасные иконы, имитирующие оклады, которые имели глубокий смисл, связанный с библейским понятим духовных миров – горнего и дольнего (уникальные образцы хранятся в Сумском музее). Этот же образ был распространен и на дукачах, которые носили представители зажиточного сословия Гетьманщины и Правобережной Украины. На западноевропейское влияние в православной иконописи в своих воспоминаниях указывает сирийский путешественник ХVІІ в. Паоло Алепский о казацких мастерах, которые использовали: „…красоты живописи лиц и цвета одежд от франкских и ляшских живописцев-художников и теперь пишут православные образы, будучи обученными и искусными”. В Украине особенно популярной была Библия Пискатора, изданная в 1650 г. в Амстердаме. С этого времени украинские иконописцы в изображении святых все чаше обращаются к указанному изданию и к западноевропейской гравюре на библейские темы. Появляются барочные картуши, византийский канон уступает трёхмерным реалистическим изображениям, на нимбах часто встречается растительный орнамент, или, как в католических изображениях – сияние, где цвет обретает декоративность, а чувства становятся драматичнее.

В сер. 1760-х гг. в Ахтырку был приглашен известный харьковский живописец и педагог Иван Саблуков (1735-1777), воспитаник Петербугской Академии художеств. Для Покровского собора он написал много икон, там же он организоал иконописную мастерскую. Среди его учеников значится и наш земляк, известный архитектор Петр Ярославский. Можно предположить, что Саблуков и его ученики не обошли своим вниманием и образ Ахтырской Богоматери, который во ІІ-й пол. ХVІІІ обрел художественно- профессиональные черты.

История оставила несколько имен мастеров, отмеченных этим образом. Из летописей – первым иконописцем, кто видел чудотворную икону и по просьбе священника должен был ее обновить был Иван Богомаз (распространенный псевдоним украинских иконописцев-богомазов). В 1753 г. один из списков писал художник Иван Грек.

Ахтырская Богоматерь 1768 г.

В Сумском художественном музее хранится несколько икон, одна из них датирована 1768 г. с надписью: „…а писа иконописец Михаил Иванов сын Денисов”. Народной поэтичностью наполненный другой список с характерным полесским орнаментом (1838). В конце ХІХ в. это изображение выгравировал Л. Серяков (журнал «Русский паломник», 1887р.). Множество подобных образов сохранилось на Сиверщине. В Черниговском художественном музее среди нескольких списков хранится типовая икона, происходящая из мастерской Михаила Охраменка, датированная 1857 г., с которой в конце ХІХ – нач. ХХ были распространены хромолитографии. Ахтырскую Богородицу писали в русских городах Мстере, Палехе и Холуе, где производство икон было поставлено на поток, а популярностью пользовались так называемые „краснушки” (с преобладанием киновари), в которых одной графьёй с нарушением всех пропорций и правил, но искренне, от души нарисованы простые девчата с косами перед условным распятием. Множество списков происходит из слобожанской территории Сумщины – Харьковщины и Белгородщины. В селе Борисовка (на границе с Велико-Писаревским районом Сумской области) существовал центр народных ремесел с развитием иконописания, основанный в ХVІІІ ст. графом Б. П. Шереметєвим.

Списки с Ахтырской иконы находятся в православных церквах разных стран мира, в том числе в США и Канаде. В 1994 г. Харьковским митрополитом Никодимом в Ахтырский собор торжественно была передана одна из таких икон, привезенная из северной Америки в барочном серебряном окладе.

На иконе Богородица пребывает в постоянной молитве и представлявляет глубокое смиренне и полную покорность Божьей воле. Согласно Иоанну Домаскину Пречистая Дева Мария зачала в себе древо жизни – Христа и принесла миру Спасителя, благодаря чему был уничтожен грех первых людей. Наша икона появилась намного позже Византийских и Афонских образов, но по своим изобразительно-выразительным особенностям, передаче внутреннего молитвенного состояния не уступает известным Богородичным творениям. В ней прочитывается Симеоново пророчество: „… и оружие пройдет душу Ея” (Лук. 2, 35). Сакральный символ Ахтырской Богоматери как молитвенницы перед Богом за весь человеческий род и образ Покрова, в честь которой назван храм в Ахтырке, имеют общую духовную принадлежность к типу Агиосоритиссы (Заступницы).

Ахтырская Богоматерь.
Старообрядческая ХIХ в.

С ХІІ в. образы Покрова Богородицы получают особенное распространение в Киевской Руси: строятся храмы, монастыри, появляются иконы, а также гимнографические и литургические тексты. В это же время сложилась иконография Богородицы молитвенницы в иконах с образом распятия и в Деисусах (с лат. – молитва). Автором акафиста Ахтырской Богородицы был А.Ф. Ковалевский (ХІХ ст.), судьба которого связана с Харьковом (его прадед был исцелен от тяжелой болезни благодаря Ахтырской иконе).

Композиционно-цветовой строй произведения изображает православное Распятие на Голгофе, на том самом месте, где погребен ветхозаветный Адам. Ступни Христа не скрещены и прибиты на одном гвозде (католическая интерпретация), Его фигура как бы стоит на восьмиконечном кресте (число символизирует бесконечность) в терновом венце на фоне светлого пейзажа, а пригвожденными руками «обнимая» весь мир. Именно этот извод был особенно распространен на Слобожанщине. Встречаются изображения реалистически-пространственные, условно освещенные и символизируют надежду на нетварный фаворский свет. В богословии Христос соотносится с Солнцем, от котрого исходит свет правды. Старая классическая схема Византийского аналога Распятия уступает новым взглядам в трактовке образа, согласно эстетическим требованиям времени.

Ахтырская Богоматерь Конец ХIХ в.

В нашей иконе доминирует мариологическая символика, которая отвечает священным литургическим текстам о храме в душе, спасении и вечной славе. Темный лик Богоматери подчеркивал отчужденность от суетной жизни, глубину переживаний. В иерархии цвета канонической иконы золото первенствовало, подчеркивало святость вечных ценностей, красный мафорий с золотым обрамлением на плечах Девы Марии – символ жизни („…рясны златами одеяна и преиспрещрена” (Пс.44), вскоре покроет Её голову навсегда. Зеленый далматик указывает на молодость, весеннее цветение, именно весной празднуют Воскресение Христово, после долгого строгого поста, а синий на рукавах – духовность. Художник обращает внимание на земное и сакральное существование, наполненное особенным достоинством Отроковицы. Ее аскеза указывает на славу Христа и, в то же время – отчужденность от земного, что было характерным для глубоко верующего человека. В иконе, как и в акафисте, спокойное смирение органично сочетается с жертвенной радостью. Такие главные добродетели как смирение и покорность были особенно свойственны православному христианину.

На полях Ахтырской иконы, часто присутствуют святые, чьи имена носили заказчики (ктиторы, донаторы) иконы. Кроме привычной русской «плетенки» был распространен и барочный орнамент в виде золотых «картушей» на темном фоне, напоминающий аксельбанты на гусарских мундирах. Именно эти «картуши» на полях, орнаментированные золотом мафорий и поручи Марии, а также нимб и буквицы с титлами, придают иконе особенную торжественность. Восьмиконечные звездочки на плечах символизируют троическое Приснодевство Марии до рождения, в рождении и после рождения Сына Божьего Иисуса Христа.

В образе иконы «Ахтырской Божьей Матери», явленной на Сумщине, отражены лучшие традиции иконописания украинского барокко, классицизма и народного искусства, перед которым склоняются все верующие.

Копия художницы значительно отличается от существующего оригинала, главным образом своей цветовой палитрой. Причина тому в возрасте картины. Над созданием копии работала Дженнес Кортес. Стоит добавить, что художница рисует в жанре классического реализма.

Во время работы Кортес основывалась на сведения о картине из Центра музейных исследований и реставрации Франции. Помимо этого была проделана огромная изыскательская работа. Были проанализированы многочисленные исторические сведения о полотне-оригинале, его копиях, проведен анализ поверхности картины и красящего состава, использовавшегося для создания полотна.

Ранее мы писали: «Во Франции собрались продать Мону Лизу»

Современная «Джоконда» достаточно сильно отличается от оригинала созданного Леонардо. Многие участки на копии значительно светлее, другие наоборот – темнее. По словам Кортес причина отличий заключается в естественных химических процессах, происходящих в лаке. Влияют на картину также влажность, чрезмерная чистка и другие реставрационные работы. В результате всего этого с полотна начинают исчезать наименее стойки пигменты лака.

Помимо всего этого Кортес полностью восстановила некоторые утраченные участки полотна, например брови. Были отреставрированы и многие другие мелкие детали.

Ранее мы писали: Американский дизайнер выяснил, что держала в руках Венера Милосская (фото)

Дженнес Кортес выразила надежду на то, что ее «Джоконда» понравится всем, кто ее увидит. Реставратор добавила, что вложила в полотно-копию все свои знания, силы и страсть, и очень надеется на то, что «над ней парила также игривая муза, что и когда-то над Леонардо». При всем при этом американка отметила, что не в коем разе не претендует на соревнование с великим мастером.

Источник: kulturologia.ru

Самира Янушкова – украинская художница, известная на весь мир своими акварелями. Вразрез с классическим пониманием работы в данной технике, Самира использует в качестве основы для произведений бумагу из хлопка. А краски из ценных пигментов только подчеркивают отношение художницы к своей работе.

В своем творчестве Самира обращается к жанру пейзажа и портрета, однако почетное место среди ее работ занимают натюрморты и бытовые зарисовки, выхваченные из повседневности взглядом человека, который больше всего любит жизнь и наслаждается каждым мгновением. Чеснок, яблоки или старый бидон, в акварелях Самиры все они воспеты с невыразимой нежностью и любовью.

Когда-то эти вещи были частью детского мира, их озаряло солнце и улыбки близких людей. Прошло время, исчезло гудение пчел и аромат домашней еды, кого-то из близких больше нет рядом. Но осталась любовь. Настоящая, безграничная способная возродить цвет, звук и аромат. Способная вернуть время и оживить воспоминания.

«Мой дом – это моя планета, моя страна, мой народ. Когда понимаешь это, тогда осознанно начинаешь любить свою культуру, традиции, язык, всю страну, оберегать и сохранять все, что с ней связано. Любовь начинается с простого домашнего яблока и разрастается до украинских казаков, истории и культуры. А солнце помогает – оно для всех, одно, наше», – говорит художница.

Работы Самиры – воплощенные в цвете чувства и эмоции. И каждый найдет в них свое собственное убежище от жизненных невзгод, свои двери к теплым детским воспоминаниям.

Самира Янушкова (род. 1981, Одесса). Закончила Днепровский театрально-художественный колледж (2003; специализация – декоративно-прикладное искусство) и Днепровский национальный университет имени Олеся Гончара (2008; кафедра украинской филологии и искусствоведения). Дипломированный акварелист. С 2018 – активный участник выставок, арт-ярмарок и фестивалей художников акварелистов областного, всеукраинского и международного уровня. Среди них – Международная выставка акварели (Украина, 2018), 1-й международный фестиваль акварели IWS Czech Republic (2018), Art Zurich (2019) и Our Wonderful World (2020). Участник IFAM Global, «Мир современной акварели» (2021). Заняла первое место в онлайн-конкурсе «Golden brush» «Love. Peace & Tolerance through Art» на Международном акварельном фестивале от Международного акварельного сообщества Турции (IWS Turkey) в Измире. Победитель всеукраинских и международных конкурсов, обладатель около десяти Специальных наград в Международных выставках-конкурсах. Член Международной ассоциации акварелистов IWS (с 2020). Член Национального союза художников Украины (с 2021). Вошла в список 100 лучших художников США (2021). Работы Самиры экспонируются во многих странах мира: Украине, России, Франции, Италии, США, Швейцарии, Малайзии, Вьетнаме, Турции, Индонезии, Болгарии, Финляндии, Мьянме, Румынии, Японии, Чехии.

Выставка Самиры Янушковой «Цвета солнца» пройдет в арт-галерее «Мануфактура» с 26 февраля по 28 апреля 2022 года.

Вход свободный!

Адрес: Обуховское шоссе, 2
Время работы: ежедневно с 11.00 до 19.00
Информация по тел.: +38 (044) 200-9747
E-mail: pr.art.manufactura@gmail.com

Смешивая краски, Джон Брамблитт (John Bramblitt) сравнивает себя с кулинаром, который добавляет в блюдо нужное количество ингредиентов точно по рецепту. А все потому, что увидеть, каков же результат его стараний Джоан не может. Он слеп, но пишет картины, чувствуя на ощупь, какими красками пользуется и как кладет мазки.

Он потерял зрение из-за эпилепсии, симптомы болезни впервые появились в 11 лет, и к 30 годам он перестал видеть. Казалось, что жизнь потеряла смысл, ведь все мечты оказались несостоятельными, а планы на будущее были разрушены. Художник вспоминает, что у него была сильнейшая депрессия, и он не видел выхода из этого состояния.

Чтобы побороть отчаяние, Джону Брамблитту понадобился год. Он решил для себя, что найдет способ рисовать, чего бы это ему не стоило, и действительно научился работать с красками, накладывая мазки так, чтобы они были ощутимы на ощупь. По словам самого Джона, его первый рисунок был совершенно неуклюжим, но сам факт, что он сумел соединить разрозненные линии воедино и создать целостное изображение, вселил в него веру. Эта была искра надежды в темном мире его отчаяния.

Ранее мы писали: В Сумах дети-инвалиды помогают друг другу

Начал он писать быстрозасыхающим клеем из тюбика, что позволяло ему на ощупь чувствовать нарисованные линии. Сейчас же он освоил масляные краски.

Приступая к работе, художник вначале детально продумывает в уме композицию. Материалы Джон Брамблитт подбирает тоже особенно: он утверждает, что разные цвета масляных красок имеют различную консистенцию. Например, белая краска густая и напоминает зубную пасту, а черная более жидкая. Кроме того, тюбики в мастерской подписаны шрифтом Брайля, так что Джон может ориентироваться, какой цвет держит в руках.

Ранее мы писали: Ученые из США создали программу и определили самых креативных художников

С тех пор художник совершенствует свое мастерство, и сегодня в его коллекции немало ярких, динамичных картин, которые вызывают восхищение у зрителей. Джоан Брамблитт живет в Дентоне (штат Техас, США), он хорошо известен не только в Америке, но и за ее пределами.

Талантливый мастер пишет картины уже более 10 лет, за эти годы о нем неоднократно рассказывали в прессе, он получал награды на всевозможных конкурсах и выставках. А сам Джон Брамблитт признается, что в какой-то мере даже благодарен судьбе за то, что ослеп. Начав бороться с недугом, он открыл в себе настоящий талант, сумел самореализоваться и найти цель в жизни.

Многие художники, вдохновившись какой-либо историей, рисуют довольно неплохие картины с ее героями. Однако для того, чтобы создать по-настоящему интересную иллюстрацию для книги одного таланта оказывается мало. Надо выучиться на иллюстратора, освоить специфику профессии. Потом Художнику нужно понять то, что вложил в произведение сам автор, составить свое уникальное видение и лишь потом представить читателю рисунки, которые будут радовать глаз. Именно такие иллюстрации и украшают книги, которые нравится перелистывать как взрослым, так и детям.

Ранее мы рассказывали о наиболее заметных российских иллюстраторах, которые проявили себя в области рекламы. На сей раз предлагаем вам посмотреть на лучшие работы художников, которые рисуют обложки и картины для книг.

Галя Зинько

Маша и медведь

Сережин свитер

Сказка о мертвой царевне и семи богатырях

Инна Капустенко

Сэдэй

Мудрец

Елочка

Аринушкин Андрей

Princesse

Безумству храбрых

Рыцарь-эльф

Виктор Бритвин

Ярмарка

У озера

Индийский нож

Лев Каплан

Голгофа

Большая стальная рыба революции II

Окно в мир фермера Уайетта

Непомнящий Дмитрий и Попугаева Ольга

Ежик

Август

Покатушки

Полина Яковлева

Лето спать ложится

Обои для детской комнаты

Дождливый вечер

Павел Кульш

Демисезонный чайник

8 марта

Совенок

Арсен Джаникьян

Про одеяло

Ежик-солнце

Воздушные рыбки

Курбатова Маша 

С наступающим!

Лизавета

За вышивкой

Фомин Николай

Якутия

Сибирские глаза

Кицунэ ты моя, Кицунэ

Глеб Бедарев

Василиса Прекрасная

Иван Царевич и белый полянин

Кощей бессмертный

Дмитрий Резчиков

Белый волк

Белый волк

обложка книги Белый волк

Зовсім недавно у Сумській дитячій художній школі ім. М.Г.Лісенка запровадили традицію кожні 30-45 днів представляти виставку мистецьких робіт одного з викладачів закладу.

Отже виставка «Пелюстки. Насолода кольором» Наталії Миколаївни Полякової стала першою з таких вернісажів у 2022 році. Відкриття відбулося 13 січня.

Наталія Миколаївна Полякова працює викладачем художньої школи з 2005 року. За цей час вона проявила себе як талановитий викладач, що має високий фаховий рівень з образотворчого мистецтва.

Персональна виставка розкриває неябиякий художній хист Наталії Миколаївни. Глядачи побачать живописні та графічні роботи у різних матеріалах та техніках: акварель, олійний живопис, олівець тощо.

Автора надихають класичні жанри: натюрморт, пейзаж, портрет. Виконання робіт є своєрідним та авторським. Особливої уваги заслуговують натюрморти з квітами, з яскравим, соковитим колоритом, сповнені радості буття людини в цьому світі. Автор оспівує звичайні, але дуже важливі речі, радість від споглядання навколишнього світу, квітів, сонця.

Учні Наталії Миколаївни – постійні учасники та переможці міських, обласних, всеукраїнських та міжнародних конкурсів образотворчого мистецтва. Кожного року випускники класу Наталії Миколаївни Полякової на високому рівні складають вступні іспити з образотворчого мистецтва у мистецькі заклади України.

Наталія Полякова активно бере участь у виставках Національної спілки художників України, постійно знаходиться у творчому пошуку. Своїм прикладом спонукає учнів до творчості, любові до мистецтва.

Раніше ми писали: В Сумах увековечили память известного скульптора